10幅最著名的抽象绘画

标题 - 第一个抽象水彩 正如在大多数画中发现的那样，我们发现了良好的颜色，但是使用水彩代替油，使这项工作变得非常有趣，并在1910年生产非常独特。这项工作似乎非常紧密很快就完成了，这是这种艺术形式的典型特征，因为绘画干燥很快。 他还表现出色，而不必担心精度太多，而是将更多的重点放在颜色的选择上，并用不同的形状和线条填充画布。 这确实是抽象的，随着他在职业生涯的发展，他以他使用的方式越来越远离现实，这似乎越来越出现。

坎廷斯基专门从事油，但不时与水彩画合作。 我会发现这种简单的工作方式，并且也适应了快速学习的作品，我试图理解未来作品的设计。 他还在其他时候使用光刻，Xylographs和蚀刻，尤其是在他职业生涯的早期阶段特别实验的时候。

坎丁斯基与水彩画合作，可以在短短三天内完成这幅画。然而，尽管他仓促，坎廷斯基还是在开始最终作品之前对这项艺术品进行了几项研究。加入标题可以解释的速度的是他的色彩选择，因为坎丁斯基巧妙地选择了他知道他们当时会忠实地代表他的情绪的颜色。也被绘制，强调和强调看到这幅画所经历的混乱和紧迫性的线条和形状。

在这项艺术品中，通过所代表的松散和模糊的线条清楚地证明了抽象，这引起了当时的艺术人群之间的极大兴趣。没有标题是抽象艺术运动的重要煽动者，因为这是第一次遥不可及的东西被接受为当时艺术​​作品中的足够主题。 无题 它标志着欧洲艺术中的一个决定点，例如传统艺术品的离开朝着更抽象和不受欢迎的艺术作品。

1910年至1914年之间的时期被认为是坎丁斯基职业生涯的顶峰和他最大的艺术成就的巅峰之作。因此，没有标题，它是公然丢弃所有可识别形式的所有参考的艺术品之一，并源于西欧代表绘画的习惯所带来的局限性。

在此期间，坎丁斯基创作的大多数作品中，这种完全自由的概念占据了一个重要的位置。

第2号成年＃7 -Hilma af klint

尽管她并不像当时的许多男性艺术家那样众所周知，但瑞典艺术家希尔玛·阿夫·克林特（Hilma Af Klint）是一位抽象的先驱艺术家，其激进画是她许多男性同时代人之前的。他要求他的出色工作，一生中从未表现出来的大多数工作，死后20年。 

该系列代表着生活的阶段，包括童年，青年，成熟和老年。它们结合了植物因素和指代生育和生长的可识别有机物体。

这 年龄 成人 希尔玛·克林特（Hilma Klint）的第7号 这是一个巨大的画布，高3米，宽2米，在纸上，在录音室地板上涂上，然后粘在画布上。

Af Klint用淡淡的多种形式解释了成年，这些形式在淡紫色背景上以不同的尺寸和颜色自由流动。中央黄色符号类似于花，而螺旋和生物形态形式是生长和生育能力的象征。

塞内西奥3号 - 保罗·克莱（Paul Klee）

于1922年完成 塞内西奥绘画 这是保罗的幽默感和非洲文化的体现。保罗使用了简单的颜色和形状，利用几种橙色，红色和黄色的音调来揭示一个老人的肖像。形式的艺术使用给人以一种错误的印象，即抬起眼睛。它的左眉由三角形表示，另一个由简单的曲线形成。该肖像也被称为一个男人的头脑头，并通过使用模棱两可的形式和形式，有意模仿儿童艺术的作品，并以最少的面部细节模仿。

人脸的这种适应在矩形中被颜色分开。平坦的几何广场位于一个代表蒙面脸部的圆圈内，并显示了骚扰的多色西装。表演者塞内西奥艺术家的肖像可以看作是艺术，幻觉与戏剧世界之间不断变化的关系的象征。这幅画展示了克莱艺术的原理，其中界线，颜色和太空计划的图形要素是由艺术家思想的能量发动的。用他的富有想象力的涂鸦，他用自己的话语喜欢“脱下步行线”。

第4号埃蒂尔·布鲁（Etail Bleue） - 琼·米罗（JoanMiró）

Etoile Bleue绘画 这是Miró之间的象征性艺术和抽象艺术之间的过渡。

这幅画以米罗职业生涯中最重要的绘画而闻名。特别是，在他未来的几部作品中可以看到使用的蓝色蓝色，甚至影响了Mark Rothko和Yves Klein等画家。

Etoile Bleue是一幅很棒的画，但它是一幅问题而不是答案。

米罗（Miró）是一个像今天这样多样化的时代的伟大合成器，但当时的艺术思想比今天更加复杂。

这幅画结合了野牛的颜色，立方体主义的形状和超现实的意图，观众可以一次又一次地探索。这是很多事情之一，您有很多问题的答案像图片一样梦幻。

如果在左上角观察到蓝色。这是一只鸟。很可能是，但是鸟不清楚。看一会儿，它肯定可以说它是一种动态形式，但是它可以很容易地说它飞向左或向右甚至向下并朝着我们飞行。

下部中心的大红色碎片。是脚吗？它绝对被视为稳定和锚定，因为蓝色的作品是动态的。

这幅画是您恋人的宝石。乍一看，它有些摆动并移动，但是片刻，它在右下方的弹性数字上移动。

米罗（Miró）是一位加泰罗尼亚艺术家，1893年出生于巴塞罗那，称他的超现实梦想景观peinture（étoilebleue）1927年是一个关键形象，并结合了他在以后的几年中反复使用的符号，甚至包括后来的蓝色后来的画家，包括马克（Mark）罗斯科和伊夫。克莱恩

