Os 10 Pinturas Resumos mais famosos

Em Sem título - Primeira aguarela abstrata encontramos uma boa explosão de cor, como acontece na maioria das aguarelas de Kandinsky. pinturasA utilização de aguarelas em vez de óleos deixa um acabamento visivelmente diferente, o que torna esta obra de arte interessante e bastante singular em relação à sua produção de 1910. O trabalho em grande plano parece ter sido efectuado rapidamente, o que é típico desta forma de arte, uma vez que o pintura seca muito rapidamente. Também trabalha de forma expressiva, não se preocupando demasiado com a precisão, mas concentrando-se mais na escolha das cores e no preenchimento da tela com diferentes formas e linhas. Era muito abstrato e isso foi algo que foi aparecendo cada vez mais à medida que avançava na sua carreira, afastando-se cada vez mais da realidade nas formas que utilizava.

Kandinsky especializou-se em óleos, mas trabalhou ocasionalmente com aguarelas. Terá achado este meio fácil de trabalhar e algo que também se adequava bem a peças rápidas de estúdio, onde procurava compreender o design para uma peça futura. Também recorreu a litografias, xilogravuras e gravuras noutras ocasiões, sobretudo no início da sua carreira, quando era particularmente experimental.

Ao trabalhar com aguarelas, Kandinsky conseguiu completar esta pintura em apenas três dias. No entanto, apesar da sua pressa, Kandinsky efectuou vários estudos para esta obra de arte antes de iniciar a composição final. O que contribuiu para a velocidade que pode ser interpretada em Sem título foi a sua escolha de cores, uma vez que Kandinsky escolheu engenhosamente cores que sabia que representariam com precisão as suas emoções na altura. As linhas e formas desenhadas também contribuem para enfatizar o caos e a urgência que se sente ao olhar para este quadro. pintura.

A abstração é também claramente demonstrada nesta obra de arte através das linhas soltas e vagas representadas, o que despertou um interesse considerável entre o público artístico da época. Sem título é um importante instigador do movimento da arte abstrata, pois foi a primeira vez que algo remotamente desprendido e sem restrições foi aceite como um tema adequado nas obras de arte da época. Sem título marcou um ponto de viragem na arte europeia, afastando-se das obras de arte tradicionais em direção a peças de arte mais abstractas e desinibidas.

O período entre 1910 e 1914 foi considerado o pico da carreira de Kandinsky e o auge das suas maiores realizações artísticas. Sem título é, por isso, uma das primeiras obras de arte que descarta sem pudor todas as referências a formas reconhecíveis e sai das limitações impostas pelas convenções de representação da época. pintura da Europa Ocidental.

Esta noção de liberdade total passou a figurar de forma proeminente na maioria das obras criadas por Kandinsky durante este período.

N.º 2 Idade adulta n.º 7 - Hilma AF Klint

Embora não seja tão conhecida como muitos dos artistas masculinos do seu tempo, a artista sueca Hilma af Klint foi uma artista abstrata pioneira, cujo trabalho é conhecido como "artista feminina". pinturas Os seus radicais são anteriores a muitos dos seus contemporâneos masculinos. Pediu que a sua vasta obra, a maior parte da qual nunca foi exposta durante a sua vida, permanecesse escondida até 20 anos após a sua morte. 

A coleção representa as fases da vida, incluindo a infância, a juventude, a maturidade e a velhice. Combinam elementos botânicos e objectos orgânicos reconhecíveis que remetem para o nascimento e o crescimento.

A coleção Idade Adulto N.º 7 de Hilma Klint é uma tela enorme, com 3 metros de altura e 2 metros de largura, pintada em papel no chão do atelier e depois colada numa tela.

Af Klint interpreta a idade adulta em plena floração, pintando várias formas fluidas de diferentes tamanhos e cores sobre um fundo lilás. O símbolo central amarelo assemelha-se a uma flor, enquanto as espirais e as formas biomórficas são símbolos de crescimento e fertilidade.

