Początki Art Nouveau
Pojawienie się Art Nouveau - dosłownie "Nowa Sztuka" - można przypisać dwóm różnym wpływom: pierwszy to wprowadzenie, około 1880 roku, brytyjskiego ruchu Arts and Crafts, który, podobnie jak Art Nouveau, był reakcją przeciwko chaotycznemu projektowaniu i dekoracyjnym kompozycjom sztuki epoki wiktoriańskiej.
Drugim było aktualne zainteresowanie sztuką japońską, w szczególności drzeworytem, które zafascynowało wielu europejskich artystów w latach 80. i 90. XIX wieku, w tym artystów takich jak Gustav Klimt, Emile Gallé i James Abbott McNeill Whistler. Japońskie drzeworyty, szczególnie, zawierały formy kwiatowe i bulwiaste oraz "wężowe" krzywe, które stały się kluczowymi elementami tego, co ostatecznie stało się Art Nouveau.
Art Nouveau japoński - Fala Katsushiki Hokusai
Trudno wskazać pierwsze dzieła sztuki, które oficjalnie zapoczątkowały Art Nouveau. Niektórzy twierdzą, że płynne, stylizowane linie i kwieciste tła widoczne w obrazach Vincenta van Gogha i Paula Gauguina są symbolem narodzin Art Nouveau, lub być może nawet dekoracyjne litografie Henri de Toulouse-Lautreca, jak Moulin Rouge: La Goulue (1891).
Jednak większość wskazuje na początki sztuk dekoracyjnych, w szczególności na okładkę książki architekta i angielskiego projektanta Arthura Heygate Mackmurdo dla tomu z 1883 roku Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur: uznawany za pierwszą reprezentację Art Nouveau
Projekt książki przedstawia wijące się łodygi kwiatów wydobywające się z spłaszczonego bloku na dole strony, co wyraźnie przypomina japońskie drzeworyty.
Wystawy Art Nouveau
Art Nouveau często bardziej rzucał się w oczy na międzynarodowych wystawach podczas swojego szczytu. Nowy styl cieszył się centralnym miejscem na pięciu szczególnych targach: Expositions Universelles w 1889 i 1900 w Paryżu; wystawie w Tervuren w 1897 roku w Brukseli, gdzie Art Nouveau był szeroko wykorzystywany do pokazania możliwości rzemiosła z egzotycznymi drewnami z Belgijskiego Konga; Międzynarodowej Wystawie Sztuk Dekoracyjnych w Turynie w 1902 roku; oraz Międzynarodowej Wystawie Codzienności w Nantes w 1909 roku.
Na każdej z tych targów styl dominował w zakresie prezentowanych sztuk dekoracyjnych i architektury, a w Turynie w 1902 roku Art Nouveau był rzeczywiście stylem wybranym przez praktycznie wszystkich projektantów i wszystkie reprezentowane narody, z wyłączeniem jakiegokolwiek innego.
Plakat Międzynarodowej Wystawy Sztuki Dekoracyjnej
El Art Nou
veau: ruch artystyczny z tysiącem nazw
Siegfried Bing, niemiecki kupiec i znawca sztuki japońskiej, który mieszkał w Paryżu, otworzył sklep o nazwie L'Art Nouveau w grudniu 1895 roku, który stał się jednym z głównych dostawców tego stylu w zakresie mebli i sztuk dekoracyjnych. W krótkim czasie nazwa sklepu stała się synonimem tego stylu we Francji, Wielkiej Brytanii i Stanach Zjednoczonych. Jednak ogromna popularność Art Nouveau w Europie Zachodniej i Środkowej sprawiła, że przybrał on wiele różnych nazw. W krajach niemieckojęzycznych zazwyczaj nazywano go Jugendstil (styl młodzieżowy), zaczerpniętym z monachijskiego czasopisma Jugend, które go spopularyzowało. W międzyczasie w Wiedniu, gdzie mieszkał Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann i inni założyciele Secesji Wiedeńskiej, znany był jako Sezessionsstil (styl secesji).
Był również znany jako Modernismo po hiszpańsku, Modernismo po katalońsku oraz Stile Floreale (styl kwiatowy) lub Stile Liberty we Włoszech, to ostatnie dzięki sklepowi tkanin Arthur Liberty w Londynie, który pomógł spopularyzować ten styl. We Francji powszechnie nazywano go Style Moderne i czasami Style Guimard na cześć jego najsłynniejszego przedstawiciela, architekta Hectora Guimarda, podczas gdy w Holandii zazwyczaj nazywany był Nieuwe Kunst (Nowa Sztuka).
