Muitas das obras na lista a seguir foram roubadas.
Outras destruídas pelo homem ou pela natureza e, de outras simplesmente não se sabe exatamente seu destino final. As causas pelas quais esses tesouros se perderam são diferentes, mas em todos os casos há um culpado comum: o ser humano.
No.1 O Colosso de Rodes
Uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo, O Colosso de Rodes foi uma enorme estátua de bronze do deus do sol, Helios, que se erguia sobre a cidade grega de Rodes. A estátua estava junto ao porto da cidade desde o ano 280 AC, sendo um dos portos comerciais mais importantes do antigo Mediterrâneo.
Helios era descendente dos titãs Hiperion e Téia. Um lugar onde Helios era particularmente adorado era Rodes, a maior das ilhas do Dodecaneso no leste do Mediterrâneo. Rodes era uma Pólis, ou cidade-Estado, e gerava muito dinheiro devido ao seu lucrativo controle do comércio. Não parecia haver uma melhor maneira de comemorar seu status comercial do que comissionar uma estátua maciça em honra ao deus da cidade, um movimento que celebrava a liberdade conquistada pela ilha.
A estátua gigante original media 33 metros de altura e, segundo os relatos da antiguidade, levou ao escultor Chares de Lindos, 12 anos completos para finalizá-la. Embora o Colosso certamente tenha se mostrado uma vista incrível para os visitantes do agitado porto da cidade, infelizmente, o gigante Helios mal permaneceu em pé durante 56 anos.
Destruído por um terremoto em 228 ou 226 AC, suas peças quebradas encheram os cais de Rodes durante um milênio antes de derreterem em sucata no meio do século VII. Nenhum desenho do Colosso de Rodes sobrevive até hoje, mas fontes antigas indicam que Helios foi representado de pé com uma tocha segurada em sua mão estendida. Estas descrições mais tarde serviram de inspiração para o design da Estátua da Liberdade.
No.2 O Escudo de Medusa - Leonardo da Vinci
O Escudo de Medusa se perdeu no tempo, mas é uma dessas obras misteriosas de Leonardo da Vinci com um alto nível de espírito e debate.
Segundo um relato de 1550 do historiador de arte Giorgio Vasari, o rosto foi pintado em um escudo de madeira cortado de figueiras, como um favor para um amigo camponês seu que desenhou o escudo. Leonardo, em seu estilo experimental, pegou o escudo e o aqueceu com fogo, amolecendo-o.
Segundo o relato, quando seu pai, Ser Piero, veio ver o escudo e bateu à porta, Leonardo lhe disse para esperar. Ele pegou a pintura e a ajustou perto de uma janela com a luz suave que entrava. Ser Piero entrou e deu uma olhada na pintura, dando um passo para trás com um grito.
Leonardo então disse: “Este trabalho serve para o fim para o qual foi feito; leve-o embora, pois este é o efeito que estava destinado a produzir”.
A pintura acabou sendo tão realista que inicialmente assustou o pai de Leonardo, que a considerou uma obra-prima algo macabra e a vendeu secretamente a um grupo de comerciantes florentinos.
O Escudo de Medusa estava destinado a ser uma daquelas histórias da juventude de Leonardo, então poderia estar em Vinci (na Toscana, onde nasceu Leonardo), ou poderia estar em Florença.
O escudo desapareceu há muito tempo, e alguns especialistas modernos agora argumentam que a história de Vasari pode ter sido pouco mais que um mito, uma lenda urbana de sua época.
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No.3 Os Quebradores de Pedra - Gustave Courbet
Realismo e pura realidade em uma só obra.
Se observamos de perto a pintura de Courbet, Os Quebradores de Pedra, a preocupação do artista pela difícil situação dos pobres era evidente.
Os Quebradores de Pedra, pintados em 1849, representam dois trabalhadores camponeses comuns. Courbet pintou sem nenhum sentimento aparente; em vez disso, deixou que a imagem dos dois homens, um jovem demais para trabalhos forçados e o outro velho demais, expressasse os sentimentos de dificuldade e exaustão que estava tentando retratar. Courbet mostra simpatia pelos trabalhadores e desgosto pela classe alta ao pintar esses homens com dignidade própria.
Inspirado por um encontro casual com dois trabalhadores oprimidos, Courbet rompeu deliberadamente com a convenção da época, capturando os homens com detalhes ásperos, desde seus músculos tensos até suas roupas esfarrapadas e sujas.
