描述
在亨利·马蒂斯（Henri Matisse）于1900年进行的一部作品《巴黎圣母院》（Notre Dame）的沉思中，一个人沉浸在一位艺术家的精湛过渡中，他开始将自己的声音定义在现代艺术的巨大结构中。自从其第一次巴科塔展览引起了人们对观众深刻共鸣的印象以来，这种尺寸为49x60厘米的帆布上的油捕捉了著名的巴黎大教堂的亲密但充满活力的代表。
乍一看，巴黎圣母院的标志性结构占主导地位，但马蒂斯选择了一种绝对的个人和沉思的方法。与经常与当时建筑表示相关的字面和详细繁殖相反，这里的大教堂通过一系列几何计划和卷似乎被暂停以昏暗的平衡而揭示。马蒂斯（Matisse）后来将正式拥抱的早期引入的野牛主义在简化轮廓和颜色增强的方式上可以显而易见。
Matisse的色彩选择特别值得注意。 Cerúleos和绿色的音调不仅在天空和景观中遍及景观，而且在建筑结构本身中被嵌入，从而使它们具有几乎空灵的质量。这种选择性的颜色使用预示了马蒂斯在随后的作品中解决色彩的胆怯，在情感构造和被捕获环境的情绪表达中发挥了基本作用。
在这篇文章中，人类存在的概念几乎是一个不存在的回声：巴黎生活是被暗示而不是明确显示的。阴影和光线似乎暗示着围绕大教堂的街道上的运动和活动，但是正是这种难以捉摸的活力使这幅画使绘画具有梦想的氛围，对几乎想象中的巴黎的表情远不止于事实。
这项工作中最有趣的元素之一可能在于其组成，一种情感图，线和角度指导外观向中心点，然后将其分散到画布的不同角落。这个观点游戏不仅提出了建筑可视化，而且提出了即时本身的临时扩展。这是马蒂斯最大的遗产之一：在同一绘画空间中共存结构和情感的可能性。
亨利·马蒂斯（Henri Matisse）通过“巴黎圣母院”（Notre Dame），不仅为我们提供了一个城市的窗户，而且还提供了一种观察方式。这幅画是视觉语言的早期证词，艺术家会发展大胆，超越了对纯粹的主观性和崇高表达世界的严格学术限制。在其中，是第一个颜色和形式的bab亵，在半个多世纪以来，它将定义他们无限的搜索，以通过艺术来捕捉生活的本质。