As 10 Pinturas Abstratas Mais Famosas

Em Sem Título - Primeira Aquarela Abstrata encontramos uma boa explosão de cor, como acontece na maioria de suas pinturas, mas o uso de aquarelas em vez de óleos deixa um acabamento visivelmente diferente que torna esta obra de arte interessante e bastante única de sua produção em 1910. A obra parece ter sido completada rapidamente, o que é típico desta forma de arte, uma vez que a pintura seca muito rápido. Ele também trabalha de forma expressiva, sem se preocupar muito com a precisão, mas concentrando-se mais na escolha das cores e preenchendo a tela com diferentes formas e linhas. Era realmente abstrato e isso era algo que aparecia cada vez mais à medida que ele avançava em sua carreira, à medida que se afastava cada vez mais da realidade nas formas que usava.

Kandinsky se especializou em óleos, mas trabalhou com aquarelas de vez em quando. Ele deve ter achado este meio fácil de trabalhar e algo que também se adaptava bem a peças de estudo rápidas, onde buscava compreender o design para uma peça futura. Ele também fez uso de litografias, xilogravuras e aguafuertes em outras épocas, particularmente nas primeiras etapas de sua carreira, quando era particularmente experimental.

Trabalhando com aquarelas, Kandinsky conseguiu completar esta pintura em apenas três dias. No entanto, apesar de sua pressa, Kandinsky fez vários estudos para esta obra de arte antes de começar a composição final. O que contribuiu para a velocidade que pode ser interpretada em Sem Título foi sua escolha de cores, já que Kandinsky escolheu cores que sabia que representariam fielmente suas emoções naquele momento. As linhas e formas que foram desenhadas também somam e enfatizam o caos e a urgência que se experimenta ao ver esta pintura.

A abstração também se demonstra claramente dentro desta obra de arte através das linhas soltas e vagas representadas, o que despertou um interesse considerável entre a multidão artística naquela época. Sem Título existe como um importante instigador do movimento de arte abstrata, pois foi a primeira vez que algo remotamente separado e sem restrições foi aceito como um tema adequado dentro das obras de arte naquela época. Sem Título marcou um ponto definidor dentro da arte europeia como o afastamento das obras de arte tradicionais em direção a peças de arte mais abstratas e desinibidas.

O período entre 1910 e 1914 foi considerado o pico da carreira de Kandinsky e o ápice de seus maiores feitos artísticos. Portanto, Sem título existiu como uma das primeiras obras de arte que descaradamente descartaram todas as referências a formas reconhecíveis e emergiram das limitações impostas pelas convenções de representação da pintura da Europa Ocidental.

Esta noção de liberdade total passou a ocupar um lugar de destaque na maioria das obras criadas por Kandinsky durante este período.

No. 2 Idade Adulta # 7 - Hilma AF Klint

Embora não seja tão conhecida quanto muitos dos artistas masculinos de sua época, a artista sueca Hilma af Klint foi uma artista abstrata pioneira cujas pinturas radicais são anteriores a muitos de seus contemporâneos masculinos. Ela pediu que sua grande obra, a maioria da qual nunca foi exibida durante sua vida, permanecesse oculta por 20 anos após sua morte.

A coleção representa as etapas da vida, incluindo infância, juventude, maturidade e velhice. Elas combinam elementos botânicos e objetos orgânicos reconhecíveis que fazem referência ao nascimento e ao crescimento.

A Idade Adulta No. 7 de Hilma Klint é uma enorme tela, de 3 metros de altura e 2 metros de largura, pintada sobre papel, no chão do estúdio, e depois colada sobre uma tela.

Af Klint interpreta a idade adulta em plena flor usando várias formas que fluem livremente em diferentes tamanhos e cores sobre um fundo lilás. O símbolo amarelo central se parece com uma flor, enquanto as espirais e as formas biomórficas são símbolos de crescimento e fertilidade.

No. 3 Senecio - Paul Klee

Completada em 1922, a pintura Senecio é uma manifestação do senso de humor e da cultura africana de Paul. Nas cores e formas simples, Paul usa vários tons de laranja, vermelho e amarelo para revelar o retrato de um idoso. O uso artístico das formas dá a falsa impressão de que um olho está levantando. Sua sobrancelha esquerda é representada por um triângulo, enquanto a outra é formada por uma simples linha curva. O retrato também é chamado de Cabeça de um Homem Ficando Senil e imita intencionalmente as obras de arte de crianças ao usar formas e formas ambíguas com detalhes faciais mínimos.