Tradicionalmente, um artista passava a maior parte do tempo nas mãos, rostos e close-ups. Não foi o caso de Courbet. Se observar de perto, notará que ele tenta ser imparcial, prestando atenção aos rostos e às rochas igualmente, deixando de lado o glamour que a maioria dos pintores franceses na época adicionavam a suas obras. Devido a isso, Courbet se tornou conhecido como o líder do movimento realista.
Embora a pintura tenha ajudado a lançar a carreira artística de Courbet, "Os Quebradores de Pedra" acabou condenada a se tornar uma das muitas vítimas culturais da Segunda Guerra Mundial. Em 1945, a pintura foi destruída durante um bombardeio aliado perto da cidade de Dresden, Alemanha.
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No.4 O homem na encruzilhada - Diego Rivera
Diego Rivera pintou muitos murais e frescos populistas, mas sua obra mais famosa pode ser a que não existe mais. Em 1932, o artista mexicano foi comissionado por John D. Rockefeller para criar um mural destinado às paredes do Rockefeller Center de Nova York.
Ao artista foi entregue o tema: "o homem na encruzilhada olhando com esperança e visão em alta para escolher um novo e melhor futuro".
Rockefeller desejava que a pintura fizesse com que as pessoas parassem e pensassem. A Rivera seriam pagos $ 21.000 pelo trabalho. Ele foi oficialmente comissionado pela Todd-Robertson-Todd Engineering, os agentes de desenvolvimento do edifício. A comissão completa previa três murais. O homem na Encruzilhada estaria no centro. Estaria flanqueado pela Fronteira da Evolução Ética e a Fronteira do Desenvolvimento Material. A composição central pretendia contrastar o capitalismo e o socialismo. Essa ideia compositiva básica foi aprovada por Rockefeller.
No dia 24 de abril de 1933, o jornal New York World-Telegram publicou um artigo atacando o mural como propaganda anticapitalista. Alguns dias depois, Rivera adicionou o retrato de Lenin à obra. O líder aparecia na frente, à direita. Ali se vê Lenin de mãos dadas com um grupo de trabalhadores multirraciais.
Os soldados e a maquinaria de guerra ocuparam a parte superior esquerda acima das mulheres da sociedade, e se viu uma manifestação russa do Primeiro de Maio com bandeiras vermelhas à direita, acima de Lenin. Para Rivera, isso representava visões sociais contrastantes: os "ricos depravados" observados pelos desempregados enquanto a guerra se desencadeava, enquanto uma utopia socialista estava sendo introduzida por Lenin.
Dos centenas de personagens em O Homem na Encruzilhada, Lenin foi o que mais debate produziu. Uma manchete de 24 de abril do New York World-Telegram declarou "Rivera perpetua cenas de atividade comunista para os muros da RCA, e Rockefeller, Jr. arca com a conta". Dez dias depois, Nelson Rockefeller, mecenas de Rivera e membro de uma família famosa e rica, pediu ao artista que removesse Lenin. Quando Rivera se recusou, foram pagos ao artista pelo seu trabalho na totalidade e ele foi demitido. Os murais foram cobertos e depois destruídos, enquanto os apoiadores de Rivera se uniram para salvar o trabalho.
Preocupado com a possibilidade de Rockefeller destruir a obra, Rivera havia pedido a uma assistente, Lucienne Bloch, que tirasse fotografias do mural antes que fosse destruído. Utilizando-as como referência, Rivera pintou novamente o mural, embora em menor escala, no Palácio de Belas Artes da Cidade do México, onde passou a se chamar Homem, Controlador do Universo. A composição era quase idêntica, a principal diferença é que a figura central foi ligeiramente movida para alinhar-se com o mastro de suporte do telescópio cilíndrico acima dele. A nova versão incluía um retrato de Leon Trotsky ao lado de Karl Marx e Friedrich Engels à direita, e outros, incluindo Charles Darwin, à esquerda e o pai de Nelson Rockefeller, John D. Rockefeller, Jr., um abstêmio de toda a vida, bebendo em uma boate com uma mulher. Acima de suas cabeças, o artista colocou um prato de bactérias de sífilis.
No.5 Retrato de Sir Winston Churchill - Graham Sutherland
Em 1954, membros do Parlamento britânico encomendaram um retrato do artista Graham Sutherland e o apresentaram a Winston Churchill como um presente de aniversário de 80 anos.
Graham continua sendo lembrado, sobretudo, como o artista cujo retrato de Sir Winston Churchill ofendeu tanto a venerável figura que o destruiu.
