Nie ma wątpliwości, że wiele osób zgadza się, iż większość znanych dzieł sztuki, które znajdują się w muzeach i prywatnych kolekcjach na całym świecie, nie ma ceny.
Jako że są unikatowe w swoim rodzaju, trudno przypisać wartość wielu znanym obrazom; jednak niemal codziennie sztuka jest sprzedawana i kupowana, często po wygórowanych cenach, na które większość nigdy nie będzie mogła sobie pozwolić. Istnieją jednak ekscentryczni nabywcy, którzy mogą sobie na to pozwolić.
Kuadros oferuje zestawienie 5 najdroższych obrazów w historii.
Nr 1 Salvator Mundi (Chrystus Zbawiciel Świata) - Leonardo da Vinci (450,3 mln USD)
W maju 2008 roku niektórzy z najlepszych ekspertów od słynnego malarza stanęli wokół sztalugi w studiu znacznie powyżej Trafalgar Square. Obiekt, który zaproszono ich do zbadania, w departamencie konserwacji Galerii Narodowej, był obrazem na panelu z orzecha. Przedstawiał mężczyznę z brodą i długimi włosami patrzącego przed siebie z jedną ręką uniesioną w geście błogosławieństwa i drugą trzymającą przezroczystą kulę.
Leonardo mógł namalować Salvator Mundi dla króla Ludwika XII Francji i jego małżonki, Anny Bretan. Ta niepokojąca olejna malowidło na panelu 66 centymetrów przedstawia postać Chrystusa jako Zbawiciela Świata, z widokiem z przodu i ubranego w togę z czasów renesansu. W tym znanym obrazie Leonardo przedstawia Chrystusa tak, jak jest charakteryzowany w Ewangelii Jana 4:14: "Widzieliśmy i świadczymy, że Ojciec posłał Syna swego jako Zbawiciela świata". Chrystus wpatruje się w widza, lekko brodaty z brązowymi lokami, trzymając w lewej ręce szklaną kulę i udzielając błogosławieństwa prawą.
Obraz zniknął od 1763 do 1900 roku, kiedy został kupiony przez Sir Charlesa Robinsona jako dzieło Bernardino Luini, naśladowcy Leonarda. Następnie pojawił się na Sotheby's w Anglii w 1958 roku. Zniknął ponownie, aż został sprzedany w małej aucji w Stanach Zjednoczonych w 2005 roku.
Podobnie jak wiele ocalałych dzieł Leonarda, ten znany obraz nie był w doskonałym stanie, kiedy na początku lat 2000 znowu się pojawił. Wymagał rozległej restauracji. Chociaż są szanowani eksperci w dziedzinie sztuki renesansowej, którzy kwestionują przypisanie obrazu Leonardowi, ostatecznie został sprzedany na aukcji w Christie's w Nowym Jorku w listopadzie 2017 roku za 450 milionów dolarów, nowy rekord dla znanego dzieła sztuki. Nabywca nie został ujawniony.
Dziś uważany jest za fałszywy obraz.
Kup reprodukcję Salvator Mundi (Chrystus jako Zbawiciel Świata) w sklepie internetowym Kuadros
Nr 2 Wymiana - Willem de Kooning (300 mln USD)
Pomysł podejmowania tematów prymitywnych został zapoczątkowany przez Gauguina, ale można go częściowo dostrzec w pracy De Kooninga.
Chociaż uwielbiamy eksplorować mniej namacalne cechy sztuki abstrakcyjnej, jesteśmy również bardzo świadomi, że może być to wspaniała inwestycja finansowa. Do tej pory najdroższy obraz sprzedany w sztuce abstrakcyjnej to pejzaż Willema de Kooninga zatytułowany Wymiana, który sprzedano za 300 milionów dolarów w 2015 roku. Ta znana malowidło osiągnęła tę rekordową cenę w sprzedaży prywatnej menedżera funduszy ubezpieczeniowych w Chicago, Kennetha Griffina, jako część pakietu o wartości 500 milionów dolarów, który obejmował również obraz Numer 17A Jacksona Pollocka.
Obraz Jacksona Pollocka, który Kenneth Griffin kupił razem z Wymianą, pojawił się w publikacji magazynu Life z 1949 roku, co sprawiło, że Jackson Pollock i ekspresjonizm abstrakcyjny stali się znani. Niewiele obrazów w bardziej lakoniczny sposób uchwyciło moment w czasie. Ten artykuł w magazynie był jednym z głównych powodów, dla których De Kooning i inni ekspresjoniści abstrakcyjni mogli w końcu zarobić na życie ze swojej sztuki. Razem te dwa znane obrazy reprezentują moment, kiedy Stany Zjednoczone wydały swój pierwszy narodowy ruch sztuki nowoczesnej. Wymiana jest nie tylko cenna jako obiekt. Jej wartość tkwi w jej micie.
