Art Deco to popularny styl wzornictwa z lat 20. i 30. XX wieku, szczególnie charakteryzujący się eleganckimi formami geometrycznymi lub stylizowanymi oraz użyciem materiałów stworzonych przez człowieka.
Cechy stylu Art Deco miały swoje początki we Francji w połowie i końcu lat 10. XX wieku, dojrzewały podczas Międzynarodowej Wystawy Sztuk Dekoracyjnych i Przemysłów Nowoczesnych, która odbyła się w Paryżu w 1925 roku, stając się ważnym stylem w zachodniej Europie i Stanach Zjednoczonych w latach 30. XX wieku.
Charakterystyczne cechy Art Deco odzwierciedlają podziw dla nowoczesności maszyny oraz dla cech projektowych inherentnych dla przedmiotów powstałych w procesach mechanicznych, takich jak względna prostota, płaskość, symetria i niezmienność powtarzania elementów. Obiekty Art Deco często prezentują proste i czyste formy, zazwyczaj o wyglądzie "stylizowanym"; geometryczne lub stylizowane ornamenty inspirowane formami figuralnymi takimi jak kwiaty, zwierzęta i promienie słoneczne; oraz użycie substancji stworzonych przez człowieka, w tym plastiku, szklanych elementów i betonu zbrojonego, często w połączeniu z naturalnymi materiałami, takimi jak jadeit, srebro, kość słoniowa i chrom.
Art Deco - plakat
Wśród formujących wpływów Art Deco znajdują się Art Nouveau, Bauhaus, Kubizm oraz Ballety Rosyjskie Serge'a Diaghileva. Praktycy Art Deco czerpali również inspirację z źródeł rdzennych Amerykanów, Egipcjan i wczesnych klasyków, jak również z natury.
Podobnie jak Art Deco, art nouveau to styl ornamentowy, który ma zastosowanie w takich dziedzinach jak architektura, projektowanie wnętrz, jubilerstwo i ilustracja. Oba style były popularne w Europie i Stanach Zjednoczonych, ale Art Nouveau rozkwitł wcześniej, w latach 1890-1910.
Z kolei Art Deco osiągnęło szczyt popularności pod koniec lat 20. i na początku lat 30. XX wieku. Art Nouveau podkreślał naturę, a obiekty charakteryzowały się szczególnie asymetrycznymi, falistymi liniami, często przyjmującymi formy łodyg i pąków kwiatów, pędów winorośli, skrzydeł owadów oraz innych delikatnych obiektów naturalnych. Z drugiej strony, Art Deco celebruje nowoczesną maszynę i promuje linie geometryczne oraz eleganckie formy.
Główną różnicą w stosunku do art nouveau jest wpływ kubizmu, który nadaje projektom Art Deco bardziej zfragmentowany charakter geometryczny. Niemniej jednak, obrazy bazujące na formach roślinnych i falistych krzywych pozostały w niektórych projektach Art Deco, na przykład w dziełach Clarice Cliff w Wielkiej Brytanii. Art Deco miało bardzo zróżnicowane wpływy, inspirowało się sztuką starożytnego Egiptu, sztuką aztecką i innymi starocentralnymi sztukami, a także nowoczesnym wzornictwem statków, pociągów i samochodów. Czerpało również inspirację z nowoczesnej architektury i wzornictwa Bauhaus oraz architektów takich jak Le Corbusier i Mies van der Rohe.
Art Deco wzięło swoją nazwę od Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, która odbyła się w Paryżu w 1925 roku, gdzie po raz pierwszy zaprezentowano ten styl. Wzornictwo Art Deco reprezentowało modernizm przekładający się na modę. Jego produkty obejmowały zarówno luksusowe, ręcznie wykonane przedmioty, jak i produkty wytwarzane masowo, jednak w każdym przypadku zamierzano stworzyć elegancję stylową i niekonwencjonalną, symbolizującą bogactwo i wyrafinowanie.
Większość wybitnych twórców Art Deco projektowała przedmioty ręcznie robione lub w limitowanej edycji. Należeli do nich projektanci mebli Jacques Ruhlmann i Maurice Dufrène; architekt Eliel Saarinen; złotnik Jean Puiforcat; projektant biżuterii i kryształu René Lalique; projektant mody Erté; artyści-złotnicy Raymond Templier, HG Murphy i Wiwen Nilsson; oraz rzeźbiarz figuralny Chiparus.
