Det finns ofta mer i en bild av vad det verkar, och många av de mest kända konstverken har dolda hemligheter under ytan. Du kan studera din favoritmålning om och om igen och fortfarande upptäcka en ny kryptisk symbol eller dolda detaljer. Några av världens mest berömda konstnärer lämnar avsiktligt hemliga meddelanden i sina målningar, och andra har till och med väckt populära konspirationsteorier, antingen för att undergräva myndigheten, utmana allmänheten eller avslöja något om sig själva. Hundratals år senare, tack vare tekniska framsteg, upptäcks många av dessa hemliga meddelanden för första gången. Kuadros till kära att avslöja dessa mysterier för dig. Det här är de berömda målningarna som vi har betraktat som de mest gåtfulla.
No.1 Den sista kvällsmat - Leonardo da Vinci
Den berömda representationen av Leonardo da Vinci de Jesús och hans lärjungar i den sista måltiden har varit i centrum för några populära teorier under de senaste åren, som beskrivs i 2003 -romanen "The Da Vinci Code" av Dan Brown och anpassningen och anpassningen Cinematographic 2006 Bok med Tom Hanks. Brown föreslog att lärjungen till höger om Jesus faktiskt är Maria Magdalena förklädd som Johannes aposteln. Det antyder också att "V" -formen som bildas mellan Jesus och "Johannes" representerar en kvinnlig livmoder, vilket antyder att Jesus och Maria Magdalena hade ett barn tillsammans. Konsthistoriker är dock skeptiska. Da Vincis sista middag är viktig för dess uttrycksfulla sammansättning och användningen av perspektiv, som var en innovation vid den tiden. Da Vinci anpassade figurerna och väggarna i rummet målade med rep som strålar en spik på väggen där originalet är målat, ovanför en matsal i ett kloster i Milano. Många föreslår att Johns utseende är feminint helt enkelt för att det var så det representerades. Experten Mario Taddei sa till Artnet.com: "Leonardo var tvungen att kopiera de sista middagarna före honom, och John ser ut som en kvinna." Men ett mycket mer övertygande hemligt meddelande upptäcktes av den italienska datatekniker Giovanni Maria Pala. Han bekräftar att Da Vinci gömde musikaliska anteckningar inom "The Last Supper" som, när han läses från vänster till höger, motsvarar en 40 -sekunders hymn som låter som ett Requiem.
När klostret abbot klagade över att målningen tog för lång tid, sades det att den rasande konstnären hade hotat att använda abbotens ansikte som en modell för förrädaren Judas. I slutändan besökte Da Vinci fängelserna i Milano för att hitta det perfekta skurkens ansikte för Judas, som sitter femte från vänster. Professionella konsthistoriker säger att det inte finns några bevis på teorierna om konspiration om den sista middagen som visas i "The Code Da Vinci" och andra böcker som behandlar ämnet; Och de avvisar identifieringen av figuren till vänster om Jesus som dess följare Mary Magdalena, istället för aposteln John.
Köp en sista middagsreproduktion i online -butiken i Kadros
No.2 Adam's Creation - Miguel ángel
"Adams skapelse" är förmodligen den mest kända av de nio bibliska panelerna som Miguel Ángel målade på taket på det sixtinska kapellet. Men visste du att scenen innehöll en mänsklig hjärna? Det dolda meddelandet finns i tyget där hjärnans form kan särskiljas. Uppenbarligen introducerade konstnären honom för sin fresco eftersom vid den tiden var obduktionerna förbjudna av kyrkan. Det visar sig att Miguel Ángel var en expert på mänsklig anatomi. Vid 17 års ålder hade han ett något skrämmande jobb med att dissekera lik i kyrkogården. Därför tror vissa att han skulle ha velat presentera denna passion för anatomi för en av hans största prestationer, på taket i det sixtinska kapellet. Enligt neuroanatomiexperter Ian Suk och Rafael Tamargo placerade målaren några noggrant dolda illustrationer av vissa delar av kroppen på taket på det sixtinska kapellet. Och om du observerar höljet som omger Gud i "skapelsen av Adam", kommer du att upptäcka att det skapar en anatomisk illustration av den mänskliga hjärnan. Suk och Tamargo tror att Miguel Ángel tänkte att hjärnan representerar idén att Gud gav Adam inte bara liv, utan också med mänsklig kunskap.
En läkare säger att Miguel Ángel var mycket bekant med den mänskliga hjärnan och att han använde sin kunskap om neuroanatomi för att symboliskt representera hjärnan i sin "skapelse av Adam." Andra tolkningar går ännu längre, denna målning strider mot religiös ideologi och överför meddelandet om att allt är född från människan, annars. Vad en de facto helig tanke. Ett sådant berömt konstverk, och vi hittar fortfarande hemligheter dolda århundraden efter dess uppfattning.
