Descrição
Esta extraordinária pintura de Rafael foi originalmente um retábulo localizado na igreja de San Domenico, em Città di Castello, perto de Urbino, cidade natal do artista. Nela, a Virgem e São João Evangelista aparecem de cada lado da cruz. São Jerônimo e Maria Madalena estão ajoelhados diante deles.
Uma das primeiras obras do pintor, este retábulo foi encomendado pelo comerciante de lã e banqueiro Domenico Gavari para sua capela funerária dedicada a São Jerônimo.
Na obra, o corpo de Cristo pende da cruz. Dois anjos se equilibram sobre delicadas lascas de nuvens, um de cada lado, recolhendo o sangue que escorre de suas feridas em cálices de ouro que lembram aqueles usados para servir o vinho durante a missa no altar abaixo.
O sol e a lua são visíveis no céu, marcando o eclipse que coincidiu com a morte de Cristo. São Jerônimo e Maria Madalena estão ao pé da cruz, contemplando o corpo de Cristo com reverência e piedade. A Virgem, vestida de preto arroxeado para expressar o luto, está à esquerda da cruz, com João Evangelista à direita. Ambos olham para o espectador e torcem as mãos de dor.
A arte pode fazer com que algo terrível pareça belo. Essa habilidade também pode ser apreciada em Crucificação Mond. A pintura minimiza a dor e o sofrimento que Cristo suportou na cruz. Jesus é retratado imaculado e sereno, exceto pelas feridas nos pés, nas mãos e no flanco. Rafael destaca a perfeição de Cristo para se manter fiel ao estilo de pintura do Alto Renascimento.
Na obra, a perspectiva atmosférica e a paisagem revelam o estilo de Perugino, que Rafael seguia. Em vez de se concentrar na natureza dolorosa e horrenda da morte de Cristo, a obra reforça a doutrina da transubstanciação, servindo como representação simbólica do sangue para a Eucaristia.
A Crucificação Mond foi analisada no museu de arte londrino National Gallery. Lá, foram identificados pigmentos típicos do período renascentista.
Raphael pintou sua obra, entre outros pigmentos, com ocres, vermelhão, verdete, amarelo de chumbo-estanho e ultramarino natural. A cor vermelha tem um forte significado. Cada figura da pintura apresenta um toque de vermelho. Todas as figuras são tocadas pela pintura e redimidas pelo sangue de Cristo.
Outras cores também conectam entre si os elementos da pintura. Há cores na imagem que se repetem em sua metade inferior. Por exemplo, o azul do céu aparece nas roupas de São Jerônimo, e o verde das roupas de um dos dois anjos também está presente nas roupas de São João.
São Jerônimo não estava presente na Crucificação, mas foi incluído nesta cena porque a capela era dedicada a ele. Ele faz um gesto em direção à Cruz e segura a pedra com a qual golpeava o peito enquanto vivia como eremita no deserto. Os milagres ocorridos após a morte de Cristo foram pintados em cenas da predela (o painel pintado inferior, exibido abaixo do painel principal do retábulo). Dois painéis da predela estão preservados no Museu de Arte da Carolina do Norte, em Raleigh, e no Museu Nacional de Arte Antiga, em Lisboa. Inicialmente, provavelmente havia pelo menos mais um painel. O próprio Gavari pode ter optado por dedicar o altar a São Jerônimo, já que também deu ao primogênito o nome de Girolamo (Jerônimo em italiano).
O retábulo é fortemente influenciado por Perugino, o principal artista da Itália central na época, com quem Rafael desenvolveu uma estreita relação artística enquanto vivia em Perúgia. O projeto geral baseia-se em várias versões de Cristo crucificado em uma paisagem, pintadas por Perugino no final das décadas de 1480 e 1490, e é especialmente semelhante ao seu retábulo da Crucificação para o convento de São Francesco al Monte, em Perúgia, encomendado em 1502 e concluído em 1506.
Nessa pintura, anjos com fitas ondulantes seguram cálices para recolher o sangue das feridas de Cristo; a Virgem e o Evangelista são quase idênticos aos de Rafael, e Maria Madalena aparece na mesma pose, do lado oposto da Cruz. É provável que Rafael tenha visto as obras de Perugino em seu ateliê, em Perúgia, antes de serem reveladas. Além de adotar os rostos ovais, delicados e de traços pequenos, e os gestos estilizados das mãos das figuras de Perugino, Rafael incorporou às obras os princípios de simetria, harmonia e clareza de composição. No entanto, adaptou-os, conferindo-lhes maior suavidade e sofisticação. Aqui, porém, não está totalmente claro quem copiou o trabalho de quem.
Nas primeiras obras de Rafael, ele costumava basear suas composições em uma grade geométrica simples, que riscava no painel para ajudá-lo a transferir o desenho, como podemos ver na Madona Ansidei. Não há uma grade visível na Crucificação Mond, embora a forte simetria e a estrutura geométrica da imagem sugiram que Rafael talvez tenha usado inicialmente um método semelhante para traçar a composição. Ele usou uma régua e um compasso para fazer uma incisão no contorno do Crucifixo, e um compasso para fazer incisões no sol e na lua. O fato de ter deixado áreas sem pintura para as figuras e não ter feito revisões ou alterações durante a pintura sugere que trabalhava a partir de um projeto cuidadosamente preparado em um desenho detalhado. Nesse período, Rafael usava com frequência pinceladas escuras e sombreadas para reforçar as áreas de sombra, uma técnica derivada de Perugino, particularmente perceptível aqui nas cortinas. Rafael também usava as mãos e os dedos para secar e modelar a tinta na superfície úmida. Suas impressões digitais e as marcas das palmas das mãos são visíveis nas sombras das cabeças, especialmente no cabelo, no rosto e na barba de Cristo.
Rafael arranhou a tinta marrom na base da Cruz até alcançar uma camada de folha de prata abaixo dela para assinar a pintura: RAFAEL / VRBIN / AS /.P.[INXIT] ("Rafael de Urbino pintou isto"). Vasari comentou que, se Rafael não tivesse assinado a pintura, ninguém teria acreditado que fora ele, e não Perugino, quem a pintara.