第5号。作曲VII- Wassily Kandinsky

这 绘画作品VII 许多抽象艺术粉丝认为Wassily Kandinsky是20世纪最重要的艺术作品，甚至可能是有史以来最重要的抽象绘画。

这项工作是组成V和 组成VI 。这三幅画与启示录的主题联系在一起。这项工作中如何追溯洪水和复活的组成vi要素。它的主要主题是最终的判断，但它不是被视为一场灾难，而是一种解放，从世界到精神的过渡。因此，组成VII与该系列的其他作品不同，其透明色彩及其闪闪发光的对比度。

坎丁斯基建立了他的每一个作品，以便观众可以进入图像，就像在她体内转动一样。他使构图的下边缘较重，将其向前推动，而上部对于观众来说更轻，更遥远。艺术家的主要对比之一，蓝色和黄色构成了主动运动的中心区域。

坎廷斯基花了很多月的时间准备他的作品VII，但只花了四天的时间就画了她。艺术家对这幅画进行了大约30幅研究。他们中的一些人记得卡拉瓦乔（Caravaggio）或莱昂纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）的织物褶皱，树叶或人类四肢的详细研究。在本系列中，一些作品反复呈现相同的曲线，其他作品则示意性地显示了组成的基本结构元素，而有些则包含组成的详细平面。此外，大约有15种与构图VII有关的绘画：这些是油素描或铅笔，水彩画，玻璃和雕刻绘画。

目睹了这幅画的创作的加布里埃尔·敏特（Gabrielle Minter）在1913年11月25日在他的报纸上写道，构图VII的画布是在他位于穆尔豪（Murnau）的家中运送的，坎丁斯基（Kandinsky）当晚开始工作。第二天早上，他拍了第一幅画的照片，午餐后他拿了第二张照片。 11月28日在迪亚里奥·德·明特（Dirio de Minter）的入口说，这幅画已经完成。 11月29日，他拍了一张完成作品的照片。因此，登记了一部伟大的杰作的诞生。

组成VII占据位置。我们清单上的100 著名的画

第6号作品X -Kandinsky

Wassily Kandinsky被称为抽象绘画的首批冠军之一，不仅是俄罗斯画家，而且还是艺术理论家。自从当时的艺术团体Phalanx和新的艺术家团体以来，刺激和留在艺术界和抽象中的影响是巨大的，整个年来为同时代的艺术家组织了展览。他在整个职业生涯中创作了600多种作品，1913年的绘画在2017年的拍卖价格达到了创纪录的4160万美元。 

尽管有这么令人印象深刻的记录，但他最重要的工作可能是 组成x。最后一生的“作品”。他试图通过这项工作对形式和表达的纯度进行研究。到目前为止，在实践中使用了黑色，因此批评这项工作唤起了宇宙和兆头的宇宙和黑暗。 

最初，成分X的创造受到超现实主义的生物形态形式的影响。

但是，Wassily Kandinsky随后使用了在她的绘画中使用有机形式的艺术。这是他后来在整个绘画中使用的一种风格。

这种风格使他的作品具有奇异性。很容易，几乎不可能不认识到Wassily Kandinsky在展览或其他地方展示的画作。

此外，在法国创建了构图X。仔细观察油漆，这表明画家使用了黑色背景。使用黑色背景的主要原因是要清楚地看到前景的颜色。

第7号融合 - 杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）

收敛 “一幅黑白绘画，pollock扔了原色，”冷战的危机反映出。这是他的杰作之一，也可能是最著名的抽象表现主义者画。 1964年，Springbok版本制作了绘画难题，被推广为“世界上最困难的难题”，成千上万的美国人购买了它。

1951年，波洛克说：“在我看来，现代画家无法表达他的时间，飞机，原子弹，无线电，以文艺复兴时期的旧形式或任何其他过去的文化。 每个时代都找到自己的技术。” 波洛克在房屋和滴水的绘画中找到了他的技术，并用它来表达自己的时间。

汇聚是237 x 394厘米的大小，是 最雄心勃勃的绘画 Pollock。他以视觉上的光彩而闻名，并在观众中引起了深刻的情感。尽管杰克逊的作品即使对于艺术专家来说仍然很难破译，但他的画被认为是表达自由的表现。从这个意义上讲，融合是一个重要的例子，仍然是其最著名的杰作之一。

