Cele 10 Picturi Abstracte Cele Mai Famoase

În Fără Titlu - Prima Acuarelă Abstractă găsim o bună explozie de culoare, așa cum se găsește în majoritatea picturilor sale, dar utilizarea acuarelei în loc de uleiuri lasă un finisaj vizibil diferit care face ca această lucrare de artă să fie interesantă și destul de unică în producția sa din 1910. Lucrarea, de aproape, pare a fi fost completată rapid, ceea ce este tipic pentru această formă de artă, deoarece pictura se usucă foarte repede. De asemenea, lucrează într-un mod expresiv, fără a se preocupa prea mult de precizie, ci concentrându-se mai mult pe alegerea culorilor și umplând pânza cu forme și linii diferite. A fost cu adevărat abstract și acest lucru a fost ceva ce a apărut din ce în ce mai mult pe măsură ce a avansat în cariera sa, îndepărtându-se tot mai mult de realitate în formele pe care le folosea.

Kandinsky s-a specializat în uleiuri, dar a lucrat ocazional și cu acuarele. Ar fi găsit acest mediu ușor de lucrat și ceva ce se potrivește bine pieselor rapide de studio, unde căuta să înțeleagă designul pentru o piesă viitoare. De asemenea, a folosit litografii, xilografii și aguafortes în alte vremuri, în special în etapele timpurii ale carierei sale când era în mod special experimental.

Lucrând cu acuarele, Kandinsky a reușit să completeze această pictură în doar trei zile. Cu toate acestea, în ciuda grabei sale, Kandinsky a realizat mai multe studii pentru această lucrare de artă înainte de a începe compoziția finală. Ceea ce a contribuit la viteză care poate fi interpretată în Fără titlu a fost alegerea sa de culoare, deoarece Kandinsky a ales ingenios culori pe care știa că vor reprezenta fidel emoțiile sale în acel moment. Liniile și formele care au fost desenate se adaugă, de asemenea, și subliniază haosul și urgența care este experimentată când privești această pictură.

Abstracția este de asemenea demonstrată clar în această lucrare de artă prin liniile libere și vag reprezentate, ceea ce a trezit un interes considerabil în rândul mulțimii artistice la acea vreme. Fără Titlu există ca un instigator important al mișcării artei abstracte, deoarece a fost prima dată când ceva îndepărtat și fără restricții a fost acceptat ca un subiect adecvat în cadrul lucrărilor de artă la acea vreme. Fără Titlu a marcat un punct definitoriu în cadrul artei europene ca o îndepărtare de lucrările de artă tradiționale către piese de artă mai abstracte și desinhibate.

Perioada dintre 1910 și 1914 a fost considerată apogeul carierei lui Kandinsky și vârful realizărilor sale artistice. Prin urmare, Fără titlu a existat ca una dintre primele lucrări de artă care a aruncat într-un mod braț deschis toate referințele la forme recognoscibile și a ieșit din limitările impuse de convențiile de reprezentare ale picturii din Europa occidentală.

Această noțiune de libertate totală a trecut la un loc proeminent în majoritatea lucrărilor create de Kandinsky în această perioadă.

Nr. 2 Vârsta Adultă # 7 - Hilma AF Klint

Deși nu este atât de cunoscută ca mulți dintre artiștii bărbați ai vremii sale, artista suedeză Hilma af Klint a fost o artistă abstractă pionieră ale cărei picturi radicale sunt anterioare multora dintre contemporanii săi masculin. A solicitat ca marea sa lucrare, cea mai mare parte a cărei nu a fost niciodată expusă în timpul vieții sale, să rămână ascunsă timp de 20 de ani după moartea sa. 

Colecția reprezintă etapele vieții, inclusiv copilăria, tinerețea, maturitatea și bătrânețea. Acestea combină elemente botanice și obiecte organice recognoscibile care fac referire la naștere și la creștere.

Vârsta Adultă Nr. 7 de Hilma Klint este un imens pânză, cu 3 metri înălțime și 2 metri lățime, a fost pictată pe hârtie, pe podeaua studioului, și apoi lipită pe un pânză.

