W całej historii sztuki artyści z hiszpańscy stworzyli ważną pozycję jako pionierów. Bez obawy przed podejmowaniem ryzyka często zawierają symbole i techniki, które pamiętają ich rodzime kultury. Poza tym wielu najbardziej znanych latynoskich artystów wykorzystuje swoją kreatywność jako platformę do omawiania agitacji politycznej i społecznej, aby wpłynąć na zmiany i inspirować dumę narodową.
Nr 1 Diego Velázquez - 1599 - 1660
Diego Velázquez był hiszpańskim malarzem XVII, który wyprodukował ”Las Meninas„Prawdopodobnie jego najsłynniejszy obraz i wiele znanych portretów jako członek królewskiego sądu króla Felipe IV.
Diego Rodríguez de Silva i Velázquez urodzili się w Sewilli w Hiszpanii, około 6 czerwca 1599 r. W wieku 11 lat sześcioletnie uczenie się rozpoczęło się od lokalnego malarza Francisco Pacheco. Pierwsze dzieła Velázqueza były tradycyjnymi motywami religijnymi faworyzowanymi przez jego nauczyciela, ale miał także wpływ naturalizm włoskiego malarza Caravaggio. Velázquez utworzył własne studium po ukończeniu nauki w 1617 r. Zasłynął ze swoich realistycznych i złożonych portretów jako członek Sądu Króla Felipe IV, stanowiska, które zajmował przez prawie 40 lat. Diego Velázquez miał udaną karierę, która uczyniła go wiodącym artystą tak zwanej hiszpańskiej złotych wieków.
W ostatnich latach hiszpański nauczyciel stworzył znany portret papieża Innocenta X i słynnych „Las Meninas”. Zmarł 6 sierpnia 1660 r. W Madrycie.
Velázquez jest pamiętany jako jeden z wielkich mistrzów sztuki zachodniej. Pablo Picasso i Salvador Dalí należą do artystów, którzy uważali go za wielki wpływ, podczas gdy francuski impresjonista Édouard Manet opisał wielkiego Hiszpana jako „malarza malarzy”.
Kup reprodukcję siebie - Diego Velázqueza w sklepie internetowym Kadros
Nr 2 Francisco de Goya - 1746 - 1828
Francisco Goya, w całości Francisco José de Goya i Lucyientes (urodzony 30 marca 1746 r., Fuendetodos, Hiszpania; zmarł 16 kwietnia 1828 r., Bordeaux, Francja).
Francisco Goya, jeden z najbardziej wpływowych malarzy XVIII wieku, odniósł ogromny sukces w swoim życiu. Jego praca jest często kojarzona z ruchem romantycznym i jest uważana za jednego z ostatnich wielkich starych nauczycieli. Jeden z najsłynniejszych obrazów Goyi, 3 maja 1808 r. W Madrycie, jest to politycznie naładowane arcydzieło, które honoruje hiszpański opór podczas okupacji kraju przez Napoleona. Ta innowacyjna praca położyła nowy precedens tego, jak reprezentowano horrory wojny w sztuce.
Jego badanie prac Velázqueza w prawdziwej kolekcji spowodowało bardziej elastyczną i spontaniczną technikę malowania. W tym samym czasie Goya osiągnął swój pierwszy popularny sukces. Został wybrany do Royal Academy of San Fernando w 1780 r., Wyznaczył malarz króla w 1786 r., I został na stałe na stałe na stałych chorobę w 1792 roku. Opracował nowy odważny i wolny styl w pobliżu kreskówki. W swoich freskach użył szerokiego i wolnego stylu oraz bezprecedensowego ziemskiego realizmu w sztuce religijnej. Goya pełnił funkcję dyrektora malarstwa w Royal Academy w latach 1795–1797 i został mianowany pierwszym malarzem hiszpańskiego sądu w 1799 r.
Podczas inwazji napoleońskiej i hiszpańskiej wojny o niepodległość w latach 1808–1814 Goya był malarzem Sądu Francji. Po przywróceniu hiszpańskiej monarchii Goya został ułaskawiony przez służenie Francuzom, ale jego dzieło nie było faworyzowane przez nowego króla. W 1816 r. Opublikował swoje rycinki na walkach byków, zwane walką byków. W latach 1819–1824 Goya mieszkała w domu na obrzeżach Madrytu. Bez ograniczeń sądowych przyjął coraz bardziej osobisty styl. W czarnych obrazach, wykonanych na ścianach jego domu, Goya wyraził swoje najciemniejsze wizje. Podobna jakość koszmaru goni satyryczne bzdury, seria rycin zwanych także Przysłów. W 1824 r., Po braku próby przywrócenia rządu liberalnego, Goya dobrowolnie wygnała we Francji. Osiedlił się w Bordeaux i kontynuował pracę do śmierci 16 kwietnia 1828 r.