N.º 3 Senecio - Paul Klee

Concluído em 1922, o pintura Senecio é uma manifestação do sentido de humor de Paul e da cultura africana. Com cores e formas simples, Paul utiliza vários tons de laranja, vermelho e amarelo para revelar o retrato de um homem idoso. A utilização artística das formas dá-lhe a falsa impressão de um olho levantado. A sua sobrancelha esquerda é representada por um triângulo, enquanto a outra é formada por uma simples linha curva. O retrato também se chama "Cabeça de um homem senil" e imita intencionalmente as obras de arte infantis através da utilização de formas ambíguas e de formas com detalhes faciais mínimos.

Esta adaptação do rosto humano está dividida por cores em rectângulos. Os quadrados geométricos planos são mantidos dentro de um círculo que representa um rosto mascarado e mostra o traje multi-colorido de um arlequim. Retrato do artista performativo Senecio, pode ser visto como um símbolo da relação mutável entre a arte, a ilusão e o mundo do teatro. Esta pintura demonstra os princípios da arte de Klee, em que os elementos gráficos da linha, os planos de cor e o espaço são postos em movimento por uma energia da mente do artista. Nos seus rabiscos imaginativos, gostava, segundo as suas próprias palavras, de "levar uma linha a passear".

N.º 4 Etoile Bleue - Joan Miró

O pintura Estrela Azul foi a transição de Miró entre a arte figurativa e a arte abstrata.

Esta pintura é conhecida por ser uma das pinturas mais importantes da carreira de Miro. Em particular, o azul escaldante utilizado pode ser visto em várias das suas obras futuras e chegou mesmo a influenciar pintores como Mark Rothko e Yves Klein.

Etoile Bleue é uma excelente pinturamas é um pintura de perguntas mais do que de respostas.

Miró foi o grande sintetizador de uma época de ideias muito diversas, tal como hoje, mas as ideias artísticas dessa época eram muito mais complexas do que as de hoje.

O pintura combina cores fauvistas, formas cubistas e intenções surrealistas numa obra que o espetador pode explorar visualmente uma e outra vez. É entre tantas coisas que fica com muitas perguntas cujas respostas são tão oníricas como o quadro.

Se olhar para a forma azul no canto superior esquerdo. É um pássaro. É muito provável que seja, mas não é claro qual é o pássaro. Olhando para ele durante algum tempo, pode definitivamente dizer que é uma forma dinâmica, mas pode facilmente argumentar que voa para a esquerda ou para a direita ou mesmo para baixo e na nossa direção.

A grande peça vermelha na parte inferior central - será um pé? Parece definitivamente tão estável e ancorado como a peça azul é dinâmica.

Este pintura é uma joia para os seus amantes. À primeira vista, oscila um pouco e move-se, mas espere um minuto, move-se contra aquela figura elástica no canto inferior direito.

Miró, um artista catalão nascido em Barcelona em 1893, chamou à sua paisagem de sonho surrealista Peinture ( Étoile Bleue ) de 1927 uma imagem-chave, incorporando símbolos que usaria repetidamente nos anos posteriores, e até a cor azul abrasadora influenciou pintores posteriores, incluindo Mark Rothko e Yves. Klein.

No. 5. Composição VII - Wassily Kandinsky

Os pintura Composição VII de Wassily Kandinsky é considerada por muitos aficionados da arte abstrata como a obra de arte mais importante do século XX, talvez mesmo a obra de arte mais importante do século XX. pintura A obra abstrata mais importante alguma vez criada.

Esta obra é uma continuação lógica da Composição V e da Composição VI . As três pinturas estão unidas pelo tema do Apocalipse. Elementos da Composição VI, como o Dilúvio e a Ressurreição, podem ser encontrados nesta obra. O seu tema principal é o juízo final, mas este não é visto como uma catástrofe, mas como uma libertação, a transição do mundo material para o espiritual. A composição VII distingue-se assim das outras obras da série pelas suas cores claras e linhas brilhantes e contrastantes.