Af Klint interpretează vârsta adultă în plină floare pictând mai multe forme care curg liber în dimensiuni și culori diferite pe un fundal lila. Simbolul galben central seamănă cu o floare, în timp ce spiralele și formele biomorfice sunt simboluri ale creșterii și fertilității.

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

Finalizată în 1922, pictura Senecio este o manifestare a simțului umorului și a culturii africane a lui Paul. Culorile și formele simple, Paul folosește diferite nuanțe de portocaliu, roșu și galben pentru a dezvălui portretul unui bătrân. Utilizarea artistică a formelor dă falsa impresie că se ridică un ochi. Sprânceana sa stângă este reprezentată de un triunghi, în timp ce cealaltă este formată dintr-o simplă linie curbată. Portretul este, de asemenea, denumit Capul unui bărbat care devine senil și imită intenționat lucrările de artă ale copiilor prin utilizarea formelor și formelor ambiguue cu detalii faciale minime.

Această adaptare a feței umane este împărțită pe culoare în dreptunghiuri. Pătratele geometrice plate rămân într-un cerc care reprezintă o față mascată și arată costumul multicolor al unui arlechin. Un portret al artistului performer Senecio poate fi văzut ca un simbol al relației în schimbare dintre artă, iluzie și lumea dramei. Această pictură demonstrează principiile artei lui Klee, în care elementele grafice de linie, planuri de culoare și spațiu sunt puse în mișcare de o energie a minții artistului. În scărpinările sale imaginative, îi plăcea, conform propriilor sale cuvinte, "să scoată o linie la plimbare".

Nr. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Pictura Etoile Bleue a fost tranziția lui Miró între arta figurativă și cea abstractă.

Această pictură este cunoscută pentru a fi una dintre cele mai importante picturi din cariera lui Miro. În special, albastrul strălucitor folosit poate fi văzut în mai multe dintre lucrările sale viitoare și chiar a influențat pictori precum Mark Rothko și Yves Klein.

Etoile Bleue este o pictură mare, dar este o pictură plină de întrebări mai degrabă decât de răspunsuri.

Miró a fost marele sintetizator al unei ere de multe idei diverse, destul de asemănător cu astăzi, dar ideile artistice din acea vreme erau mult mai complexe decât cele de astăzi.

Pictura combină culori fauviste, forme cubiste și intenții suprarealiste într-o lucrare pe care privitorul o poate explora vizual din nou și din nou. Este între atâtea lucruri încât rămân multe întrebări ai căror răspunsuri sunt la fel de onirice ca tabloul.

Dacă observi forma albastră din colțul din stânga sus. Este un păun. Cel mai probabil că este, dar ce păun nu este clar. Privește-l pentru o vreme, cu siguranță poți spune că este o formă dinamică, dar este ușor de argumentat că zboară spre stânga sau spre dreapta sau chiar în jos și spre noi.

Marea piesă roșie din centrul inferior. Este un picior? Cu siguranță arată la fel de stabil și ancorat cum este piesa albastră dinamică.

Această pictură este o bijuterie pentru iubitorii săi. La prima vedere, se clatină puțin și se mișcă, dar un moment, se mișcă împotriva acelei forme elastice din colțul din dreapta jos.

Miró, un artist catalan născut în Barcelona în 1893, a numit peisajul său oniric suprarealist Peinture (Étoile Bleue) din 1927 o imagine cheie, încorporând simboluri pe care le va folosi repetat în anii următori, și chiar culoarea albastră strălucitoare a influențat pictori ulteriori, inclusiv Mark Rothko și Yves Klein.

Nr. 5. Compoziția VII - Wassily Kandinsky

Pictura Compoziția VII a lui Wassily Kandinsky este considerată de mulți iubitori de artă abstractă ca fiind cea mai importantă lucrare de artă a secolului XX, poate chiar cea mai importantă pictură abstractă creată vreodată.