Warto podkreślić, że jego liczni krytycy nadali mu również różne pejoratywne nazwy: Style Nouille (styl makaronu) we Francji, Paling Stijl (styl węgorza) w Belgii i Bandwurmstil (styl tasiemca) w Niemczech, wszystkie nazwy nawiązujące w zabawny sposób do tendencji Art Nouveau do stosowania falistych i płynnych linii.
Art Nouveau: pojęcia, style i trendy
Wszechobecność Art Nouveau pod koniec XIX wieku częściowo można wyjaśnić powszechnym używaniem przez wielu artystów form popularnych i łatwych do powielania, które spotykane są w sztukach graficznych. W Niemczech artyści Jugendstil tacy jak Peter Behrens i Hermann Obrist publikowali swoje prace na okładkach książek i katalogach wystaw, w czasopismach i plakatach.
Jednak ta tendencja bynajmniej nie ograniczała się do Niemiec. Angielski ilustrator Aubrey Beardsley, być może najbardziej kontrowersyjna postać Art Nouveau ze względu na jego połączenie erotyki i makabry, stworzył w swojej krótkiej karierze szereg plakatów, które wykorzystywały wdzięczne i rytmiczne linie. Wysoce dekoracyjne druki Beardsleya, takie jak The Peacock Skirt (1894), były zarówno dekadenckie, jak i proste, i reprezentują najbliższy związek, jaki możemy zidentyfikować między Art Nouveau a japonizmem / drzeworytami Ukiyo-e.
Spódnica pawia Aubrey Beardsleya - Art Nouveau
We Francji plakaty i produkcja graficzna Julesa Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen i innych popularyzowały luksusowy i dekadencki styl życia belle époque, mniej więcej w latach 1890-1914, zazwyczaj kojarzony z ponurym rejonem kabaretowym Montmartre w północnym Paryżu.
Ich dzieła graficzne wykorzystywały nowe techniki chromolitograficzne do promowania wszystkiego, od nowych technologii, takich jak telefony i lampy elektryczne, po bary, restauracje, kluby nocne, a nawet pojedynczych artystów, przywołując energię i witalność życia współczesnego. W tym procesie szybko podnieśli plakat z poziomu reklamy chodnikowej do sztuki wyższej.
Modernistyczna architektura Art Nouveau
Pomijając sztuki graficzne i wizualne, każda poważna dyskusja na temat Art Nouveau musi uwzględniać architekturę i wielki wpływ, jaki miała na kulturę europejską. W miastach takich jak Paryż, Bruksela, Glasgow, Turyn, Barcelona, Antwerpia i Wiedeń, a także w mniejszych miastach takich jak Nancy i Darmstadt oraz miejscach w Europie Wschodniej, takich jak Ryga, Praga i Budapeszt, architektura Art Nouveau przeważała pod względem zarówno rozmiaru, jak i wyglądu, i jest nadal widoczna dzisiaj w tak różnorodnych strukturach jak małe domki szeregowe czy duże budynki instytucjonalne i handlowe. Szczególnie w architekturze Art Nouveau zaprezentowano szeroki wachlarz języków.
Wiele budynków włącza niezwykłe użycie terakoty i kolorowych płytek. Francuski ceramik Alexandre Bigot, na przykład, zyskał sławę dzięki produkcji dekoracji z terakoty dla fasad i kominów paryskich domów i budynków mieszkalnych. Inne budynki Art Nouveau, szczególnie we Francji i Belgii, w których ważnymi praktykami byli Hector Guimard i Victor Horta, pokazują możliwości technologiczne z użyciem żelaznych konstrukcji połączonych szklanymi panelami.
Casa Batlló – Barcelona - Art Nouveau
W wielu częściach Europy architektura rezydencjonalna Art Nouveau charakteryzowała się lokalnym kamieniem, takim jak żółta wapienna lub estetyka wiejska z kamieniami w losowym układzie z drewnianymi detalami. W wielu przypadkach zastosowano rzeźbiarską powierzchnię białego tynku, szczególnie w budynkach Art Nouveau używanych na wystawy, takich jak pawilony Paryskiej Wystawy Światowej w 1900 roku i Secession Building w Wiedniu. Nawet w Stanach Zjednoczonych formy roślinne zdobiące wieżowce Louisa Sullivan, takie jak budynek Wainwright i Giełda w Chicago, często uważane są za jedne z najlepszych przykładów szerokiego zasięgu architektonicznego Art Nouveau.
