Descrição
Giovanni Bellini e seu ateliê criaram a Lamentação sobre o Corpo de Cristo durante o Alto Renascimento. Produziram várias variações deste tema, mas este trabalho em particular é significativo devido à dramática técnica de claro-escuro que se utiliza. Isso coloca a pintura no período do Alto Renascimento, usando a técnica favorita pelos artistas durante esse período de tempo, incluindo Leonardo da Vinci. Literalmente, claro-escuro significa claro e escuro. O contraste entre a escuridão e a luz permite um efeito mais dramático, e se originou durante o período do Renascimento.
Pode-se dizer que a arte renascentista é o renascimento de antigas tradições. Os artistas começaram a combinar as tradições da antiguidade clássica e as novas ideias tomadas dos desenvolvimentos artísticos no norte da Europa. Um estilo humanista foi emergindo e se integrou na arte desta época. Outras caracterizações do período mostravam uma perspectiva linear e atmosférica, aperfeiçoando a anatomia e o equilíbrio e a simetria.
Nesta pintura, Giovanni Bellini retorna a um tema que enfrentou em inúmeras ocasiões ao longo de sua obra: a Virgem e o Apóstolo João sentados no chão para segurar o corpo de Cristo descido da cruz. Várias figuras estão dispostas ao redor dos temas centrais, muito provavelmente pintadas com a ajuda de um dos colaboradores de Bellini. À direita está a figura de um monge, um anacronismo na história de Cristo que demonstra que a pintura era de natureza devocional mais do que narrativa e destinada à meditação.
Trata-se de uma composição mais abarrotada do que a anterior "imago pietatis", em que o próprio isolamento das figuras se torna um diafragma que separa o espectador do drama. Aqui, os proeminentes joelhos de Cristo e seu abrupto escorço rompem bruscamente essa parede ideal e aproximam o grupo sagrado e, portanto, uma comunicação mais imediata com os que adoram.
A técnica de a pintura monocromática é particularmente interessante, dando a impressão de um estudo preparatório e provocando que alguns críticos considerem a possibilidade de que a pintura esteja inacabada. De fato, segundo o estudioso veneziano do século XVI Paolo Pino, Giovanni Bellini estava acostumado a criar estudos preparatórios cuidadosamente executados aos quais depois adicionava cor. Uma interpretação alternativa é que a obra foi um modelo deixado no ateliê como modelo para outras pinturas.
Em a pintura de Bellini, as figuras estão ordenadas de modo que as mais próximas do espectador estejam no lado esquerdo, enquanto as da direita estão mais afastadas do espectador. No entanto, a figura maior à esquerda de Jesus ajuda a equilibrar a imagem, de modo que na frente da cena, as figuras que são mais proeminentes também são as maiores, e se tornam menores e mais leves à medida que recuam. Consequentemente, a cena está bem equilibrada com Cristo como o ponto focal no meio. Todas as figuras que rodeiam Cristo estão focadas nele com suas cabeças apontando centralmente em sua direção, atraindo os olhos do espectador para lá. O centro da obra de arte também é mais claro onde repousa o corpo de Jesus, enquanto as bordas escurecem gradualmente.
Pintada em grisalha e, não obstante a opinião contrária de alguns críticos, deve ser considerada como uma obra terminada.