Această lucrare este o continuare logică a Compoziției V și Compoziția VI . Cele trei picturi sunt unite de tema Apocalipsei. Elementele precum Potopul și Învierea pot fi urmărite în această lucrare. Tema principală este judecata finală, dar nu este văzută ca o catastrofă, ci ca o eliberare, trecerea de la lumea materială la cea spirituală. Prin urmare, Compoziția VII se deosebește de celelalte lucrări din serie prin culorile sale clare și liniile de contrast strălucitoare.

Kandinsky a construit fiecare dintre compozițiile sale pentru ca privitorul să poată intra în imagine ca și cum s-ar învârti în interiorul acesteia. A făcut ca marginea inferioară a compoziției să fie mai grea, împingând-o înainte, în timp ce partea superioară rămâne mai ușoară și mai distantă pentru privitor. Una dintre principalele contraste ale artistului, albastru și galben formează zona centrală de mișcare activă spre interior și spre exterior.

Kandinsky a petrecut multe luni pregătind Compoziția VII, dar a durat doar patru zile să o picteze. Artistul a realizat aproximativ 30 de studii pentru această pictură. Unele dintre acestea își amintesc de Caravaggio sau de Leonardo da Vinci cu studiile sale detaliate ale pliurilor țesăturii, frunzelor de copaci sau extremităților umane. În această serie, unele lucrări prezintă repetitiv aceeași linie curbată, altele arată schematic elementele structurale de bază ale compoziției și unele conțin un plan detaliat al compoziției. În plus, există aproximativ 15 picturi diferite care sunt legate de Compoziția VII: se referă la schițele în ulei sau în creion, acuarelele, picturile pe sticlă și gravurile.

Gabrielle Munter, care a fost martoră la crearea acestei picturi, a scris în jurnalul său pe 25 noiembrie 1913 că pânza pentru Compoziția VII a fost livrată la casa ei din Murnau, iar Kandinsky s-a pus pe treabă în acea noapte. A doua zi dimineața a făcut prima fotografie a tabloului, iar după prânz a făcut a doua. Intrarea din 28 noiembrie în jurnalul lui Munter spunea că tabloul era complet. Pe 29 noiembrie a făcut o fotografie a lucrării terminată. Astfel a fost înregistrat nașterea unei mari capodopere.

Compoziția VII ocupă locul nr. 100 în lista noastră de picturi faimoase

Nr. 6 Compoziția X - Kandinsky

Citat ca unul dintre primii susținători ai picturii abstracte, Wassily Kandinsky nu a fost doar un pictor rus, ci și un teoretician al artei. Influența pe care a instigat-o și a lăsat-o în lumea artei și în abstractie a fost imensă, deoarece a cofondat grupul de artă Phalanx și The New Group of Artists, organizând expoziții pentru contemporanii săi de-a lungul anilor ca artist. A produs peste 600 de lucrări de-a lungul carierei sale, cu o pictură din 1913 care a atins un preț record de licitație de 41,6 milioane de dolari în 2017. 

În ciuda acestui impresionant record, cea mai semnificativă lucrare a sa a fost posibil Compoziția X. Ultima în seria sa de viață de 'Compoziții'. Cu aceasta a căutat să culmineze cercetarea sa asupra purității formei și expresiei prin această lucrare. Folosind culoarea neagră cu moderație în practica sa până în acest moment, a fost criticat pentru că această lucrare evocă atât cosmosul, cât și întunericul presagitor care se apropie de sfârșitul vieții sale. 

Inițial, creația Compoziției X a fost influențată de formele biomorfice ale suprarealismului.

Cu toate acestea, Wassily Kandinsky a folosit mai târziu arta de a folosi forme organice în picturile sale. Acesta este un stil pe care l-a folosit ulterior de-a lungul picturilor sale.

Stilul i-a conferit lucrării sale unicitate. Era ușor și aproape imposibil să nu recunoști picturile create de Wassily Kandinsky atunci când erau expuse în expoziții sau în alte locuri.

În plus, Compoziția X a fost creată în Franța. Privește pictura de aproape și observi că pictorul a folosit un fundal negru. Motivul principal pentru a folosi fundalul negru a fost pentru ca culorile din prim-plan să poată fi văzute clar.