Dziś wiele jego najlepszych obrazów znajduje się w Muzeum Sztuki Madrytu w Madrycie.
Kup reprodukcję samozadowolenia - Francisco Goya w sklepie internetowym Kadros
Nr 3 Frida Kahlo - 1907 - 1954
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 lipca 1907 r.- Coyoacán, 13 lipca 1954)
Meksykańska artystka Frida Kahlo jest zapamiętana ze względu na swoje własne, ból i pasję oraz jasne i odważne kolory. Jest obchodzona w Meksyku za uwagę na kulturę meksykańską i rdzenną oraz przez feministki za opis doświadczenia i kobiecej formy.
Dzięki swojej głęboko osobistej i symbolicznej pracy stał się jednym z najsłynniejszych artystów XX wieku. Przez większą część swojej kariery często ignorował to po prostu jako żona Diego Rivery, ale uznanie jego obrazów wzrosło dopiero od lat siedemdziesiątych. Ferazowo dumny ze swojej meksykańskiej tożsamości, często włączał do swoich obrazów symbole przedkolumbijskie i jest znany ze swojej kolorowej meksykańskiej sukienki. Kahlo, który przez całe życie miał problemy zdrowotne z powodu wypadku autobusowego w młodości, doznał wielu złamań kręgosłupa, obojczyka i żeber, rozbitej miednicy, złamanej stopy i zwichniętego ramienia. Zaczęła dużo koncentrować się na malowaniu, regenerując z tynkiem na ciele. W swoim życiu miał 30 operacji. Doświadczenie życia jest powszechnym problemem w około 200 obrazach, szkicach i rysunkach Kahlo. Jego ból fizyczny i emocjonalny jest wyraźnie pokazany na płótnie, a także jej burzliwy związek z mężem, innym artystą Diego Rivera, z którym wyszła za mąż dwukrotnie. Spośród 143 obrazów 55 to samowystarczalne. Zderzanowanie twojego ciała przez wypadek autobusowy jest szczegółowo szczegółowo szczegółowo w zepsutej kolumnie. Kahlo jest reprezentowany prawie nagi, podzielony przez połowę, z jego kręgosłupem przedstawionym jako zepsuta dekoracyjna kolumna. Twoja skóra jest usiana paznokciami. Jest również wyposażona w urządzenie chirurgiczne.
Powszechnie znana z marksistowskich skłonności, Frida, wraz z rewolucyjną marksistowską Che Guevary i małą grupą współczesnych postaci, stała się kontrkulturowym symbolem XX wieku i stworzył dziedzictwo w obrazie, który nadal inspiruje wyobraźnię i umysł.
Widział, jak jego kwitnąca kariera przerwała z powodu jego przedwczesnej śmierci w wieku 47 lat. Jego dziedzictwo wciąż żyje i pozostaje ikoną wielu ruchów feministycznych i politycznych.
Nr 4 Diego Rivera - 1886 - 1957
Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera i Barrientos Acosta i Rodríguez, znane jako Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Meksyk, 1957), był wybitnym meksykańskim malarzem. Jego wielkie freski pomogły ustalić ruch muralu w sztuce meksykańskiej i międzynarodowej.
Meksykańskie z urodzenia Rivera spędził dużą część swojego dorosłego życia w Europie i Stanach Zjednoczonych, a także w swoim domu w Meksyku. Na początku swojej kariery zapuścił się w Kubizmy, a następnie przyjął postimpresjonizm, ale jego wyjątkowy styl i perspektywa są natychmiast rozpoznawalne jako swoje. Był zaangażowany w świat polityki jako oddany marksistowski i dołączył do meksykańskiej partii komunistycznej w 1922 roku. W latach 30. XX wieku otrzymał rosyjskie wygnanie Leon Trockiego i jego żonę w Meksyku. Mieszkał w niestabilnych czasach i prowadził burzliwe życie. , Diego Rivera, powszechnie znany ze swoich marksistowskich skłonności, wraz z rewolucyjną marksistowską che Guevarą i małą grupą współczesnych postaci, stała się kontrkulturowym symbolem XX wieku i stworzył dziedzictwo w sztuce, która nadal inspiruje inspirującą wyobraźnię i umysłach .