Stylowo, Wymiana oznacza jeden z najbardziej transformacyjnych okresów w karierze jednego z najważniejszych artystów abstrakcyjnych XX wieku. Poza byciem wpływowym malarzem, Willem de Kooning był żywotną siłą łączącą jego współczesnych. Był przyjacielem i animatorem Arshile'a Gorky'ego, Jacksona Pollocka, Franza Kline'a i dziesiątek innych ekspresjonistów abstrakcyjnych.
W okresie, gdy ci artyści walczyli, De Kooning pozostawał żarliwym animatorem ich pracy. Wymiana została namalowana tuż w momencie, gdy fortuna De Kooninga i jego współcześni doświadczali ogromnej zmiany. Stawali się finansowo stabilni, wielu po raz pierwszy, co oznaczało, że mieli okazję podejmować nowe decyzje, zarówno zawodowo, jak i osobiście. Dla De Kooninga przejawiało się to w stopniowej oswajaniu jego notorycznie dzikiego stylu życia, które kulminowało w przeprowadzce do farmy w East Hampton.
Kreatywnie, De Kooning przejawiał się w okresie 11 lat, poświęcając się malowaniu pejzaży abstrakcyjnych, z których Wymiana była jednym z pierwszych dzieł.
Nr 3 Gracze w karty - Paul Cezanne (szacowany między 250 a 300 mln USD)
Gracze w karty to seria impresjonistycznych obrazów francuskiego modernisty Paula Cezanne'a. Jeden z jego najbardziej ambitnych projektów, obecnie postrzegany jako ważny wkład w sztukę nowoczesną. Choć namalowane w późnym okresie Cezanne'a, przedstawiają niektóre z najlepszych obrazów gatunkowych francuskiej szkoły. Istnieje pięć wersji w serii, z których każda różni się treścią i rozmiarem: jedna znajduje się w prywatnej kolekcji, inne w Muzeum Orsay, Galerii Courtauld, Fundacji Barnesa i Muzeum Sztuk Pięknych. Prywatna wersja została zakupiona w 2011 roku przez Rodzinę Królewską Kataru za sumę szacowaną między 250 a 300 milionów dolarów. Cezanne jest znany z malarstwa martwej natury, a historycy sztuki sądzą, że wybrał temat kart, ponieważ ludzie grający w grę byli zasadniczo rodzajem martwej natury ludzkiej.
Prawdopodobnie był również pod wpływem braci Nain (1599-1677), których gracze w karty (ok. 1642) znajdowali się w zbiorach jego lokalnego muzeum sztuki w Aix-en-Provence.
Dwaj mężczyźni dokładnie studiują swoje karty, ale żaden ruch nie wydaje się nieuchwytny. Szczegóły gry cofają się jeszcze bardziej, a życie się uspokaja. Gracze w karty Cezanne'a, jak wiele jego postaci, zajmują przestrzeń pomiędzy malowaniem postaci a malowaniem obiektami. Przemieszczają się między różnymi gatunkami.
W latach 90. XIX wieku Cezanne był niezależnie bogaty; mógł komfortowo płacić swoim modelom za pozowanie, a powstałe prace były wykonane z przemysłowo produkowanych pigmentów, zazwyczaj nakładanych na produkowane komercyjnie płótna o standardowych rozmiarach. Niemal w tym samym czasie, kiedy zakończył serię, artysta nawiązał relację z paryskim sprzedawcą obrazów, Ambroise Vollardem, który stał się pierwszym właścicielem słynnego płótna. Księgi rachunkowe Vollarda odnotowują, że uzyskał dobrą zyskowność z pracy, kupując je za 250 franków, a na początku XX wieku sprzedając za 4 500. Jednak trwały urok Graczy w karty Cezanne'a może wynikać z tego, jak pięć obrazów dostarcza wyrazistego kontrastu z nowoczesnym kapitalizmem otaczającym ich powstanie. Jeśli życie wydaje się coraz szybsze, powierzchowne i merkantylne, może można znaleźć pewne pocieszenie tutaj, w naszym długotrwałym zaangażowaniu w ręcznie wykonane płótna przedstawiające ponadczasowe, zakorzenione i towarzyskie hobby.
Kup reprodukcję Gracze w karty w sklepie internetowym Kuadros
Nr 4 Nafea Faa Ipoipo? (Kiedy się pobierzesz?) - Paul Gauguin (300 mln USD)
młodsza kobieta w tradycyjnym ubraniu wyciąga się do przodu na podłodze. Patrzy wstecz, a częściowo ukryta stoi figura bardziej matronalna w zachodnim stylu sukienki, wyciągająca rękę w geście ważności. Kwiat za uchem dziewczyny to tradycyjny tahitański symbol, którym kobiety dojrzałe sygnalizują gotowość do małżeństwa. U dołu obrazu znajduje się inskrypcja w języku: "NAFEA Faa ipoipo", co tłumaczy się jako: "Kiedy się pobierzesz?"