Nr. 7 Convergență - Jackson Pollock

Convergență —o pictură alb-negru pe care Pollock a aruncat culori primare— reflectă criza Războiului Rece. Este una dintre capodoperele sale, și ar putea fi, de asemenea, cea mai cunoscută pictură a unui expresionist abstract. În 1964, Springbok Editions a produs un puzzle al picturii, care a fost promovat ca fiind "cel mai greu puzzle din lume", iar sute de mii de americani l-au cumpărat.

În 1951, Pollock a spus: “Îmi pare că artistul modern nu poate exprima epoca sa, avionul, bomba atomică, radio, în formele vechi ale Renașterii sau orice altă cultură trecută. Fiecare epocă își găsește propria tehnică.” Pollock și-a găsit tehnica în pictura prin stropire, și a folosit-o pentru a exprima timpul său.

Cu dimensiunea de 237 x 394 centimetri, Convergență este una dintre cele mai ambicioase picturi ale lui Pollock . Este cunoscut pentru strălucirea sa vizuală și pentru a evoca emoții profunde în privitor. Deși lucrările lui Jackson rămân greu de descifrat chiar și pentru experții în artă, picturile sale sunt considerate manifestări ale libertății de exprimare. Convergență, care este un exemplu proeminent în acest sens, rămâne una dintre cele mai celebre capodopere ale sale.

Nr. 8 Elegia Republicii Spaniole - Robert Motherwell

Deși Robert Motherwell avea doar 21 de ani când a izbucnit Războiul Civil Spaniol, atrocitățile acestuia l-au afectat profund în anii următori. Aceasta l-a dus să creeze o serie de peste 200 de picturi ca răspuns la el. Seria 'Elegia Republicii Spaniole' servește ca o multiplicitate de comemorări ale suferinței umane, precum și "simboluri abstracte și poetice pentru ciclul inexorabil al vieții și morții".

Despre Elegii, Motherwell a declarat că, “După o perioadă de a le picta, am descoperit negrul ca unul dintre temele mele, și cu negrul, alb contrastant, un sentiment al vieții și morții care pentru mine este destul de spaniol. Sunt esențialmente negrul spaniol al morții contrastat cu strălucirea unei lumini solare ca Matisse.”

Elegii sale constituie o meditație abstractă extinsă asupra vieții și morții. De-a lungul seriei, pânzele albe orizontale sunt împărțite ritmic de două sau trei bare verticale desenate liber și punctuate în diverse intervale de forme ovoidale. Picturile sunt adesea compuse complet din alb și negru, culorile doliu și strălucire, moarte și viață. Motherwell a comentat despre încurcăturile acelor forțe ca o metaforă a înțelegerii sale a experienței de a fi în viață.

Elegia Republicii Spaniole descrie un pasaj măreț dintre organic și geometric, accidental și deliberat. La fel ca ceilalți expresioniști abstracti, Motherwell a fost atras de principiul suprarealist al automatismului —metode care scăpau intenției conștiente a artistului— și pensula sa are o încărcătură emoțională, dar în interiorul unei structuri generale de anumită severitate. De fapt, Motherwell a văzut aranjamentele atente de culoare și formă ca fiind inima artei abstracte, care, a spus el, "se despoaie de alte lucruri pentru a intensifica, ritmurile sale, intervalele spațiale și structura de culoare".

Nr. 9 Iris Negru – Georgia O'Keeffe

Această monumentală pictură florală este una dintre primele capodopere ale lui O'Keeffe. Prin mărirea petalelor mult dincolo de proporțiile de dimensiune naturală, obligă privitorul să observe detaliile mici care ar putea fi altfel trecute cu vederea. Când picturile din acest grup au fost expuse pentru prima dată în 1924, chiar și Alfred Stieglitz, soțul și comerciantul ei, a fost surprins de îndrăzneala sa.