Art Deco - mebel Jacquesa Ruhlmanna
Art Deco złotnika Jean Puiforcata
Początki Art Deco
Pod koniec XIX wieku we Francji wielu uznawanych artystów, architektów i projektantów, którzy odegrali ważną rolę w rozwoju stylu Art Nouveau, zauważyło, że zaczyna on stawać się coraz bardziej przestarzały. Na końcu wieku, który widział umacnianie się Rewolucji Przemysłowej, życie współczesne stało się bardzo różne od tego sprzed kilku dekad. Nadszedł czas na coś nowego, czegoś, co wykrzykiwałoby "XX wiek" z modernistycznych i gustownych dachów.
Towarzystwo Artystów Dekoracyjnych Francji
W odpowiedzi na to pragnienie postępu w nowym wieku, krocząc śladem innowacji, a nie ugrzęznęli w nostalgii, grupa francuskich artystów innowacyjnych utworzyła organizację o nazwie Societé des Artistes Décorateurs (Towarzystwo Artystów Dekoracyjnych). Grupa składała się z uznawanych postaci, takich jak projektant i grawer w stylu Art Nouveau Eugene Grasset oraz architekt Art Nouveau Hector Guimard, wraz z wyłaniającymi się artystami i projektantami dekoracyjnymi, takimi jak Pierre Chareau i Francis Jourdain. Francuskie państwo wspierało i promowało tę kierunek działalności artystycznej.
Art Deco - Towarzystwo Artystów Dekoracyjnych
Jednym z głównych celów nowej grupy było kwestionowanie struktury hierarchicznej sztuk wizualnych, która relegowała artystów dekoracyjnych do niższego statusu niż bardziej klasyczne media malarstwa i rzeźby. Jourdain jest słynnie cytowany: "Zdecydowaliśmy zatem przywrócić sztukę dekoracyjną, traktowaną lekceważąco jako Kopciuszek lub ubogiego krewnego, któremu zezwolono na jedzenie z służbą, na ważne, niemal dominujące miejsce, które zajmowała w przeszłości, we wszystkich czasach i ze wszystkich krajów świata".
Plan na wielką wystawę, która zaprezentowała nowy typ sztuki dekoracyjnej, pierwotnie zaplanowano na 1914 rok, ale musiano ją wstrzymać do czasu zakończenia I wojny światowej, a potem opóźniała się z różnych powodów aż do 1925 roku.
Wystawa, która oficjalnie rozpoczęła ruch Art Deco
Rząd francuski, który gościł wystawę pomiędzy placem Les Invalides z złotą kopułą a wejściami Petit Palais i Grand Palais po obu stronach rzeki Sekwany, starał się zaprezentować nowy styl. Ponad 15 000 artystów, architektów i projektantów pokazało swoje prace na wystawie. W ciągu siedmiu miesięcy wystawy ponad 16 milionów osób odwiedziło wiele indywidualnych wystaw. Ta wystawa była katalizatorem dla rozpoczęcia ruchu.
Art Nouveau i Art Déco
Art Deco było bezpośrednią odpowiedzią estetyczną i filozoficzną na styl Art Nouveau oraz szerszy fenomen kulturowy modernizmu. Art Nouveau zaczęło tracić na popularności podczas I wojny światowej, gdyż wielu krytyków uważało, że skomplikowane detale, delikatne wzory, często kosztowne materiały i metody produkcji tego stylu nie pasowały do nowoczesnego, trudnego, niestabilnego i coraz bardziej zmechanizowanego świata. Podczas gdy ruch Art Nouveau czerpał swoje skomplikowane i stylizowane formy z natury i chwalił zalety rzemiosła, estetyka Art Deco podkreślała aerodynamiczność i elegancką geometrię epoki maszyny.