Köp en reproduktion av Adams skapelse i onlinebutiken i Kadros
No.3 La Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Nämligen Mona Lisa, den mest berömda målningen bland de berömda målningarna, Louvre -museets mest besökta verk. Denna gåtfulla dam har verkligen mer att se här att detta ökända halv leende. För det första spekuleras det att det är gravid, med tanke på hur deras armar placeras på magen och slöjan runt axlarna, som gravida kvinnor brukade använda under den italienska återfödelsen. Men de senaste resultaten är i deras ögon. 2011 sa den italienska forskaren Silvano Vinceti att han hittade mikroskopiskt målade brev och siffror i dem. Han berättade för Associated Press att "L" om hans högra öga förmodligen representerar konstnärens namn. Men betydelsen av bokstaven "s" du ser i ditt vänstra öga och antalet "72" under den välvda bron i bakgrunden är mindre tydliga. Vinceti tror att "S" kunde hänvisa till en kvinna i Sforza -dynastin som styrde Milan, vilket innebär att kvinnan i målningen kanske inte är Lisa Gherardini, som hon har trott länge. När det gäller "72" hävdar Vinceti att det kan bero på vikten av antal både i kristendomen och i judendomen. Till exempel hänvisar "7" till skapandet av världen, och antalet "2" kan hänvisa till dualiteten hos män och kvinnor.
Ännu mer överraskande, 2015 påstod en fransk forskare som använde reflekterande ljusteknologi att ha hittat ett annat porträtt av en kvinna under den bild vi ser idag. Konsensus är att detta var det "första utkastet" av Da Vinci och att han målade honom för att skapa sitt mästerverk.
Köp en reproduktion av Lisa Mona i onlinebutiken i Kadros
No.4 Terrace Coffee at Night - Vincent Van Gogh
Denna målning av färgglada utsikt över utomhus är ett pittoreskt verk, visionen om en avslappnad åskådare som tycker om charmen i sin omgivning utan någon moralisk oro. Kom ihåg Van Goghs humör när han skrev att "natten är mer livlig och med fler färger än dagen." Vid första anblicken verkar oljemålningen av Vincent Van Gogh från 1888 helt enkelt vara vad titeln beskriver: en pittoresk kafferrass i en färgglad fransk stad. Men 2015 föreslog Van Goghs expert Jared Baxter teorin om att målningen faktiskt är versionen av konstnären av "The Last Supper". En detaljerad studie visar en central figur med långt hår omgiven av 12 individer, varav en verkar glida i skuggorna som Judas. Det finns också det som verkar vara små dolda korsfästelser i hela målningen, inklusive en på den centrala figuren som liknar Jesus.
En religiös antydning skulle inte vara för på sin plats för Van Gogh. Innan han ägnade sin uppmärksamhet åt målningen hade den berömda holländska konstnären önskat "predika evangeliet överallt", och hans far, Theodorus van Gogh, var en pastor i en holländsk renoverad kyrka. Vid tidpunkten för att arbeta på Cafe Terrace på natten skrev Van Gogh till sin bror, Theo Van Gogh, och förklarade att han hade ett "enormt behov av, jag måste säga ordet, religionen", med direkt hänvisning till målningen.
Van Gogh signerade aldrig "Café Terrace på natten." Men han nämnde specifikt målning i tre korrespondensstycken, så konsthistoriker är självsäkra.
Köp en Terrace Coffee -uppspelning på natten i online -butiken i Kadros
Nr 5 Porträttet av Arnolfini - Jan Van Eyck
Bilden hängs i National Gallery of London och representerar förmodligen Giovanni di Nicolao Arnolfini och hans fru Costanza Treanta. Parets identitet minskades från endast ett fåtal möjligheter, men bara de levde i häxor länge för att möta målaren noggrant. Den första nyckeln till målning är miljön, i ett ganska rikt hem, fullt av vackra föremål och kläder. Symbolerna i målningen är omöjliga att ignorera, även om de inte är av en enda tolkning. Bilden är inte heller helt tydlig. Under århundradena har det tolkats som ett porträtt av ett nygifta par, med symboler extraherade från ett bröllopshändelse, med början med den uppenbara symbolen för fertilitet i den gravida positionen i konstans kropp, som som visas var det bara ett mode infall. Faktum är att paret äntligen inte hade några barn. Andra symboler för fertilitet är den röda sängen och mattan. Skorna som låg på trägolvet hade också betydelse som vanliga bröllopsgåvor till en pojkväns flickvän. Oranger symboliserar fertilitet och kärlek, valpens lojalitet. Men om du tittar noggrant på spegeln i mitten av rummet, kommer du att se att det finns två figurer som kommer in i rummet. Det tros allmänt att en av dem är avsedd att vara van Eyck själv. Han kommer också att märka att det finns en latinsk inskription i en gärning som är mycket utarbetad på väggen på spegeln, som översätter som "Jan Van Eyck var här. 1434".