Kandinsky construiu cada uma das suas composições de modo a que o espetador pudesse entrar na imagem como se estivesse a rodar dentro dela. Tornou a extremidade inferior da composição mais pesada, empurrando-a para a frente, enquanto a parte superior permanece mais leve e mais distante do observador. Um dos principais contrastes do artista, o azul e o amarelo formam a zona central do movimento ativo para dentro e para fora.

Kandinsky passou muitos meses a preparar a sua Composição VII, mas demorou apenas quatro dias a pintá-la. O artista realizou cerca de 30 estudos desta composição pintura. Alguns deles fazem lembrar os estudos pormenorizados de Caravaggio ou Leonardo da Vinci sobre as dobras da tela, as folhas das árvores ou os membros humanos. Nesta série, algumas obras apresentam repetidamente a mesma linha curva, outras mostram esquematicamente os elementos estruturais básicos da composição e algumas contêm um plano pormenorizado da composição. Para além disso, existem cerca de 15 pinturas diferentes relacionadas com a Composição VII: são esboços a óleo ou a lápis, aguarelas, pinturas em vidro e gravuras.

Gabrielle Munter, que foi testemunha da criação desta pinturaA tela para a Composição VII foi entregue na sua casa em Murnau e Kandinsky começou a trabalhar nessa mesma noite, escreveu ela no seu diário em 25 de novembro de 1913. Na manhã seguinte, tirou a primeira fotografia do quadro e, depois do almoço, tirou a segunda. A 28 de novembro, Munter escreve no seu diário que o quadro está concluído. No dia 29 de novembro, tirou uma fotografia da obra acabada. Assim ficou registado o nascimento de uma grande obra-prima.

A Composição VII ocupa o lugar n. 100 na nossa lista de pinturas famosos

N.º 6 Composição X - Kandinsky

Citado como um dos primeiros defensores da pintura Wassily Kandinsky não foi apenas um pintor russo, mas também um teórico da arte. A influência que instigou e deixou no mundo da arte e na abstração foi imensa, uma vez que co-fundou o grupo de arte Phalanx e o Novo Grupo de Artistas, organizando exposições para os seus contemporâneos ao longo dos seus anos como artista. Produziu mais de 600 obras ao longo da sua carreira, com uma pintura de 1913, que atingiu o seu preço recorde de leilão de 41,6 milhões de dólares em 2017. 

Apesar deste registo impressionante, a sua obra mais significativa foi, sem dúvida Composição X. A última da sua série de "Composições". Com ela, procurou culminar a sua investigação sobre a pureza da forma e da expressão através desta obra. Tendo usado a cor preta com moderação na sua prática até então, esta obra foi criticada por evocar tanto o cosmos como a escuridão do presságio que se aproxima do fim da sua vida. 

Inicialmente, a criação de Composition X foi influenciada pelas formas biomórficas do Surrealismo.

No entanto, Wassily Kandinsky empregou mais tarde a arte da utilização de formas orgânicas na sua pinturas. Este é um estilo que utilizou mais tarde em toda a sua obra pinturas.

O estilo conferiu à sua obra a sua singularidade. Era fácil e quase impossível não reconhecer a sua obra. pinturas As pinturas de Wassily Kandinsky, quando apresentadas em exposições ou noutros locais.

Além disso, a Composição X foi criada em França. Ao ver a pintura repare que o pintor utilizou um fundo preto. A principal razão para a utilização do fundo preto foi o facto de as cores do primeiro plano poderem ser vistas claramente.