Łuk Giełdy w Chicago - Art Nouveau
Meble w stylu Art Nouveau i projektowanie wnętrz
Podobnie jak wiktoriańskie ożywienie stylów i Ruch Arts and Crafts, Art Nouveau było ściśle związane z dekoracją wnętrz co najmniej tak samo jak z widocznymi fasadami zewnętrznymi. Tak jak w przypadku tych innych dziewiętnastowiecznych stylów, wnętrza Art Nouveau również dążyły do stworzenia harmonijnego i spójnego otoczenia, które nie pozostawiało żadnej powierzchni nietkniętej. Projektowanie mebli zajmowało centralne miejsce w tym sensie, szczególnie w produkcji rzeźbionej z drewna, które cechowały ostre i nieregularne kontury, często ręcznie wykonane, ale czasami produkowane maszynowo. Producenci mebli wytwarzali elementy do wszystkich możliwych zastosowań: łóżka, fotele, stoły i krzesła jadalne, szafy, kredensy i żyrandole. Płynne krzywe projektów często podążały za naturalnym słoikiem drewna i często były instalowane na stałe jako panele ścienne i listwy.
We Francji głównymi projektantami Art Nouveau byli Louis Majorelle, Emile Gallé i Eugène Vallin, wszyscy z siedzibą w Nancy, oraz Tony Selmersheim, Édouard Colonna i Eugène Gaillard, którzy pracowali w Paryżu, z czego dwaj ostatni specjalnie dla sklepu Siegfrieda Binga o nazwie L'Art Nouveau, nadając tym samym całemu ruchowi jego najczęściej używaną nazwę.
Mebel projektanta - Louis Majorelle Art Nouveau
W Belgii, linia szyjnego łuku i bardziej kątowe i powściągliwe kontury można dostrzec w projektach Gustave'a Serrurier-Bovy'ego i Henry'ego van de Velde'a, którzy admirując prace angielskich artystów z Arts & Crafts. Włosi Alberto Bugatti i Augustino Lauro byli znani z ich dokonań w tym stylu. Wielu z tych projektantów poruszało się swobodnie między mediami, co często sprawiało, że byli trudni do sklasyfikowania: Majorelle, na przykład, projektował własne meble drewniane i otworzył odlewnię żelaza,
Alberto Bugatti Muebles Art Nouveau
Malarstwo Art Nouveau i sztuki wyższe
Niewiele stylów może twierdzić, że są reprezentowane w prawie wszystkich formach mediów wizualnych i materiałach w tak pełny sposób jak Art Nouveau. Oprócz tych, którzy pracowali głównie w grafice, architekturze i wzornictwie, Art Nouveau ma kilku wybitnych przedstawicieli w malarstwie, takich jak wiedeński secesjonista Gustav Klimt, znany z Hope II i The Kiss (oba z 1907-08), oraz Victor Prouvé we Francji.
Nadzieja II Klimta - Art Nouveau
Jednak malarzy Art Nouveau było mało i byli w dużym odstępie: Klimt praktycznie nie miał uczniów ani naśladowców (Egon Schiele skupił się na ekspresjonizmie), a Prouvé jest równie dobrze znany jako rzeźbiarz i projektant mebli. Można jednak powiedzieć, że Art Nouveau był odpowiedzialny, bardziej niż jakikolwiek inny styl w historii, za zmniejszenie dystansu między sztukami dekoracyjnymi lub stosowanymi, a przedmiotami użytkowymi a sztukami pięknymi lub czysto ornamentalnymi, takimi jak malarstwo, rzeźba i architektura, które dotychczas były uważane za ważniejsze, czystsze wyrażenia talentu i zdolności artystycznych, a czy to dystans został całkowicie zamknięty, pozostaje dyskusyjne.