Den viktigaste delen av målningen, som inte visas, är emellertid avvikelsen under åren. Målningen, som nämnts tidigare, daterades 1434, medan Costanza trettio dog 1433. Målningen kunde också ha haft ett annat sammanhang än den som var klar. Som en radiografi har visat gjorde Jan Van Eyck flera förändringar, och om dessa var relaterade till en sådan händelse eller inte är föremål för tvist.
Köp en reproduktion av Arnolfini -porträttet i onlinebutiken i Kadros
Nr.6 ambassadörerna - Hans Holbein de unga
Långt innan 3D -glasögonen eller letade efter påskägg blev populära lyckades renässansmålare titta på bitarna från nya vinklar som lekte med perspektiv. Ett av de mest berömda exemplen på tekniken är det dubbla porträttet av Hans Holbein den unga mannen, ambassadörerna, som har en historia så rik som de många dolda detaljerna i hans slag.
Tolkningen av målningen som en allegori om den politiska och religiösa tumulten i det schismatiska England i Enrique VIII, där olyckorna fångas, har accepterats allmänt i mer än hundra år.
Målningen ger en ganska imponerande illusion vid basen. Om du tittar på den krokiga bilden längst ner i färgen från höger till vänster verkar det vara en anamorf skalle. Akademiker tror att det är avsett att vara en påminnelse om att döden alltid är precis runt hörnet.
I det övre vänstra hörnet, bakom den gröna och sprudlande gardinen, hittar du Jesus i en ikonisk pose. Vissa konsthistoriker tror att denna gudomliga komo är kopplad till Memento Mori -skallen och att den hänvisar till en plats utanför dödligheten. Det är en symbol som är avsedd att föreslå att det finns mer än döden, det vill säga ett framtida liv genom Kristus. Andra tror att den dolda ikonen representerar uppdelningen av kyrkan att Enrique VIII tillförde sina landsmän.
Figuren på vänster sida av ambassadörerna är Jean de Dinteville, den franska ambassadören i England. Jag var på väg att fylla 30 vid tidpunkten för detta dubbla porträtt. Hans vän och diplomatiska partner Georges de Selve, på fotot till höger, var bara 25 år gammal vid den tiden och hade redan tjänat som en fransk ambassadör i Republiken Venedig flera gånger.
Ekoljeporträttet gjordes för att hänga i hallarna i huset i Dinteville. Nationalgalleriet har emellertid ställt ut Holbeins hallucinerande målning sedan 1890. I mer än 125 år har det varit en av de mest värdefulla utställningarna i London Museum.
Köp en reproduktion av ambassadörer i onlinebutiken i Kadros
Nr.7 Födelsen av Venus - Sandro Botticelli
Nakenhet i den berömda Botticelli -målningen var ganska innovativ i slutet av 1500 -talet. Men det är inte där konstnärens modighet slutar. Vissa konsthistoriker tror att Vieira -skalet där Venus rider på havets vågor faktiskt är avsett att symbolisera kvinnliga könsdelar och därmed hänvisa till fertilitet, vilket skapar en födelsescen som återspeglar Venus oceaniska ursprung samtidigt som Venus är symboliskt med mänsklig födelse.
Venus, kärleksgudinnan, är dum i marinskalet och dras till stranden av Zephyr, västvindens gud. Där är en av tiden, gudinnorna på stationerna, redo med ett lager för att klä den nyfödda gudomen. Den fjärde figuren som Zephyr bär är avsedd att vara en aura (vindnymfer) eller kloris, en nymf associerad med fjäder och blommor i blomma som de som flyter genom bilden.
Kristen inspiration var dominerande i medeltidens konst, så sällan beskrev nakenhet. Emellertid ledde uppkomsten av humanism till ett förnyat intresse för myterna i forntida Rom och med det en uppståndelse av naken.
Under denna period av den tidiga återfödelsen var färg på träpaneler fashionabla. Men dukens popularitet ökade, särskilt i våta regioner där trä tenderade att deformeras. Eftersom duken var billigare än trä var dess upplevda tillstånd lite lägre, så det var reserverat för verk som inte var avsedda för stora offentliga utställningar. Målningen sticker ut som det första arbetet med duk i La Toscana.
Venus födelse var avsedd att hänga i ett rum. Styckets nakenhet får en mer sensuell ton när du vet att det var avsett att hänga på en äktenskapssäng. Denna plats och dess vågiga representation bidrog till att födelsen av Venus doldes från allmänhetens åsikt i cirka 50 år. Färgen har en bifogad bit. Även om det slutfördes fyra år innan hans syster, Vår Det kan ses som en slags uppföljare till elfödelse av Venus. Medan den andra representerar Venus ankomst till en värld i utkanten av blomningen, visar den första världen i blomma runt moderfiguren nu klädd. Det sägs att paret av målningar avsåg att kommunicera hur "kärlek segrar över brutalitet."