N.º 7 Convergência - Jackson Pollock

Convergência -a pintura em preto e branco sobre a qual Pollock lançou cores primárias - reflecte a crise da Guerra Fria. É uma das suas obras-primas e pode também ser a pintura obra mais conhecida de um expressionista abstrato. Em 1964, as Edições Springbok produziram um puzzle do pinturaEm 1964, a Springbok Editions produziu um puzzle que foi apresentado como o "puzzle mais difícil do mundo", e centenas de milhares de americanos compraram-no.

Em 1951, Pollock afirmou: "Parece-me que o pintor moderno não pode exprimir a sua época, o avião, a bomba atómica, a rádio, nas velhas formas da Renascença ou de qualquer outra cultura do passado. Cada época encontra a sua própria técnica. Pollock encontrou a sua técnica na pintura de casas e gotas, e usou-a para expressar o seu próprio tempo.

Medindo 237 x 394 centímetros, Convergência é uma das obras mais importantes de Pollock. pinturas mais ambicioso É a obra mais ambiciosa de Pollock. É conhecida pelo seu brilho visual e por evocar emoções profundas no espetador. Embora as obras de Jackson continuem a ser difíceis de decifrar, mesmo para os conhecedores de arte, a sua pinturas são consideradas manifestações de liberdade de expressão. A Convergência, que é um excelente exemplo a este respeito, continua a ser uma das suas obras-primas mais célebres.

N.º 8 Elegia à República Espanhola - Robert Motherwell

Embora Robert Motherwell tivesse apenas 21 anos quando eclodiu a Guerra Civil Espanhola, as suas atrocidades afectaram-no muito nos anos que se seguiram. Este facto levou-o a criar uma série de mais de 200 pinturas em resposta à mesma. A série "Elegia à República Espanhola" funciona como uma multiplicidade de comemorações do sofrimento humano, bem como "símbolos abstractos e poéticos do ciclo inexorável da vida e da morte".

Sobre as Elegias, Motherwell afirmou: "Após um período em que as pintei, descobri o preto como um dos meus temas e, com o preto, o branco contrastante, um sentido de vida e morte que, para mim, é bastante espanhol. São essencialmente o negro espanhol da morte em contraste com o deslumbramento de uma luz solar à maneira de Matisse".

As suas Elegias constituem uma extensa meditação abstrata sobre a vida e a morte. Ao longo de toda a série, as telas brancas horizontais são ritmicamente divididas por duas ou três barras verticais desenhadas livremente e pontuadas a vários intervalos por formas ovóides. As pinturas são frequentemente compostas inteiramente de preto e branco, as cores do luto e do brilho, da morte e da vida. Motherwell comentou o emaranhado destas forças como uma metáfora para a sua compreensão da experiência de estar vivo.

Elegy to the Spanish Republic descreve uma passagem majestosa entre o orgânico e o geométrico, o acidental e o deliberado. Tal como outros expressionistas abstractos, Motherwell foi atraído pelo princípio surrealista do automatismo - de métodos que ultrapassam a intenção consciente do artista - e a sua pincelada é emocionalmente carregada, mas dentro de uma estrutura global de uma certa severidade. De facto, Motherwell considerava as disposições cuidadosas da cor e da forma como o cerne da arte abstrata, que, segundo ele, "retira outras coisas para as intensificar, os seus ritmos, intervalos espaciais e estrutura de cores".

N.º 9 Íris negra - Georgia O'Keeffe

Este monumental pintura de flores é uma das primeiras obras-primas de O'Keeffe. Ao ampliar as pétalas muito para além das proporções reais, obriga o observador a reparar em pequenos pormenores que, de outra forma, poderiam passar despercebidos. Quando o pinturas deste grupo foram expostas pela primeira vez em 1924, até Alfred Stieglitz, o seu marido e marchand, ficou surpreendido com a sua audácia.

