Opis
W „Figure at the Rideau Relay” z 1923 r. Henri Matisse ponownie oferuje mistrzowską lekcję używania koloru i kształtu w sztuce współczesnej. Ta praca, która mierzy 46x60 cm, pokazuje opanowanie Matisse w tworzeniu imponujących wizualnie kompozycji i emocjonalnie rezonansowych.
Na pierwszy rzut oka praca przedstawia kobiecą postać w zrelaksowanym posiadaniu, podkreślającą tętniące życiem i niemal teatralne dekorację środowiska. Postać leży na niebieskiej powierzchni, której intensywność chromatyczna wyraźnie kontrastuje z żywą czerwienią podnoszonej zasłonę. Kurtyna, fundamentalny element tytułu dzieła, nie tylko działa jako malownicze ramy, które przyciągają uwagę widza, ale także sugeruje uwolnienie lub objawienie, jakby kurtyna miała odkryć coś niezwykłego.
Zasłony uniesione dodatkowo ujawniają tło z motywami graficznymi, prawdopodobnie zainspirowane wzorami warzywnymi i motywami dekoracyjnymi śródziemnomorskimi. Elementy te są nie tylko dekoracyjne, ale także zapewniają poczucie głębokości i faktury do kompozycji. Sam pokój wydaje się intymną i ciepłą przestrzenią, w której postać żeńska staje się centralnym punktem krajobrazu-intelektualnej atmosfery Henriquian.
Postać żeńska, ubrana w białą szatę, która wydaje się lekko płynąć, nie jest jasno zdefiniowana w kategoriach detali twarzy; Zamiast tego Matisse wybiera stylizację, która sugeruje spokój i kontemplację, a nie tożsamość osobistą. Zrelaksowana postawa, z ramieniem leżącym na poduszce, przenosi uczucie spokoju i odpoczynku. Subtelność reprezentacji ludzkiego ciała jest charakterystyczna dla przejścia, którą Matisse wykonał w swojej pracy w kierunku rosnącego uproszczenia formy i linii, jednocześnie badając granice koloru.
Jednym z najbardziej znaczących aspektów tej pracy jest to, jak Matisse wykorzystuje kolor jako środek autonomicznej ekspresji. Niebieski siedzenia, czerwony zasłonę i zielony i żółty, który klarowuje Matisse. Kolory wydają się ze sobą dialog, tworząc przyjemny rytm wizualny i atmosferę spokoju i refleksji.
Ta praca z 1923 r. Wkłada się w okresie znanym jako „miły okres” Matisse, w którym artysta spędził sezony we francuskim mieście, zafascynowany światłem Morza Śródziemnego oraz bogactwo kolorów i wzorów, które tam znalazł. W tym okresie Matisse opracował styl artystyczny, który często łączył prostotę w formie z wizualną złożonością w użyciu koloru i wzorów. „Figura w przekaźniku Rideau” jest wyraźnym przykładem tego podejścia, łącząc elementy dekoracyjne ze stylizowaną reprezentacją człowieka.
Prace można również zobaczyć w kontekście ruchu Fauvista, że Matisse był jednym z największych wykładników. Chociaż fauvism, z naciskiem na silne i ekspresyjne kolory i luźne pociągnięcia pędzla, był ruchem na początku XX wieku, jego wpływ jest wyczuwalny na tym obrazie. Wolność i odwaga, z jaką Matisse używa koloru w „Figurze w przekaźniku Rideau”, są cechami, które pojawiły się podczas ich czasu z Fauves.
„Postać na przekaźniku Rideau”, dlatego jest to coś więcej niż prosta reprezentacja postaci żeńskiej w środowisku dekoracyjnym; Jest to mikrokosmos ciągłego zainteresowania Matisse w eksploracji formy, koloru i wewnętrznej ekspresji. Praca zachęca nas do momentu introspekcji, pozwalając nam zobaczyć oczami Matisse świat, w którym estetyka i emocje są doskonale powiązane.