Pomógł stworzyć tożsamość narodową opartą na meksykaństwie. Ta duma z meksykańskiej tożsamości jest widoczna w sztuce Rivera poprzez uderzającą paletę kolorów i użycie uproszczonych form, pod wpływem sztuki Majów i Aztec. Podczas gdy niektóre z jego najlepszych dzieł znajdują się w Meksyku, Rivera mocno namalowała również w Stanach Zjednoczonych. Jego mural na rozdrożu został usunięty z Rockefeller Center w Nowym Jorku z powodu wizerunku Lenina w pracy.
Nr 5 Pablo Picasso - 1881 - 1973
Pablo Picasso, w całości Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso, również nazywany (przed 1901) Pablo Ruiz lub Pablo Ruiz Picasso (urodzony 25 października 1881 r. Zmarł 8 kwietnia 1973 r., Mougins, Francja), malarz, rzeźbiarz, rejestrator, ceramista i hiszpański projektant setów emigrantów, jednego z największych i najbardziej wpływowych artystów XX wieku i twórcy (z Georgesem Braque) Kubizmu.
Był cudownym dzieckiem, które po raz pierwszy zdominowało klasyczne techniki, zanim sam wyjechał, aby zniszczyć tradycyjny sposób tworzenia sztuki. Jego praca jest imponująca, ponieważ podczas swojego życia wyprodukował około 50 000 dzieł sztuki między obrazami, rzeźbami, ceramiką, rysunkami i rycinami.
Jako jeden z rodziców Kubizmu na początku XX wieku unikał rzeczywistości w sztuce i miał na celu przedstawienie czysto abstrakcyjnego, czegoś, czego wcześniej nie zostało zrobione. Główny korpus Picasso jest podzielony na zupełnie inne okresy, zaczynając od okresu niebieskiego, a następnie okresu różowego, afrykańskiego okresu wpływu, okresu kubizmu i okresu surrealizmu i klasycyzmu.
Ponieważ era sztuki Picassa w Demoiselles miała radykalną naturę, praktycznie żaden artysta XX wieku nie mógł uciec od jego wpływów. Picasso nadal był innowacyjnym w ostatniej dekadzie swojego życia. Doprowadziło to do nieporozumień i krytyki zarówno w jego życiu, jak i od tego czasu, i dopiero w latach 80. jego ostatnie obrazy zaczęły być doceniane zarówno w sobie, jak i ich głębokiego wpływu na rosnące pokolenie młodych malarzy. Ponieważ Picasso był w stanie sprzedawać prace po bardzo wysokich cenach z lat dwudziestych XX wieku, był w stanie zachować większość swojej pracy we własnej kolekcji.
Nr 6 Salvador Dali - 1904 - 1989
Salvador Felipe Jacinto Dalí I Domènech, Marqués de Dalí de Public (Figueras, 11 maja 1904- Figueras, 23 stycznia 1989).
Jest uważany za jednego z największych przedstawicieli surrealizmu.
Z karierą, która obejmowała ponad sześćdziesiąt lat, Salvador Dalí jest jednym z najbardziej wpływowych artystów sztuki współczesnej. Słynie z surrealistycznych obrazów, takich jak wytrwałość pamięci, Dalí był także płodnym rzeźbiarzem, filmowcem, fotografem i ilustratorem. Stworzył nawet książkę kuchenną opartą na legendarnych obiadach, które zorganizowała on i jego żona.
Od najmłodszych lat Salvador Dalí był zachęcany do ćwiczenia swojej sztuki i ostatecznie studiował w akademii w Madrycie. W latach dwudziestych wyjechał do Paryża i zaczął wchodzić w interakcje z artystami takimi jak Pablo Picasso, René Magritte i Miró, co doprowadziło do pierwszej surrealistycznej fazy Dalí.
Futrz bardzo pomysłowy artysta, z tendencją do narcyzmu i megalomanii, lubiła przyciągać uwagę opinii publicznej. To zachowanie zirytowało tych, którzy docenili ich sztukę i uzasadnili swoich krytyków, którzy odrzucili ich ekscentryczne zachowania. Dalí przypisał swoją miłość do wszystkiego, co jest złote i nadmierne, jego pasja do luksusu i miłość do mody orientalnej do samozwańczej linii arabskiej, która przyczyniła swoje korzenie w czasach dominacji arabskiej Półwyspu Iberyjskiego.
W miarę zbliżania się wojny w Europie, szczególnie w Hiszpanii, Dalí zmierzył się z członkami ruchu surrealistycznego. W „procesie”, który odbył się w 1934 r., Został wydalony z grupy.