Embora tenha afirmado se sentir honrado pelo gesto, Churchill não era fã da interpretação realista de Sutherland, que achou que o capturou em uma pose pouco lisonjeira. De fato, o primeiro-ministro detestava tanto o retrato que considerou não comparecer à cerimônia de apresentação, e até escreveu a Sutherland uma carta expressando pessoalmente sua decepção.
Não era que o retrato fosse deliberadamente de estilo "moderno", ou mesmo mal executado. Mais sim, foi um retrato francamente honesto e direto de um homem que, afinal, tinha pouco mais de 80 anos, estava frágil e fisicamente exausto. No entanto, o retrato também foi um estudo compreensivo que conseguiu transmitir a gravidade do modelo, ao mesmo tempo revelando sua vulnerabilidade. No entanto, essa realidade chocou espetacularmente com a imagem que Churchill gostava de projetar de si mesmo para a sociedade britânica, a do homem de ação, o líder sem pretensões e indomável em tempos de guerra.
Dada a audácia e franqueza da imagem, a reação de Churchill era talvez inevitável.
Churchill e sua esposa rejeitaram todos os pedidos para expor publicamente a pintura, e a obra efetivamente desapareceu da vista do público durante vários anos. Após a morte do líder em 1977, finalmente revelaram que Lady Churchill havia destruído e queimado pessoalmente o odiado retrato menos de um ano após sua apresentação.
Em retrospecto, toda a "controversa do retrato de Churchill" provou ser uma espada de dois gumes para Sutherland. De um lado, era um testemunho da força de seu retrato. Mas por outro lado, a pintura trouxe a ele uma grande quantidade de notoriedade indesejada e injustificada, especialmente na imprensa popular. Isso foi particularmente irritante para Sutherland, porque ele era um artista sério que estava profundamente comprometido com sua profissão.
No.6 Os Budas de Bamiyan
Imagem dos Budas de Bamiyan antes de sua destruição.
Construídos em algum momento do século VI, esse lendário par de Budas de pedra existiu por 1.500 anos antes de ser vítima de uma purga cultural pelos talibãs. As esculturas de 41 e 53 metros de altura foram originalmente criadas diretamente de um penhasco de arenito, e serviram como o monumento mais espetacular de Bamiyan durante um tempo em que a cidade floresceu como um centro comercial da Rota da Seda.
Antes de sua destruição, podiam-se ver duas esculturas monumentais de Buda esculpidas na encosta em frente ao vale. A maior das duas figuras estava localizada na extremidade ocidental. A historiadora da arte Susan Huntington argumentou que representava o Buda Vairochana. A menor das duas estátuas monumentais, localizada a leste, representava o Buda Shakyamuni.
Assim como muitos dos grandes monumentos antigos do mundo, sabe-se pouco sobre quem comissionou os budas para os escultores que os esculpiram. No entanto, sua própria existência aponta para a importância da fé budista e do vale de Bamiyan durante esse período.
A destruição em Bamiyan é o ataque mais espetacular contra o patrimônio histórico e cultural do Afeganistão. Além disso, sua destruição é única pela mobilização mundial que despertou, embora, infelizmente, não seja o único dano infligido aos restos arqueológicos daquele país.
Enquanto resistiram por mais de uma dúzia de séculos, a vários ataques de imperadores muçulmanos e até mesmo uma invasão de Genghis Khan, os Budas foram finalmente destruídos em março de 2001, quando os talibãs e seus aliados da Al Qaeda deram uma ordem condenando as imagens "idólatras".
Ignorando os apelos amplos da comunidade internacional, os grupos dispararam contra as estátuas com armas antiaéreas antes de fazê-las explodir com dinamite.
Embora a destruição dos Budas tenha sido condenada como um crime contra a cultura, uma série de desenhos e textos de cavernas anteriormente escondidos entre os escombros foram descobertos, e em 2008 arqueólogos desenterraram uma terceira estátua de Buda, previamente não descoberta, perto das ruínas, o que se tornou uma espécie de vingança da cultura contra o terror.
No.7 Natividade com São Francisco e São Lourenço - Caravaggio
A Natividade com São Francisco e São Lourenço é a única obra conhecida associada à breve estadia de Caravaggio em Palermo e é muito mais tradicional do que a Adoração de Messina, não só porque o Menino Jesus está sozinho no chão enquanto a Virgem se senta em um assento baixo, mas igualmente devido às poses mais convencionais e às aparências bem vestidas das figuras circundantes.