Esta adaptação do rosto humano é dividida por cor em retângulos. Os quadrados geométricos planos são mantidos dentro de um círculo que representa uma face mascarada e mostram o traje multicolorido de um arlequim. Um retrato do artista performer Senecio, pode ser visto como um símbolo da relação em mudança entre a arte, a ilusão e o mundo do drama. Esta pintura demonstra os princípios da arte de Klee, em que os elementos gráficos de linha, planos de cor e espaço são colocados em movimento por uma energia da mente do artista. Em seus rabiscos imaginativos, ele gostava, segundo suas próprias palavras, de "levar uma linha para passear".

No. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

A pintura Etoile Bleue foi a transição de Miró entre a arte figurativa e a abstrata.

Esta pintura é conhecida por ser uma das mais importantes na carreira de Miró. Em particular, o azul abrasador utilizado pode ser visto em vários de seus trabalhos futuros e até influenciou pintores como Mark Rothko e Yves Klein.

Etoile Bleue é uma grande pintura, mas é uma pintura de perguntas mais do que respostas.

Miró foi o grande sintetizador de uma era de muitas ideias diversas, assim como hoje, mas as ideias artísticas daquela época eram muito mais complexas do que as de hoje.

A pintura combina cores fauvistas, formas cubistas e intenções surrealistas em uma obra que o espectador pode explorar visualmente repetidamente. É, entre tantas coisas, que você fica com muitas perguntas cujas respostas são tão oníricas quanto a pintura.

Se você observar a forma azul no canto superior esquerdo. É um pássaro. É muito provável que seja, mas qual pássaro não está claro. Observando por um tempo, definitivamente se pode dizer que é uma forma dinâmica, mas facilmente pode-se argumentar que está voando para a esquerda ou para a direita ou até mesmo para baixo e em nossa direção.

A grande peça vermelha no centro inferior. É um pé? Definitivamente parece tão estável e ancorado quanto a peça azul é dinâmica.

Esta pintura é uma joia para seus amantes. À primeira vista, ela oscila um pouco e se move, mas um momento, ela se move contra aquela figura elástica no canto inferior direito.

Miró, um artista catalão nascido em Barcelona em 1893, chamou sua paisagem onírica surrealista Peinture (Étoile Bleue) de 1927 uma imagem-chave, incorporando símbolos que usaria repetidamente em anos posteriores, e até mesmo o azul abrasador influenciou pintores posteriores, incluindo Mark Rothko e Yves. Klein.

No. 5. Composição VII - Wassily Kandinsky

A pintura Composição VII de Wassily Kandinsky é considerada por muitos apreciadores da arte abstrata como a obra de arte mais importante do século XX, talvez até mesmo a pintura abstrata mais importante já criada.

Esta obra é uma continuação lógica da Composição V e Composição VI . As três pinturas estão unidas pelo tema do Apocalipse. Elementos da Composição VI como o Dilúvio e a Ressurreição podem ser rastreados neste trabalho. Seu tema principal é o juízo final, mas não é visto como um desastre, mas como uma libertação, a transição do mundo do material para o espiritual. Portanto, a Composição VII se diferencia das outras obras da série por suas cores claras e suas linhas de contraste cintilantes.

Kandinsky construiu cada uma de suas composições para que o espectador pudesse entrar na imagem como se girasse dentro dela. Ele fez com que a borda inferior da composição fosse mais pesada, empurrando-a para frente, enquanto a parte superior permanece mais leve e mais distante para o espectador. Um dos principais contrastes do artista, o azul e o amarelo formam a zona central de movimento ativo para dentro e para fora.

Kandinsky passou muitos meses preparando sua Composição VII, mas levou apenas quatro dias para pintá-la. O artista fez cerca de 30 estudos para esta pintura. Alguns deles lembram Caravaggio ou Leonardo da Vinci com seus estudos detalhados das dobras do tecido, as folhas das árvores ou os membros humanos. Nesta série, algumas obras apresentam repetidamente a mesma linha curva, outras mostram esquematicamente os elementos estruturais básicos da composição e algumas contêm um plano detalhado da composição. Além disso, há cerca de 15 quadros diferentes que estão relacionados à Composição VII: são esboços a óleo ou a lápis, aquarelas, pinturas sobre vidro e gravuras.

Gabrielle Munter, que testemunhou a criação desta pintura, escreveu em seu diário em 25 de novembro de 1913 que a tela para a Composição VII foi entregue em sua casa em Murnau, e Kandinsky começou a trabalhar naquela mesma noite. Na manhã seguinte, ele tirou a primeira fotografia da pintura e, após o almoço, tirou a segunda. A entrada do diário de Munter de 28 de novembro dizia que a pintura estava completa. Em 29 de novembro, ele tirou uma foto da obra finalizada. Assim foi registrado o nascimento de uma grande obra-prima.