西班牙共和国的8号远景-Robert Motherwell

尽管当西班牙内战爆发时，罗伯特·马塞韦尔（Robert Motherwell）只有21岁，但他的暴行在接下来的几年中影响了他很多。这使他为他做出了一系列200多幅画。该系列的“当选为西班牙共和国”是纪念人类苦难的多样性，以及“为生与死的无情循环的抽象和诗意符号。”

关于挽歌，马瑟韦尔宣称：“经过一段时间的绘画，我发现黑色是我的问题之一，黑色，对比白色，对我来说是西班牙人的生与死。它们本质上是西班牙的黑色死亡，与像马蒂斯这样的阳光的眩光形成鲜明对比。”

他的挽歌构成了对生与死的扩展抽象冥想。在整个系列中，水平的白色画布有节奏地除以两个或三个垂直条，并以卵形形状的几个间隔自由地绘制并打断。这些绘画通常完全由黑白，哀悼和光彩，死亡和生命的颜色组成。 Motherwell评论了这些力量的纠缠，以此作为理解生命经历的隐喻。

他选择了西班牙共和国描述了有机和几何，偶然和故意的雄伟通道。像其他抽象的表现主义者一样，Motherwell被自动化的超现实主义原则所吸引 - 逃避艺术家有意识的意图的方法 - 他的中风具有情感负担，但在某种严重程度的一般结构中。实际上，Motherwell将仔细的色彩和形式排列为抽象艺术的核心，“被剥夺了其他事物以加剧它，其节奏，空间间隔和颜色结构。”

第9号黑虹膜-Georgia O'Keeffe

这款巨大的花画是O'Keeffe的第一批杰作之一。通过扩大远远超出自然尺寸比例的花瓣，它迫使观看者观察可能会忽略的小细节。当这群人的绘画最初于1924年展出时，甚至她的丈夫和商人阿尔弗雷德·斯蒂格利茨（Alfred Stieglitz）也对她的胆量感到惊讶。

佐治亚·奥基夫（Georgia O'Keeffe）的《黑鸢尾花》（Black Iris）是他关于花的众多作品之一，尤其是虹膜，这是一朵富有象征意义的花。但是，在黑艾里斯三世（Black Iris III）中，奥基夫（O'Keeffe）的目标不是提及这种象征意义或添加它，而是鼓励观众看到和看花，并考虑人们看到的不同方式。因此，它不仅对艺术，而且对生活的艺术进行了深刻的冥想。在本文中，Singullart分析了O'Keeffe绘画中预计的象征意义，以及创建Black Iris III时的意图。 

佐治亚·奥基夫（Georgia O'Keeffe）担心多年的虹膜绘画问题，尤其是黑虹膜，这更难找到，并且在纽约每年只有几周的时间。艾里斯（Iris）是西方世界中的家庭象征：在希腊神话中，艾里斯（Iris）女神纵容了彩虹和天地之间的联系；在基督教中，艾里斯（Iris）象征着基督和复活的激情以及玛丽的苦难。艺术史学家琳达·诺克林（Linda Nochlin）将奥基夫（O'Keeffe）的虹膜变成了女性主义象征，因为它们将其描述为女性生殖器的“形态学隐喻”，反映了“女性和自然秩序的统一”。黑艾里斯三世（Black Iris Iiiy）对黑人三世的描述，奥基夫（O'Keeffe）的其他虹膜绘画将它们固定在艺术史以及女权主义和女权主义艺术的历史上。

但是，奥基夫（O'Keeffe）拒绝了这一描述，指出：“没有人看到一朵花很小。我们没有时间，看到有一个朋友需要时间。如果我能像我所看到的那样绘制花朵，那没人会看到我看到的东西，因为我会因为花很小而将其描绘成小。所以我告诉自己：我会画我所看到的，花对我来说是什么，但是当您花时间看它时，我会感到惊讶，甚至会让被占领的纽约人花时间看看我对鲜花的看法。我让您花时间看看我所看到的东西，当您花时间真正注意到我的花时，您将自己与花朵上的所有交往都放在我的花朵上，并写下了我的花，好像我想着，看看你的想法，看 。花，我没有。

第10交流 - 威廉·德·库宁

1955年，Kooning Willem完成了工作交流。他很长时间重新研究涉及1948年开始的女性的数字研究。这些人与1953年的个人展览有关，这些绘画是关于妇女的绘画，当时在纽约市开业。这些作品的一些标题包括女性I，Woman III和Women V，以及两个具有死亡的女性。

到1955年，他从库宁（Kooning）停止绘画人物，并继续使用纽约市建筑和社区的抽象表现。

Kooning Willem在画布上使用了快速的手势标记。该图显示了一个女人坐在椅子上，但女人只出现在山顶上。任命他的绘画时，他总是更喜欢指向他居住的地区的链接。交易所获得了周围环境的名称，纽约市中心，他在那个时代所住的地方。

最初，这幅画是由艺术家在1955年以4,000美元的价格出售的。

然后，它被David Geffen基金会以3亿美元在2015年9月以3亿美元的价格出售给肯尼斯·C·格里芬2017年11月的百万美元。

库德罗斯 ©，墙上著名的油漆。