Rysunek Victora Prouvé Art Nouveau
Biżuteria i szkło Art Nouveau
Reputacja luksusu Art Nouveau była również widoczna dzięki wykorzystaniu przez niektórych z najsłynniejszych artystów szkła w historii. Emile Gallé, bracia Daum, Tiffany i Jacques Gruber zdobyli uznanie, przynajmniej częściowo, dzięki swojemu szkłu Art Nouveau i jego zastosowaniom w wielu formach użytkowych. Firmy Gallé i Daum zbudowały swoją reputację na projektach wazonów i sztuki w szkle, będąc pionierami nowych technik w piece kwasowe, których sinusoidoidalne i dobrze uformowane powierzchnie wydają się bezwysiłkowo płynąć pomiędzy przezroczystymi odcieniami.
Bracia Daum i Tiffany również wykorzystali artystyczne możliwości szkła do celów użytkowych, takich jak klosze lamp i przybory biurowe. Zarówno Tiffany, jak i Jacques Gruber, którzy kształcili się w Nancy u braci Daum w jubilerstwie, a także René Lalique, Louis Comfort Tiffany i Marcel Wolfers, stworzyli niektóre z najcenniejszych dzieł przełomu wieków, produkując wszystko, od kolczyków po naszyjniki, bransoletki i broszki, zapewniając tym samym, że Art Nouveau zawsze będzie kojarzone z luksusem przełomu stuleci, pomimo nadziei, że jego wszechobecność mogłaby uczynić go powszechnie dostępnym.
Tożsamość korporacyjna w Art Nouveau
Art Nouveau zdobyło popularność w tym samym czasie, gdy handel detaliczny rozwijał się, aby przyciągnąć naprawdę masową publiczność. Zajmowało prominente miejsce w wielu czołowych miejskich domach towarowych powstałych pod koniec XIX wieku, w tym La Samaritaine w Paryżu, Wertheim's w Berlinie i Magasins Reunis w Nancy.
Co więcej, były one agresywnie reklamowane przez niektóre z najbardziej znanych punktów sprzedaży wzornictwa tamtych czasów, zaczynając od sklepu L'Art Nouveau Siegfrieda Binga w Paryżu, który pozostawał bastionem dystrybucji tego stylu aż do zamknięcia w 1905 roku, tuż po śmierci Binga. To wcale nie był jedyny sklep w mieście, który specjalizował się w wnętrzach i meblach Art Nouveau.
W międzyczasie Liberty & Co. był głównym dystrybutorem obiektów w tym stylu w Wielkiej Brytanii i Włoszech, gdzie w wyniku tego nazwa Liberty stała się niemal synonimem tego stylu.
Liberty & Co - Art Nouveau
Wielu projektantów Art Nouveau zdobyło sławę, pracując wyłącznie dla tych detalistów, zanim zaczęli kierować się w inne strony. Architekt Peter Behrens, na przykład, zaprojektował praktycznie wszystko, od czajników przez okładki książek, plakaty, wnętrza pawilonów wystawowych, przybory i meble, i ostatecznie stał się pierwszym projektantem przemysłowym, kiedy w 1907 roku objął całość prac projektowych dla AEG, niemieckiego General Electric.
Wpływ Art Nouveau na kulturę: co przyszło potem
Jeśli Art Nouveau szybko zdobyło Europę w ostatnich pięciu latach XIX wieku, artyści, projektanci i architekci tak samo szybko porzucili go w pierwszej dekadzie XX wieku.
Chociaż wielu jego przedstawicieli uczyniło doktrynę "forma powinna podążać za funkcją" centrum swojego etosu, niektórzy projektanci skłaniali się do bardzo dekoracyjnego stylu, a ten styl zaczynał być krytykowany za nadmierne zdobnictwo. W pewnym sensie, gdy styl dojrzewał, zaczynał wracać do tych samych nawyków, które odrzucił, a coraz większa liczba przeciwników zaczęła twierdzić, że zamiast odnowić projekt, tylko wymienił stare na powierzchownie nowe. Nawet stosując nowe metody produkcji masowej, intensywne rzemiosło zaangażowane w dużej części w projekt Art Nouveau uniemożliwiło mu stania się prawdziwie dostępnym dla masowej publiczności, czego jego przedstawiciele początkowo oczekiwali. W niektórych przypadkach, jak w Darmstadt, luźne przepisy międzynarodowe dotyczące praw autorskich również uniemożliwiły artystom czerpanie korzyści finansowych z ich projektów.