Composição VII ocupa a posição no. 100 na nossa lista de pinturas famosas

No. 6 Composição X - Kandinsky

Citado como um dos primeiros campeões da pintura abstrata, Wassily Kandinsky não era apenas um pintor russo, mas também um teórico da arte. A influência que instigou e deixou no mundo da arte e na abstração foi imensa, pois cofundou o grupo de arte Phalanx e o The New Group of Artists posteriormente, organizando exposições para seus contemporâneos ao longo de seus anos como artista. Ele produziu mais de 600 obras ao longo de sua carreira, com uma pintura de 1913 que alcançou seu preço recorde de leilão de 41,6 milhões de dólares em 2017.

Apesar desse impressionante recorde, sua obra mais significativa foi possivelmente Composição X. Última em sua série de toda a vida de 'Composições'. Com ela, ele buscou culminar sua pesquisa sobre a pureza da forma e expressão por meio deste trabalho. Tendo usado a cor preta com moderação em sua prática até agora, foi criticado que este trabalho evoca tanto o cosmos quanto a escuridão do presságio que se aproxima do final de sua vida.

Inicialmente, a criação da Composição X foi influenciada pelas formas biomórficas do surrealismo.

No entanto, Wassily Kandinsky mais tarde empregou a arte de usar formas orgânicas em suas pinturas. Este é um estilo que ele usou ao longo de suas pinturas.

O estilo deu ao seu trabalho uma singularidade. Era fácil e quase impossível não reconhecer as pinturas criadas por Wassily Kandinsky quando eram exibidas em exposições ou em outros lugares.

Além disso, a Composição X foi criada na França. Ao ver a pintura de perto, nota-se que o pintor usou um fundo preto. A razão principal para usar o fundo preto foi para que as cores do primeiro plano pudessem ser vistas claramente.

No. 7 Convergência - Jackson Pollock

Convergência —uma pintura em preto e branco sobre a qual Pollock lançou cores primárias— reflete a crise da Guerra Fria. É uma de suas obras-primas, e também pode ser a pintura mais conhecida de um expressionista abstrato. Em 1964, a Springbok Editions produziu um quebra-cabeça da pintura, que foi promovido como o "quebra-cabeça mais difícil do mundo", e centenas de milhares de americanos o compraram.

Em 1951, Pollock disse: “Parece-me que o pintor moderno não pode expressar sua época, o avião, a bomba atômica, o rádio, nas velhas formas do Renascimento ou em qualquer outra cultura passada. Cada época encontra sua própria técnica.” Pollock encontrou sua técnica na pintura de casas e gotejamentos, e a usou para expressar seu próprio tempo.

Com um tamanho de 237 x 394 centímetros, Convergência é uma das pinturas mais ambiciosas de Pollock. É conhecido por sua brilhante visualidade e por evocar emoções profundas no espectador. Embora as obras de Jackson continuem difíceis de decifrar mesmo para os especialistas em arte, suas pinturas são consideradas manifestações da liberdade de expressão. Convergência, que é um exemplo destacado nesse sentido, continua sendo uma de suas obras-primas mais célebres.

No. 8 Elegia à República Espanhola - Robert Motherwell

Embora Robert Motherwell tivesse apenas 21 anos quando estourou a Guerra Civil Espanhola, suas atrocidades o afetaram muito nos anos seguintes. Isso o levou a criar uma série de mais de 200 pinturas em resposta a ela. A série 'Elegia à República Espanhola' serve como uma multiplicidade de homenagens ao sofrimento humano, bem como "símbolos abstratos e poéticos para o ciclo inexorável da vida e da morte".

Sobre as Elegias, Motherwell declarou que, “Após um período pintando-as, descobri o negro como um de meus temas, e com o negro, o branco contrastante, um senso de vida e morte que para mim é bastante espanhol. São essencialmente o negro espanhol da morte contrastado com o brilho de uma luz do sol como Matisse”.

Suas Elegias constituem uma meditação abstrata estendida sobre a vida e a morte. Ao longo da série, as telas brancas horizontais são divididas ritmicamente por duas ou três barras verticais desenhadas livremente e pontuadas em vários intervalos por formas ovais. As pinturas geralmente são compostas completamente de preto e branco, as cores do luto e do brilho, da morte e da vida. Motherwell comentou sobre o entrelaçamento dessas forças como uma metáfora de sua compreensão da experiência de estar vivo.

Elegia à República Espanhola descreve uma passagem majestosa do orgânico e do geométrico, do acidental e do deliberado. Como outros expressionistas abstratos, Motherwell sentiu-se atraído pelo princípio surrealista do automatismo — de métodos que escapavam à intenção consciente do artista — e sua pincelada tem uma carga emotiva, mas dentro de uma estrutura geral de certa severidade. De fato, Motherwell viu os arranjos cuidadosos de cor e forma como o coração da arte abstrata, que, disse, "se despindo de outras coisas para intensificá-lo, seus ritmos, intervalos espaciais e estrutura de cor".