W 1891 roku, założyciel prymitywizmu, Eugene Henri Paul Gauguin, udał się do Tahiti w poszukiwaniu edenskiego raju, gdzie mógłby stworzyć czystą i prymitywną sztukę.
Uciekając przed europejskim społeczeństwem, technologią i tradycjami kulturowymi, Gauguin chciał uchwycić duchowe prymitywne społeczeństwa nienaruszone przez nowoczesny świat. Ale rzeczywistość polinezyjska nie spełniła oczekiwań Gauguina dotyczących wiejskiego życia prymitywnego. Tahiti zostało skolonizowane już w XVIII wieku, więc gdy artysta tam przybył, nie mógł znaleźć kultury, której tak pragnął. Niestety, dwie trzecie ludności rdzennej zginęło z powodu chorób europejskich, a religia tubylcza została zniszczona przez misjonarzy katolickich i mormońskich.
Gauguin pomyślnie zaaklimatyzował się w lokalnym życiu i wziął za żonę młodą kobietę o imieniu Teha’amana. Jego małżeństwo zostało zaaranżowane przez rodzinę dziewczyny, która uważała za wielki zaszczyt, że ich córka poślubi białego mężczyznę, podczas gdy dla Gauguina była to nieformalna więź według jakichkolwiek europejskich standardów. I chociaż jego tahitańskie życie nie było tak prymitywne, jak Gauguin to przewidywał, pozostał tam. W tym okresie stworzył wiele swoich najbardziej znanych "obrazów Gauguina" przedstawiających tahitańskie kobiety, a bardzo prawdopodobne, że Teha’amana była modelką dla wielu z tych obrazów.
Nafea Faa Ipoipo (Kiedy się pobierzesz?), była ostatnio omawiana jako jedno z najdroższych znanych dzieł w historii, sprzedając się za prawie 300 milionów dolarów w 2015 roku, a Muzeum Kataru było nabywcą. Gauguin (1848-1903) nie był szczególnie popularnym artystą za życia, a jego talent został w pełni uznany dopiero po jego śmierci w wieku pięćdziesięciu czterech lat. Jego dzieła charakteryzują się odważną eksperymentacją z kolorem i stylem syntezatora.
Uważa się, że słynny malarz Gauguin miał duży wpływ na francuską awangardę, a także na artystów XX wieku, takich jak Pablo Picasso, Joan Miró i Henri Matisse.
Kup reprodukcję Nafea Faa Ipoipo? (Kiedy się pobierzesz?) w sklepie internetowym Kuadros
Nr 5 Numer 17A - Jackson Pollock (200 mln USD)
To dzieło sztuki abstrakcyjnej zostało stworzone w 1948 roku przez słynnego amerykańskiego ekspresjonistycznego abstrakcyjnego malarza Jasona Pollocka. Zostało wykonane farbą olejną na płótnie z włókna drzewnego. Jest to przykład serii malowania przez kroplenie Pollocka, i jeden z wcześniejszych egzemplarzy tej serii. Numer 17A nie ma żadnego kreatywnego tytułu i jest jednym z najlepszych przykładów ekstremalnie radykalnej i wyjątkowo unikalnej formy sztuki malowania przez kroplenie, którą Pollock wprowadził na świat w 1947 roku. Pomimo że taki obraz wydaje się przypadkowy i spontaniczny, można naprawdę prześledzić precyzyjny ruch i kontrolę, którą Pollock miał podczas tworzenia tej liczby. Początkowo te obrazy przez kroplenie Pollocka spotkały się z dużą krytyką publiczną i były głównie niepopularne i w związku z tym miały niewielką wartość na rynkach sztuki.
Ta ekstremalna forma abstrakcji podzieliła krytyków: niektórzy chwalili natychmiastowość kreacji, podczas gdy inni wyśmiewali przypadkowe efekty.
Pamiętasz te zdumiewające 500 milionów dolarów, które Ken Griffin wydał na dwa obrazy z kolekcji Davida Geffena? Cóż, drugi obraz, zakupiony za 200 milionów dolarów, równie imponujący, to Numer 17A.
To sprawia, że Numer 17A jest piątym najdroższym znanym obrazem, który kiedykolwiek został sprzedany w historii. Przed tą sprzedażą, ten znany obraz był wystawiany w Instytucie Sztuki w Chicago.
KUADROS ©, znany obraz na twojej ścianie.