Art Deco i Modernizm
Exposition Internationale z gromadziła nie tylko dzieła w stylu Art Deco, ale także umieszczone blisko siebie rzemiosła obok przykładów nowoczesnych obrazów i rzeźb w stylach takich jak kubizm, konstruktywizm, Bauhaus, De Stijl i futuryzm. W latach 20. XX wieku, Art Deco stanowiło bujny, ale w dużej mierze konwencjonalny kontrapunkt dla bardziej intelektualnej estetyki Bauhaus i De Stijl. Wszystkie trzy dzieliły akcent na czyste i mocne linie, jako zasady organizacji wzornictwa. Praktkcy Art Deco przyjęli innowacje technologiczne, nowoczesne materiały i mechanizację, starając się podkreślić je w ogólnej estetyce samego stylu. Praktycy czerpali również z innych nowoczesnych ruchów. Art Deco stało się uznawane przez entuzjastów, którzy byli na bieżąco z futurystycznymi perspektywami współczesnych avant-garde. Ironią losu jest to, że nowoczesne malarstwo i rzeźba zajęły drugorzędne miejsce w wystawie, z nielicznymi wyjątkami w postaci radzieckiego pawilonu i pawilonu Esprit Nouveau Le Corbusiera.
Art Deco po Wielkiej Depresji
Początek drugiej fazy Art Deco zbiegł się z początkiem Wielkiej Depresji. W rzeczy samej, austerity mogłoby być centralną estetyką zarówno z powodów pragmatycznych, jak i konceptualnych dla tego drugiego rozwoju Art Deco. Podczas gdy architektura Art Deco, na przykład, zorientowała się w pionie, z drapaczami chmur wznoszącymi się na wielkie wysokości, późniejsze budynki Art Deco z ich zewnętrzami w większości pozbawionymi ozdób, eleganckimi krzywymi i poziomymi akcentami symbolizowały solidność, spokojną godność i opór. W najgorszych latach katastrofy gospodarczej, od 1929 do 1931 roku, amerykańskie Art Deco przeszło z podążania za trendami do ich ustanawiania.
Streamline Moderne
Streamline Moderne stało się amerykańskim kontynuacją europejskiego ruchu Art Deco. Poza poważnymi wpływami ekonomicznymi i filozoficznymi, estetyczną inspiracją dla pierwszych struktur Streamline Moderne były budynki zaprojektowane przez zwolenników ruchu Nowej Obiektywności w Niemczech, który powstał z nieformalnego stowarzyszenia architektów, projektantów i artystów niemieckich, które utworzyło się na początku XX wieku.
Art Deco - Streamline Moderne
Artyści i architekci Nowej Obiektywności czerpali inspirację z tego samego typu trzeźwego pragmatyzmu, który zmusił zwolenników Streamline Moderne do wyeliminowania nadmiaru, w tym emocjonalności ekspresjonizmu. Architekci Nowej Obiektywności koncentrowali się na tworzeniu struktur, które mogłyby być uznane za praktyczne, jako odzwierciedlenie prawdziwych wymagań życia codziennego. Woleli, aby ich projekty dostosowywały się do rzeczywistego świata, zamiast zmuszać innych do dostosowywania się do niepraktycznej estetyki. W tym celu architekci Nowej Obiektywności nawet wprowadzili pionierskie technologie prefabrykacji (pomagając w szybkim i efektywnym zakwaterowaniu biednych w Niemczech).
Bez ozdób, architektura Streamline Moderne prezentowała czyste krzywe, długie linie poziome (w tym pasma okien), cegły szklane, okna w stylu bulajowym oraz cylindryczne, a czasami, morskie formy. Nigdy wcześniej tak bardzo nie kładziono nacisku na aerodynamiczność i inne wyrazy nowoczesnej technologii. Droższe i często egzotyczne materiały z Art Deco zostały zastąpione przez betonowe, szklane i chromowane elementy w Streamline Moderne. Kolor używany był oszczędnie, ponieważ odcienie białego, beżowego i ziemistego zastąpiły bardziej żywe kolory Art Deco. Styl wprowadzono najpierw do architektury, a następnie rozszerzono na inne przedmioty, podobnie jak tradycyjny styl Art Deco.
