Opis
Praca „Still Life with a Pewter Jug i Pink Statuette” Henri Matisse, stworzona w 1910 roku, jest wysublimowaną i poetycką reprezentacją martwej natury, która ujawnia opanowanie artysty w kombinacji koloru, kształtu i percepcji. Kompozycja, 75x60 cm, zachęca nas do wejścia do świata, w którym obiekty codzienne są wysokie do prawie metafizycznej płaszczyzny.
Na tym obrazie Matisse przedstawia nam pozornie prostą grupę: gulasz dzbanek, postać w różowych tonach i stół pokryty obrusem, który wykracza poza obraz. Każdy z tych elementów jest jednak traktowany wrażliwością i użyciem koloru, które są symboliczne w stylu Matisse. Dzbanek, z lekko matową metalową powierzchnią, subtelnie odbija światło, podczas gdy różowa statuetka, o miękkich i zaokrąglonych kształtach, zapewnia delikatny i harmonijny kontrast.
Zastosowanie koloru w tej pracy jest szczególnie niezwykłe. Matisse używa palety róż, fioletowej, szarej i zielonej, które wydają się wibrować i dialog ze sobą. To chromatyczne zatrudnienie nie tylko daje życie przedmiotom, ale także tworzy atmosferę spokoju i kontemplacji. Kolory nie są po prostu stosowane, ale wydają się oddychać i poruszać, osiągając niemal dotykowy efekt. To właśnie ta zdolność do przekazywania emocji przez kolor rozróżnia Matisse jako jeden z gigantów fauvism.
Decyzja Matisse o uwzględnieniu statuety przyciąga uwagę widza. Liczba ta, choć nieożywiona, dodaje do składu prawie alegoryczny element. Można to interpretować jako mrugnięcie do klasycznej tradycji lub jako symbol życiowej sztuki w przeciwieństwie do przemijania przedmiotów codziennych. Niezależnie od interpretacji, różowa statuetka stanowi kompozycyjne centrum energii, przyciągając wygląd i równoważąc całość.
Tło farby, z jej abstrakcyjnymi wzorami i płaszczyznami kolorowymi, służy do ulepszenia obiektów, ale także do stworzenia uczucia głębokości i przestrzeni, które sprzeciwiają się dwumiejscowości płótna. Matisse osiąga subtelne gry linii i kolorów, że widz czuje fizyczną obecność przedmiotów, prawie tak, jakby mógł je dotknąć.
Matisse podczas swojej kariery zawsze był zainteresowany badaniem ekspresyjnych możliwości koloru i kształtu. W „Martwym życiu z dzbankiem z dzbanem i różową statuetką” widzimy doskonałą syntezę tych obaw. Obraz, choć najwyraźniej prosty, ujawnia złożoność i głębię, które są świadectwem geniuszu artysty.
W kontekście swojego czasu obraz ten jest zarejestrowany w ruchu Fauvista, którego Matisse był jednym z głównych wykładników. Fauvistas cenił odważne użycie koloru i swobody kształtów, przeciwstawiając się konwencjom akademickim. „Martwa natura z dzbanem i różową statuetką” jest wyraźnym przykładem tej przerwy z tradycją, a jednocześnie hołdem dla ponadczasowych elementów sztuki.
Krótko mówiąc, obraz ten jest nie tylko badaniem przedmiotów nieożywionych, ale medytacją o samej naturze sztuki i percepcji. Matisse zachęca nas do spojrzenia poza powierzchnię, docenianie piękna w życiu codziennym i znalezienia sens w otaczających nas kształtach i kolorach. Ta praca pozostaje zatem istotna i sugestywna, ponad sto lat po jej stworzeniu.