No. 9 Íris Negro – Georgia O'Keeffe

Esta monumental pintura de flores é uma das primeiras obras-primas de O'Keeffe. Ao ampliar os pétalos muito além das proporções do tamanho natural, obriga o espectador a observar os pequenos detalhes que poderiam ser negligenciados. Quando as pinturas deste grupo foram exibidas pela primeira vez em 1924, até mesmo Alfred Stieglitz, seu esposo e marchand, ficou surpreso com sua audácia.

A Íris Negra de Georgia O'Keeffe é um exemplo de um de seus muitos trabalhos sobre o tema das flores e, em particular, o íris, uma flor rica em simbolismo. No entanto, em Black Iris III, o objetivo de O'Keeffe não era fazer referência a esse simbolismo nem adicioná-lo, mas sim encorajar o espectador a olhar e ver a flor e considerar as diferentes formas como as pessoas veem. Assim, torna-se uma profunda meditação sobre a arte de olhar, não apenas para a arte, mas para a vida. Neste artigo, a Singulart analisa o simbolismo projetado na pintura de O'Keeffe, bem como suas próprias intenções ao criar a Black Iris III.

Georgia O'Keeffe esteve preocupada com o tema da pintura de íris por muitos anos, em particular o íris negro, que era mais difícil de encontrar e só estava disponível por algumas semanas ao ano em Nova York. O íris é um símbolo familiar no mundo ocidental: na mitologia grega, a deusa Íris personifica o arco-íris e a conexão entre o céu e a terra; no cristianismo, o íris simboliza a paixão de Cristo e a ressurreição, bem como o sofrimento de Maria. Por sua vez, Linda Nochlin, historiadora da arte, transformou os íris de O'Keeffe em um símbolo feminista ao descrevê-los como uma “metáfora morfológica” dos genitais femininos, refletindo “a unidade do feminino e a ordem natural”. A descrição de Nochlin do Black Iris III e das outras pinturas de íris de O'Keeffe as ancorou na história da arte e na história do feminismo e da arte feminista.

No entanto, O'Keeffe rejeitou essa descrição, afirmando que: “Ninguém vê uma flor, de verdade, é tão pequena. Não temos tempo, e ver leva tempo assim como ter um amigo leva tempo. Se eu pudesse pintar a flor exatamente como a vejo, ninguém veria o que eu vejo porque eu a pintaria pequena como a flor é pequena. Então, eu pensei: vou pintar o que vejo, o que a flor é para mim, mas vou pintá-la em grande e você ficará surpreso ao se tomar o tempo para olhá-la, farei com que até mesmo os ocupados nova-iorquinos se tomem o tempo para ver o que eu vejo das flores. Eu fiz você se tomar o tempo para olhar o que vi e quando você se tomou o tempo para realmente notar minha flor, colocou todas as suas próprias associações com flores na minha flor e escreveu sobre minha flor como se eu pensasse e visse o que você pensa e vê. a flor, e eu não.

No. 10 Intercâmbio - William de Kooning

Em 1955, Willem de Kooning completou a obra Intercâmbio. Ele havia se concentrado por um longo tempo em reelaborar estudos de figuras que envolviam mulheres que começou em 1948. Estes estavam associados à sua exposição individual em 1953, pinturas sobre o tema da mulher, que foi inaugurada na cidade de Nova York naquele momento. Alguns títulos dessas obras incluem Mulher I, Mulher III e Mulher V, bem como Duas mulheres com natureza morta.

Até 1955, de Kooning havia parado de pintar figuras humanas e continuava usando representações abstratas da arquitetura e das comunidades da cidade de Nova York.

Willem de Kooning utilizou marcas gestuais rápidas na tela. A imagem mostra uma mulher sentada em uma cadeira, mas as mulheres aparecem apenas como uma massa de pico. Ao nomear suas pinturas, ele sempre preferiu um vínculo com a área onde vivia. O Intercâmbio obteve o nome dos arredores, o centro de Nova York, o lugar onde ele viveu durante esse tempo.

Originalmente, a pintura foi vendida pelo artista em 1955 por $ 4.000.

Depois foi vendida pela Fundação David Geffen para Kenneth C. Griffin por $ 300 milhões de dólares em setembro de 2015, colocando-a em segundo lugar na lista de pinturas mais caras, apenas superada por Salvator Mundi de Leonardo da Vinci, que foi vendida por 450,3 milhões de dólares em novembro de 2017.

KUADROS ©, uma pintura famosa na sua parede.