O tratamento da pintura também é muito mais preciso e acabado do que em muitas das últimas obras de Caravaggio. No entanto, sua humildade recém-adquirida não se perdeu completamente, e a figura camponesa de São José à direita, com seu chapéu de aba larga e suas mãos morenas, parece ter sido um protótipo para muitas das figuras semelhantes nas composições realistas populares nos dois séculos seguintes.
A imagem foi, segundo Bellori, pintada para o Oratório da Compagnia di San Lorenzo.
Desde seu roubo em 1969, o belém de Caravaggio tem sido considerado uma das pinturas roubadas mais notórias na história do mundo da arte. A obra-prima não foi vista desde que foi retirada de uma capela em Palermo, Itália, embora a evidência indique que a máfia siciliana pode ter desempenhado um papel no roubo.
As esperanças de resolver um dos piores crimes artísticos da história foram reavivadas depois que investigadores italianos anunciaram que haviam recebido novas informações.
Em 1996, um informante da máfia testemunhou que ele e vários outros homens roubaram a pintura de um comprador privado, apenas para destruí-la acidentalmente enquanto cortavam a tela de sua moldura. Mais de uma década depois, outro ex-mafioso afirmou que a pintura havia sido escondida em um celeiro para sua custódia, mas que as ratas e os porcos a danificaram irreparavelmente antes de queimá-la. O destino da natividade permanece, em última análise, um mistério, mas se ainda existisse, a pintura agora valeria pelo menos 40 milhões de dólares.
O prefeito de Palermo, Leoluca Orlando, que ajudou a transformar a capital siciliana de uma fortaleza da máfia em uma capital europeia da cultura, disse que o roubo da pintura havia desferido um golpe à cidade em um momento em que era dominada por mafiosos e padrinhos. "Hoje esta cidade mudou e está exigindo que lhe devolvam tudo o que a máfia lhe tirou".
"Mesmo recuperar uma pequena parte dela seria considerada uma vitória", concluiu.
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No.8 A Sala de Âmbar
Criada pelo escultor Andreas Schlüter e pelo mestre artesão de âmbar Gottfried Wolfram, esta impressionante câmara tinha a forma de 16 metros quadrados.
A sala estava coberta de painéis dourados ornamentados que brilhavam com ouro e âmbar: pedras preciosas brilhantes e gemas de seiva de árvores fossilizadas com uma rica cor amarelo-avermelhada. O âmbar estava respaldado com coberturas de ouro, espelhos cortados e encaixados em belos designs, era deslumbrante à vista. A sala foi construída pela primeira vez em 1701 e em 1716 o Rei da Prússia, então Frederico Guilherme I, a presenteou a Pedro, o Grande para ajudar a cimentar uma aliança entre a Prússia e a Rússia. Frequentemente chamada de "Oitava maravilha do mundo", a ornamentada câmara era considerada uma obra-prima da arte barroca e valeria mais de 140 milhões de dólares hoje em dia.
O destino da sala que uma vez simbolizou a paz tornou-se tudo menos pacífico: os nazistas desmontaram a câmara e, depois a levaram para Königsberg, Alemanha, onde desapareceu perto do final da Segunda Guerra Mundial. A maioria dos historiadores acredita que foi destruída em um bombardeio aliado de 1944, mas também há evidências que sugerem que a sala foi embalada e retirada da cidade. A partir daí, algumas teorias sugerem que poderia ter sido carregada em um barco que naufragou no Mar Báltico ou simplesmente escondida em um cofre ou bunker.
A última teoria afirma que os soviéticos sabiam que a Sala de Âmbar havia sido destruída por suas próprias tropas em sua própria invasão de Königsberg.
A história da nova Sala de Âmbar, pelo menos, é segura. Foi feito tudo o que foi possível para criar uma reprodução o mais perfeita possível, até o ponto de definir 350 tons diferentes de âmbar. A reconstrução começou em 1979 em Tsarskoye Selo e foi concluída 25 anos depois, com um custo de 11 milhões de dólares.
Dedicada pelo presidente russo Vladimir Putin e pelo então chanceler alemão Gerhard Schröder, a nova sala marcou o 300º aniversário de São Petersburgo em uma cerimônia unificadora que ecoou o sentimento pacífico que evocava a sala original.
A réplica da sala permanece exposta ao público na Reserva do Museu Estadual Tsarskoye Selo, nos arredores de São Petersburgo.
Ainda assim, caçadores de tesouros insistem que uma fabulosa sala dourada ainda espera ser encontrada nas profundezas de uma caverna escura e misteriosa.
KUADROS ©, uma pintura famosa na sua parede.