Iris Negru de Georgia O'Keeffe este un exemplu al multor lucrări ale sale asupra temei florilor și în special irisul, o floare bogată în simbolism. Cu toate acestea, în Black Iris III, scopul lui O'Keeffe nu era să facă referire la acest simbolism sau să-l adauge, ci mai degrabă să încurajeze privitorul să privească și să vadă floarea și să considere diferitele moduri în care oamenii văd. Astfel, devine o meditație profundă asupra artei de a privi, nu doar la artă, ci și la viață. În acest articol, Singulart analizează simbolismul proiectat în pictura lui O'Keeffe, precum și propriile intenții ale sale în crearea Black Iris III. 

Georgia O'Keeffe a fost preocupată de tema picturii irisului timp de mulți ani, în special irisul negru, care era mai greu de găsit și era disponibil doar pentru câteva săptămâni pe an în New York. Irisul este un simbol familiar în lumea occidentală: în mitologia greacă, zeita Iris întruchipează curcubeul și conexiunea dintre cer și pământ; în creștinism, irisul simbolizează pasiunea lui Hristos și învierea, precum și suferința Mariei. Pe de altă parte, Linda Nochlin, istoric de artă, a transformat irizii lui O'Keeffe într-un simbol feminist, descriindu-i ca o “metaforă morfologică” a organelor genitale feminine, reflectând “unitatea femininului și ordinea naturală”. Descrierea lui Nochlin a Black Iris III și a celorlalte picturi cu iris ale lui O'Keeffe le-a ancorat în istoria artei și istoria feminismului și artă feministă.

Cu toate acestea, O'Keeffe a respins această descriere, afirmând că: “Nimeni nu vede o floare, cu adevărat, este atât de mică. Nu avem timp, și a vedea ia timp la fel cum a avea un prieten ia timp. Dacă aș putea picta floarea exact așa cum o văd, nimeni nu ar vedea ceea ce văd pentru că aș picta-o mică, așa cum floarea este mică. Așa că mi-am spus: voi picta ceea ce văd, ceea ce floarea este pentru mine, dar o voi picta mare și se vor surprinde luând timp să o privească, voi face chiar și newyorkezii ocupați să își iau timp să privească ceea ce văd eu în flori. Am făcut să îți iei timpul să privești ceea ce am văzut și, când ți-ai luat timpul pentru a observa cu adevărat floarea mea, ai pus toate asociațiile tale proprii cu florile în floarea mea și ai scris despre floarea mea ca și cum eu aș fi gândit și văzut ceea ce tu gândești și vezi. floarea, și eu nu.

Nr. 10 Schimb - William de Kooning

În 1955, Willem de Kooning a completat lucrarea Schimb. S-a concentrat mult timp pe reorganizarea studiilor figurilor care implicau femei, pe care le-a început în 1948. Acestea erau asociate cu expoziția sa individuală din 1953, picturi pe tema femeii, care a fost inaugurată în orașul New York în acel moment. Unele titluri ale acestor lucrări includ Femeie I , Femeie III și Femeie V, precum și Două femei cu natură moartă .

Până în 1955, de Kooning a încetat să picteze figuri umane și a continuat să utilizeze reprezentări abstracte ale arhitecturii și comunităților din New York.

Willem de Kooning a folosit marcaje gestuale rapide pe pânză. Imaginea arată o femeie așezată pe un scaun, dar femeile apar doar ca o masă de suprafețe. Când vine vorba de numirea tablourilor sale, a preferat întotdeauna o legătură cu zona în care locuia. Schimb a primit numele de la împrejurimi, centrul New York-ului, locul unde a locuit în acel moment.

Inițial, pictura a fost vândută de artist în 1955 pentru 4.000 de dolari.

Apoi a fost vândută de Fundația David Geffen lui Kenneth C. Griffin pentru 300 de milioane de dolari în septembrie 2015, plasând-o pe locul doi în lista celor mai scump picturi, depășită doar de Salvator Mundi de Leonardo da Vinci, care a fost vândut pentru 450,3 milioane de dolari în noiembrie 2017.

KUADROS ©, o pictură faimoasă pe peretele tău.