Art Deco zostało retroaktywnie nazwane
Początkowo termin "Art Deco" był używany pejoratywnie przez znanego krytyka, architekta modernistycznego Le Corbusiera, w artykułach, w których krytykował styl za jego ornamentację, cechę, którą uważał za zbędną w nowoczesnej architekturze. Podczas gdy zwolennicy stylu chwalili go za uproszczoną odpowiedź modernistyczną na nadmiar ornamentacji, szczególnie w porównaniu do jego bezpośredniego poprzednika, Art Nouveau, ponieważ dla Le Corbusiera jakakolwiek dekoracja była zbędna. Dopiero pod koniec lat 60. XX wieku, kiedy zainteresowanie stylem odnowiło się, brytyjski historyk i krytyk sztuki Bevis Hillier użył terminu "Art Deco" w sposób pozytywny.
Art Deco w Stanach Zjednoczonych
W Stanach Zjednoczonych, przyjęcie ruchu Art Deco rozwijało się w innej trajektorii. Herbert Hoover, ówczesny sekretarz handlu USA, ogłosił, że amerykańscy projektanci i architekci nie mogli wystawiać swoich prac na wystawie międzynarodowej, ponieważ twierdził, że kraj wciąż musi wymyślić wyraźny amerykański styl sztuki, który byłby wystarczająco "nowy". Alternatywnie, wysłał delegację do Francji, aby ocenić oferty na wystawie, a następnie zastosować to, co zobaczyli, do współczesnego amerykańskiego stylu artystycznego i architektonicznego. W kontyngencie estetycznych emisariuszy wysłanych przez Hoovera byli ważni przedstawiciele Amerykańskiego Instytutu Architektury, Muzeum Sztuki Metropolitalnej oraz The New York Times. Misja ta zainspirowała niemal natychmiastowy wzrost innowacji artystycznej w USA.
Do 1926 roku, mniejsza wersja francuskiej wystawy, zatytułowana "Wybrana kolekcja przedmiotów z Międzynarodowej Wystawy Sztuk Nowoczesnych, Przemysłowych i Dekoracyjnych", objazdowała wiele amerykańskich miast, takich jak Nowy Jork, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis i Filadelfia. Amerykańskie wystawy światowe w Chicago (1933) i Nowym Jorku (1939) podkreślały wzory Art Deco, podczas gdy Hollywood przyjęło tę estetykę, czyniąc ją glamourową w całym kraju. Nawet amerykańskie korporacje takie jak General Motors i Ford zbudowały pawilony na Światowej Wystawie w Nowym Jorku.
Art Deco - Światowa Wystawa w Nowym Jorku
Wśród najbardziej znanych przykładów amerykańskiego stylu Art Deco znajdują się drapacze chmur i inne dużej skali budynki. W rzeczy samej, amerykańska wersja Art Deco w projektach budowlanych została nazwana Zigzag Modern ze względu na swoje kątowe i geometryczne wzory w eleganckich elewacjach architektonicznych. Niemniej jednak, amerykańskie Art Deco jest często mniej ornamentalne niż jego europejski poprzednik. Poza czystymi liniami i mocnymi krzywymi, odważne geometryczne formy, intensywne kolory i czasami luksusowa ornamentacja, amerykańska wersja jest prostsza. W miarę jak ważne wpływy, takie jak Nowa Obiektywność i Międzynarodowy Styl architektury oraz poważne trudności gospodarcze pod koniec lat 20. i na początku lat 30. XX wieku, zaczęły wpływać na estetykę Art Deco, styl stał się znacznie mniej luksusowy.
Art Deco - Zig Zag Modern
Amerykański styl Art Deco rozwinął się jako celebracja postępu technologicznego, w tym produkcji masowej, i przywróconej wiary w postęp społeczny. W istocie, te osiągnięcia mogłyby być uważane za odzwierciedlenie narodowej dumy. W latach 30. XX wieku, pod okiem Administracji Postępu Robót (WPA) Roosevelta, wiele powstałych dzieł było Art Deco, od struktur municipalnych, takich jak biblioteki i szkoły, po masowe murale publiczne. WPA miała na celu pobudzenie amerykańskiej gospodarki powojennej poprzez tworzenie miejsc pracy w budownictwie publicznym i starała się służyć społeczności poprzez tworzenie miejsc pracy i wpojenie amerykańskich wartości w projektowanie. Używanie amerykańskiego Art Deco przyniosło więc wyraz demokracji poprzez wzornictwo. Niektóre materiały, które często były używane w tworzeniu Art Deco, były drogie i zatem poza zasięgiem przeciętnego człowieka. Jednak użycie nowych lub niskokosztowych materiałów pozwoliło na produkcję szerokiej gamy przystępnych produktów, wprowadzając w ten sposób piękno sfery publicznej w nowy sposób.