Powiązanie Art Nouveau z wystawami również szybko przyczyniło się do jego upadku. Po pierwsze, większość budynków targowych była konstrukcją tymczasową, która była natychmiast rozbierana po zamknięciu wydarzenia. Ale co ważniejsze, same wystawy, mimo że były organizowane pod pretekstem promowania edukacji, międzynarodowego zrozumienia i pokoju, miały tendencję do podsycania rywalizacji i konkurencji między narodami z powodu inherentnie porównawczej natury wystaw. Wiele krajów, w tym Francja i Belgia, traktowało Art Nouveau jak potencjalnych kandydatów do tytułu "stylu narodowego", w kontekście oskarżeń o obce pochodzenie lub subwersyjne polityczne odcienie Art Nouveau, na przykład we Francji, były w różny sposób kojarzone z belgijskimi projektantami i niemieckimi kupcami, a czasami był to styl stosowany w budynkach socjalistycznych, co przyczyniło się do negatywnej opinii publicznej na jego temat. Z kilkoma godnymi uwagi wyjątkami, w których cieszył się zaangażowanym kręgiem lokalnych sponsorów, w 1910 roku Art Nouveau niemal całkowicie zniknął z krajobrazu europejskiego projektowania.
Od Wiener Werkstätte do Art Deco
Śmierć Art Nouveau rozpoczęła się w Niemczech i Austrii, gdzie projektanci, tacy jak Peter Behrens, Josef Hoffmann i Koloman Moser zaczęli przyjmować bardziej stonowaną i surową estetykę geometryczną już w 1903 roku. W tym roku wielu projektantów wcześniej związanych z Secesją Wiedeńską założyło kolektyw znany jako Wiener Werkstätte, którego preferencje dla wyraźnie kątowych i prostokątnych form przypominały bardziej dokładną estetykę inspirowaną przemysłem, która pominęła wszelkie otwarte odniesienia do natury.
Te uformowanie cech projektowania zrobionego na maszynach podkreślono w 1907 roku przez dwa kluczowe wydarzenia: powołanie Behrensa na szefa całego projektowania korporacyjnego AEG, od budynków po produkty i reklamę, czyniąc go pierwszym projektantem przemysłowym na świecie; oraz założenie niemieckiego Werkbundu, formalnego sojuszu między przemysłowcami a projektantami, który coraz bardziej starał się zdefiniować system typów produktów oparty na standardyzacji. Połączone z nowym szacunkiem dla klasycyzmu, częściowo inspirowane Wystawą Światową w Chicago w 1893 roku i z oficjalnym błogosławieństwem ruchu City Beautiful w Stanach Zjednoczonych, ta estetyka inspirowana maszynami ostatecznie rozwinęła się po I wojnie światowej w styl, który obecnie nazywamy późnym Art Deco.
Jego komercyjny charakter został najbardziej krótko wyrażony na Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes w Paryżu w 1925 roku, wydarzeniu, które w latach 60. nadałoby mu nazwę Art Deco. Połączone z nowym szacunkiem dla klasycyzmu, częściowo inspirowane Wystawą Światową w Chicago w 1893 roku i z oficjalnym błogosławieństwem ruchu City Beautiful w Stanach Zjednoczonych, ta estetyka inspirowana maszynami ostatecznie rozwinęła się po I wojnie światowej, w styl, który obecnie nazywamy późnym Art Deco.
Postmodernistyczne wpływy Art Nouveau
Pomimo swojego krótkiego życia, Art Nouveau był wpływowy w latach 60. i 70. dla projektantów pragnących uwolnić się od ograniczającej, surowej, bezosobowej i coraz bardziej minimalistycznej estetyki panującej w sztukach graficznych. Linowe cechy Art Nouveau, płynne i niekontrolowane, stały się inspiracją dla artystów takich jak Peter Max, którego przywołanie alternatywnego, psychodelicznego i marzycielskiego doświadczenia przypomina wyimaginowany, efemeryczny i płynny świat początku wieku.
Zawsze uznawany od samego początku za ważny krok w rozwoju modernizmu zarówno w sztuce, jak i architekturze, dzisiaj Art Nouveau jest rozumiane mniej jako pomost między epokami artystycznymi i jest ekspresją stylu, ducha i myśli intelektualnej pewnej ramy czasowej, skupiającej się wokół przełomu wieków, w 1900 roku. W dążeniu do ustanowienia prawdziwie nowoczesnej estetyki, Art Nouveau stało się definicyjnym językiem wizualnym ulotnego momentu epoki.
KUADROS ©, znany obraz na twojej ścianie.