Botticelli bad att begravas vid foten av sin Venus. Inte måla, ja. Jag ville ljuga för evigt för dess jordiska inspiration, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta kallades den vackraste kvinnan i Florens, liksom den vackraste kvinnan i renässansen. När han dog 1510 begravdes Botticelli nära denna gifta adelsman, för vilken det spekuleras att han innehöll en obesvarad kärlek.
Köp en reproduktion av Venus födelse i onlinebutiken i Kadros
No.8 Self -Portrait - Rembrandt
Rembrandt målade, drog och spelade in så många självportrait i sitt liv att förändringar i deras utseende inbjuder oss att utvärdera deras humör genom att jämföra en bild med en annan. Sådan biografisk läsning uppmuntras av hur konstnären konfronterar tittaren direkt. Rembrandt målade detta självporträtt 1659, efter att ha drabbats av ett ekonomiskt misslyckande trots så många års framgång. Hans rymliga hus i Sint-Anthonisbreestraat och andra ägodelar hade auktionats året innan för att tillfredsställa sina borgenärer. I detta sena arbete verkar de sjunkna ögonen som sitter fast i tittarens inre styrka och värdighet. Att tolka målningar på grundval av en konstnärs biografi är emellertid farligt, särskilt med en konstnär vars liv har idealiserats i den utsträckning som Rembrandt har gjort. Ljuset som belyser huvudet så effektivt accentuerar också Rembrandts vänstra axel och, i mindre utsträckning, händerna tillsammans, allmänt utförda.
År 2001 meddelade den brittiska konstnären David Hockney och den amerikanska fysikern Charles Falco att de hade hittat indikationer på att Rembrandt och andra gamla lärare till stor del berodde på användningen av böjda linser och speglar för att skapa sina verkliga scener och porträtt. Och i augusti 2016 publicerade två forskare i Storbritannien, konstnären Francis O'Neil och fysik Sofia Palazzo Corner, en studie i Journal of Optics som förklarade hur Rembrandt kunde ha använt kombinationer av böjda speglar och glas för att skapa sitt berömda jag - porträtt. . Forskare ser många detaljer i Rembrandt -självporträtt som stöder deras teori, inklusive starkt ljus i mitten av porträtt och det relativa mörkret i kanterna, som också ses i reflektioner som projiceras av böjda speglar.
Konstnärer använder ständigt nya pigment och oljor för att producera mer livliga, ljusa och intressanta färger. Rembrandt van Rijn var inte annorlunda. Den gamla holländska läraren hade teknik, kreativitet och grundligt arbete för honom. Han hade också kemi. En ny analys av hans verk visar att han använde en sällsynt förening i några av sina målningar: ett blykarbonatmineral som heter Plumbonacrita, PB5 (CO3) 3: e (OH). Att känna till sammansättningen av konstnärens palett hjälper naturvårdare att upptäcka hur man bättre kan bevara sina konstverk över tid.
Köp en reproduktion av Rembrandts självporträtt i Kuadros onlinebutik
No.9 Bacchus - Caravaggio
Caravaggios Bacchus -målning innehåller all spree som är förknippad med den mytologiska libertinen som bubblar under ytan. Det är denna känsla av storm under lugn som gör det till ett så kraftfullt konstverk. Baco, vinens Gud, visas vanligtvis berusad; Caravaggios Bacchus är lugn och autonom. Det ses ofta rida på en triumfbil som ligger vid tigrar, leoparder eller getter; I versionen av Caravaggio är Bacchic Procession på väg att börja eller är över. Eller kanske har denna Bacch helt olika planer.
Första gången som något dolt upptäcktes i detta arbete var 1922, en konstrestaurang städade duken i detta arbete 1595. När ackumuleringen av smuts försvann i århundraden blev ett doldt porträtt synlig. I glasvinkannan i det nedre vänstra hörnet sitter en liten husvagn i den lilla reflektionen av ljus på vinets yta.
Idag, nästan ett sekel senare, förvirrar forskare honom. Det verkar inte vara för dolt, men tack vare modern teknik som heter Reflectography kunde konstsexperter 2009 upptäcka att bilden av en man verkligen är dold i vinkannan längst ner till vänster. Och det kan vara samma da caravaggio. "Caravaggio målade en person vertikalt, med en utsträckt arm mot en duk i ett staffli. Det verkar vara ett porträtt av sig själv medan han målade," sade expert Mina Gregori till telegrafen.
Köp en Bacchus -reproduktion i online -butiken i Kadros
Kuadros ©, en berömd färg på din vägg.