Globalny rozwój Art Deco
Styl Art Deco zakorzenił się w tak różnych stolicach światowych, jak Hawana na Kubie, Mumbai i Dżakarta. Hawana posiada całe dzielnice zbudowane w stylu Art Deco. Londyński system metra w dużej mierze wprowadza ów styl. Port w Szanghaju zawiera ponad pięćdziesiąt struktur Art Deco, z których większość została zaprojektowana przez węgierskiego architekta Laszlo Hudeca. Od pomników wojennych po szpitale, tak odległe miasta jak Sydney i Melbourne w Australii również absorbowały fenomenalny styl.
Art Deco - Laszlo Hudec
Główne cechy wizualne Art Deco pochodzą z powtarzalnego stylu użycia form liniowych i geometrycznych, w tym form trójkątnych, zygzakowatych, trapezoidalnych i wzorów chevron. Podobnie jak jego poprzednik, Art Nouveau, w przypadku reprezentacji przedmiotów takich jak kwiaty, zwierzęta lub postacie ludzkie, są one mocno stylizowane i upraszczane, aby utrzymać ogólną estetykę Art Deco. Natura i zakres stylizacji oraz uproszczenia różnią się w zależności od regionalnej wersji stylu. Na przykład figura jak Ptaka Ognia (1922) zaprojektowana przez francuskiego René Lalique jest elegancko smukła i stonowana, podczas gdy Atlas Lee Lawrie z 1937 roku znajdujący się przed Rockefeller Center jest solidny i mocny z wyraźnie liniową muskulaturą, mimo że obie są uważane za dobre przykłady stylu Deco.
Art Deco - Atlas Lee Lawrie w budynku Rockefeller
Zgodnie z akcentem ruchu na nowoczesnej technologii, artyści i projektanci Art Deco wykorzystywali nowoczesne materiały, takie jak plastiki, bakelit i stal nierdzewna. Ale kiedy potrzebny był akcent bogactwa i wyrafinowania, projektanci wprowadzali bardziej egzotyczne materiały, takie jak kość słoniowa, róg i skóra zebry. Podobnie jak w przypadku ruchów Art Nouveau i Arts and Crafts, styl Art Deco był znacznie rzadziej stosowany do form wyrazu sztuk wizualnych tradycyjnie wyżej cenionych: malarstwa i rzeźby.
Wzornictwo Art Deco
Styl Art Deco miał swoje wpływy na sztuki graficzne w sposób, który ujawnia wpływy włoskiego futuryzmu z jego miłością do szybkości i czci dla maszyny. Futuryści używali linii, aby wskazać ruch, znanej jako "wąsy prędkości", które wychodziły z kół szybko poruszających się samochodów i pociągów. Ponadto, praktycy Art Deco wykorzystywali równoległe linie i stożkowe formy, które sugerują symetrię i aerodynamiczność. Typografia była pod wpływem międzynarodowego Art Deco, a czcionki Bifur, Broadway i Peignot przywołują natychmiastowo ten styl.
Art Deco - czcionka Bifur
Jeśli chodzi o obrazy, proste formy i duże obszary jednolitego koloru przypominają japońskie drzeworyty, które stały się ważnym źródłem wpływu dla zachodnich artystów, zwłaszcza w Francji, po zakończeniu izolacyjnego okresu Edo w 1868 roku. Późniejsze napływy sztuki Japonii do Europy miały ogromny wpływ. W szczególności artyści odkryli w formalnej prostocie drzeworytów wzór do tworzenia swoich własnych wyraźnie nowoczesnych stylów, zaczynając od impresjonizmu.
Meble Art Deco
Do końca lat 20. XX wieku nowoczesne wzornictwo mebli we Francji składało się głównie z wariantów stylu Art Nouveau, ale uproszczonych i mniej krągłych. W miarę postępu dekady Émile-Jacques Ruhlmann wyłonił się jako wiodący projektant mebli (Ruhlmann miał swój własny pawilon na Wystawie w 1925 roku). Chociaż jego projekty inspirowały się w głównej mierze XVIII-wiecznymi przedmiotami w stylu neoklasycznym, usunął wiele ornamentów, zachowując jednocześnie egzotyczne materiały, które cieszyły się uznaniem projektujących Art Nouveau, takie jak mahoń, heban, palisander, kość słoniowa i skorupa żółwia. Oczywiście jego przedmioty często były zbyt drogie, aby ktokolwiek mógł je nabyć, z wyjątkiem najbogatszych.