W 1980 r. Dalí został zmuszony do wycofania się z malowania z powodu zaburzenia ruchowego, które spowodowało trwałe drżenie i osłabienie w jego rękach. Nie mógł już trzymać pędzla, stracił zdolność wyrażania siebie w sposób, w jaki najlepiej wiedział. Więcej tragedii miało miejsce w 1982 r., Kiedy zmarła ukochana żona i przyjaciel Dalí. Dwa wydarzenia spowodowały głęboką depresję. Przeprowadził się do Pubol, w zamku, który kupił i przebudował na galę, być może po to, by ukryć się przed opinią publiczną lub, jak niektórzy spekulują, umrzeć. W 1984 r. Dalí został poważnie spalony w ogniu. Z powodu ran był ograniczony do wózka inwalidzkiego. Przyjaciele, patron i inni artyści uratowali go z zamku i zwrócili go do Figueres, dzięki czemu czuje się komfortowo w muzeum w teatrze. W listopadzie 1988 r. Dalí wszedł do szpitala na Figueres z sercem, które zawiodło. Po krótkim rekonwalescencji wrócił do muzeum teatralnego. 23 stycznia 1989 r. W mieście jego urodzenia Dalí zmarł z powodu niewydolności serca w wieku 84 lat. Jego pogrzeb odbył się w muzeum teatralnym, gdzie został pochowany w krypcie.
Z eklektyczną i ekscentryczną osobowością, która zbiegła się w jego produkcji artystycznej, nadal rejestruje wyobraźnię publiczności 30 lat po jego śmierci.
No.7 Fernando Botero - 1932 -
Fernando Botero (kolumbijski, urodzony w 1932 r.) Jest słynie z malowanych i wyrzeźbionych scen ze zwierzętami i postaciami o zawyżonych proporcjach, odzwierciedlając predykietę artysty przez satyrę, kreskówkę i komentarze polityczne. Urodzony w Medellín w Kolumbii, był drugim z trojga dzieci, jego ojca, sprzedawcy ulicy, zmarł, gdy Botero miał zaledwie cztery lata. Jego matka musiała pracować jako krawcowa, aby utrzymać rodzinę. Po sezonie w szkole Matadores Botero zdecydował, że sztuka jest jego prawdziwym powołaniem, aw 1948 r., W wieku 16 lat, miał swoją pierwszą wystawę. Trzy lata później, po przeprowadzce do stolicy Kolumbii w Bogocie, był gospodarzem swojej pierwszej indywidualnej wystawy.
W latach 50. podróżował do kilku różnych krajów europejskich, w tym Hiszpanii, Włoch i Francji, aby zbadać pracę nauczycieli renesansu i barokowych. Podróżował także do Meksyku, aby zapoznać się z obecną meksykańską awangardą. Botero zasłynął z różnorodnego materiału źródłowego, którego użył, od kolumbijskich obrazów ludowych po kanoniczne dzieła Diego Velázqueza, Pablo Picassa i Francisco de Goya.
W swoich reprezentacjach współczesnego życia latynoamerykańskiego przedstawia ubóstwo i przemoc, które panują w Kolumbii w ponurych obrazach, a także w ich kultowych zawyżonych postaciach, satyrycznych obrazach prezydentów Ameryki Łacińskiej, pierwszych kobiet i urzędników państwowych. Spotkanie z Dorothy Miller z Muzeum Sztuki Nowoczesnej na początku lat 60. okazało się punktem zwrotnym w jego karierze; Uzyskała swoją pracę w czasie, gdy abstrakcja była słynnym językiem, a następnie wystawiła swoją pracę na ważnej wystawie w muzeum, konsolidując swoją międzynarodową reputację.
W latach siedemdziesiątych Botero przeprowadził się do Paryża, gdzie stworzył wielkie rzeźby postaci z zawyżonymi formami firmy. Nadal jest zaangażowany w obrazy swojego rodzinnego miasta latynoamerykańskiego i z otwartymi obrazami politycznymi; Jego ostatnie prace obejmują wielkie obrazy więźniów w Abu Ghraib w bezpośrednim komentarzu na temat wojny w Iraku. Botero wystawił swoją pracę w Muzeum Sztuki Współczesnej Kopenhagi, Muzeum Mailol w Paryżu, Palazzo Bezia w Rzymie, Muzeum Dziedzictwa w Petersburgu i Muzeum Narodowe w Bogocie. Obecnie mieszka i pracuje w Paryżu, Montecarlo i Nowym Jorku.
Botero ma teraz 80 lat i jest tak płodny jak zawsze. Zapalony twórca, wyprodukował tysiące obrazów i setki rzeźb i będzie nadal urzekający swoją osobistą marką ludzi i przedmiotów. Jak mówi sam Botero: „Artysta nigdy nie jest kompletny”.
Kuadros ©, słynna farba na twojej ścianie.