A Íris Negra de Georgia O'Keeffe é um exemplo de uma das suas muitas obras sobre o tema das flores e, em particular, da íris, uma flor rica em simbolismo. No entanto, em Black Iris III , o objetivo de O'Keeffe não era fazer referência ou acrescentar a este simbolismo, mas antes encorajar o espetador a olhar e ver a flor e a considerar as diferentes formas como as pessoas vêem. Torna-se assim numa profunda meditação sobre a arte de olhar, não apenas para a arte, mas para a vida. Neste artigo, Singulart discute o simbolismo projetado na pintura trabalho de O'Keeffe, bem como as suas próprias intenções ao criar Black Iris III. 

Georgia O'Keeffe estava preocupada com a questão da pintura A íris é um símbolo familiar no mundo ocidental: na mitologia da íris, na mitologia do mundo ocidental, na mitologia da íris, na mitologia da íris negra, e na mitologia da íris, na mitologia da íris negra. A íris é um símbolo familiar no mundo ocidental: na mitologia grega, a deusa Íris personifica o arco-íris e a ligação entre o céu e a terra; no cristianismo, a íris simboliza a paixão e a ressurreição de Cristo, bem como o sofrimento de Maria. Linda Nochlin, historiadora de arte, transformou as íris de O'Keeffe num símbolo feminista, descrevendo-as como uma "metáfora morfológica" dos órgãos genitais femininos, reflectindo "a unidade do feminino e a ordem natural". A descrição de Nochlin da Íris Negra III e das outras pinturas As pinturas de íris de O'Keeffe ancoraram-nas na história da arte e na história do feminismo e da arte feminista.

No entanto, O'Keeffe rejeitou esta descrição, afirmando que: "Ninguém vê uma flor, na verdade, é tão pequena. Não temos tempo, e ver leva tempo como ter um amigo leva tempo. Se pudesse pintar a flor exatamente como a vejo, ninguém veria o que eu vejo porque a pintaria pequena como a flor é pequena. Por isso, disse a mim próprio: vou pintar o que vejo, o que a flor é para mim, mas vou pintá-la em grande e as pessoas vão ficar surpreendidas por terem tempo para olhar para ela, vou fazer com que até os nova-iorquinos atarefados tenham tempo para olhar para o que eu vejo das flores. Eu obriguei-o a dedicar algum tempo a olhar para o que eu via e quando dedicou algum tempo a reparar realmente na minha flor, colocou todas as suas próprias associações com flores na minha flor e escreveu sobre a minha flor como se eu pensasse e visse o que você pensa e vê. a flor, e eu não.

N.º 10 Troca - William de Kooning

Em 1955, Willem de Kooning concluiu a obra Exchange. Há muito tempo que se dedicava a reelaborar estudos de figuras femininas iniciados em 1948. Estes foram associados à sua exposição individual em 1953, pinturas sobre o tema da mulher, inaugurada nessa altura em Nova Iorque. Alguns títulos destas obras incluem Woman I, Woman III e Woman V, bem como Two Women with natureza morta .

Em 1955, de Kooning deixou de pintar figuras humanas e continuou a utilizar representações abstractas da arquitetura e das comunidades da cidade de Nova Iorque.

Willem de Kooning utilizou marcas gestuais rápidas sobre tela. A imagem mostra uma mulher sentada numa cadeira, mas as mulheres aparecem apenas como uma massa de picos. Quando dava nome aos seus quadros, preferia sempre uma ligação à zona onde vivia. O Exchange recebeu o seu nome dos arredores, do centro de Nova Iorque, o local onde viveu durante esse período.

Originalmente, o pintura foi vendida pelo artista em 1955 por 4.000 dólares.

Foi depois vendida pela Fundação David Geffen a Kenneth C. Griffin por 300 milhões de dólares em setembro de 2015, colocando-a em segundo lugar na lista dos maiores artistas do mundo. pinturas O Salvator Mundi de Leonardo da Vinci, que foi vendido por 450,3 milhões de dólares em novembro de 2017.

KUADROS ©A pintura famoso na sua parede.