W kontraście do luksusowych projektów Ruhlmanna, które zdawały się leżeć pomiędzy stylami Art Nouveau i Art Deco, najbardziej zdecydowanym projektantem mebli Art Deco we Francji był Jules Leleu. Był tradycyjnym projektantem, zanim nowy styl zastąpił Art Nouveau i jest znany z projektowania wielkiej jadalni w Pałacu Elizejskim w Paryżu oraz luksusowych kabin na pokładzie pierwszej klasy eleganckiego statku Normandie.
Art Deco - mebel Julesa Leleu
W przeciwieństwie do Leleu i Ruhlmanna, Le Corbusier był zwolennikiem bardzo uproszczonej i pozbawionej ozdób wersji stylu Art Deco, często projektując meble dostosowane do surowych wnętrz swoich własnych struktur architektonicznych. Jego celem było projektowanie prototypów, szczególnie krzeseł, które mogłyby być produkowane masowo i tym samym byłyby dostępne dla szerszego rynku 
. Również warto zauważyć, że projektowanie wnętrz Donalda Deskeya w słynnej nowojorskiej atrakcji turystycznej, Radio City Music Hall, jest doskonałym przykładem amerykańskiego wzornictwa mebli Art Deco, które wciąż pozostaje w niezmienionym stanie w swojej pierwotnej formie.
Art Deco - mebel Le Corbusiera
Architektura Art Deco
Architektura Art Deco charakteryzuje się projektami o ostrych krawędziach, często bogato zdobionymi, akcentowanymi błyszczącymi detalami metalowymi. Wiele z tych budynków ma pionowy nacisk, zbudowane z zamiarem zwrócenia uwagi w górę. Kształty prostokątne, często w blokach, są układane geometrycznie, z dodatkowymi iglicami na dachu i/lub krzywoliniowymi elementami ozdobnymi, aby uzyskać efekt aerodynamiczny. Drapacze chmur w Nowym Jorku i budynki w pastelowych kolorach w Miami to jedne z najbardziej znanych przykładów amerykańskich, chociaż styl realizowano w różnorodnych strukturach na całym świecie.
W Stanach Zjednoczonych administracja Works Progress pomogła w upowszechnieniu architektury Art Deco. Co ciekawe, fuzja klasycyzmu Art Deco i Beaux-Arts, którą widać w wielu dziełach publicznych z czasów depresji, jest znana jako PWA Moderne lub Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Pozostałe rozwinięcia: po Art Deco
Art Deco wyszło z mody podczas II Wojny Światowej w Europie i Ameryce Północnej, a surowość czasów wojennych sprawiła, że styl ten wyglądał na coraz bardziej przestarzały i dekadencki. Metale były odbierane do wykorzystania w budowie uzbrojenia, zamiast zdobienia budynków lub przestrzeni wewnętrznych. Meble przestały być traktowane jako obiekty statusu. Inne postępy technologiczne pozwoliły na tańszą produkcję podstawowych dóbr konsumpcyjnych, eliminując potrzebę i popularność projektantów Art Deco.
Ruch, który w wielu aspektach próbował oderwać się od przeszłości, teraz stał się klasykiem budzącym najwyższą nostalgię i jest wspominany z sentymentem. Od lat 60. XX wieku, zainteresowanie tym stylem nieprzerwanie wzrasta. Echa Art Deco można dostrzec w nowoczesnym wzornictwie lat 50., które przejmuje aerodynamiczną estetykę Deco i na nowo interpretuje czystą prostotę Bauhaus. Deco pomogło także zainspirować Grupę Memphis, ruch projektowy i architektoniczny z siedzibą w Mediolanie w latach 80. Memphis również opierał się na pop-art i kiczu jako źródłach dla swoich kolorowych i świadomie postmodernistycznych projektów.
KUADROS ©, znany obraz na twojej ścianie.
