Początki Art Nouveau
Pojawienie się Art Nouveau - dosłownie „nowej sztuki” - można przypisać dwóm różnym wpływom: pierwszym było wprowadzenie około 1880 r., British Arts and Crafts Ruch, który, podobnie jak Art Nouveau, był reakcją przeciwko designowi niezależnemu oraz dekoracyjne kompozycje sztuki epoki wiktoriańskiej.
Drugi był obecną modą sztuki japońskiej, zwłaszcza rycin drewnianych, która ogarnęła wielu europejskich artystów w latach 80. i 90. XIX wieku, w tym artystów takich jak Gustav Klimt, Emile Gallé i James Abbott McNeill Whistler. W szczególności japońskie ryciny w drewnianych blokach zawierały formy kwiatowe i bulwiaste oraz krzywe „bita”, wszystkie kluczowe elementy tego, co ostatecznie stanie się art.
Art Nouveau Japońska - fala Katsushika Hokusai
Trudno wskazać pierwsze dzieła sztuki, które oficjalnie wprowadziła Art Nouveau. Niektórzy twierdzą, że wytłoczone i płynne linie oraz fundusze kwiatowe znalezione w obrazach Vincenta Van Gogha i Paula Gauguina reprezentują narodziny art, a może nawet dekoracyjne litografie Henri de Tuulouse-Lautrec, takie jak Moulin Rouge: The Goulue (Goulue ( 1891).
Jednak większość wskazuje na pochodzenie sztuki dekoracyjnej, a w szczególności na kurtkę przeciwpyłową książki architekta i Angielski projektant Arthur Heygate Mackmurdo Za tom z 1883 r. Kościołów miejskich Wren.
Mackmurdo, Arthur: przypisany jako pierwsza reprezentacja art.
Projekt książki pokazuje łodygi Serpenteante kwiatów emanujących z spłaszczonego bloku na dole strony, który wyraźnie pamięta ryciny w japońskim drewnie w stylu.
Wystawy Art Nouveau
Art Nouveau był często bardziej widoczny na międzynarodowych wystawach podczas szczytu. Nowy styl cieszył się centralną sceną na pięciu prywatnych targach: Wystawy Universelles z 1889 i 1900 roku w Paryżu; Narażenie Tervueren z 1897 r. W Brukseli, gdzie Art Nouveau był w dużej mierze wykorzystywany do pokazania możliwości rzemiosła z egzotycznym lasem Belgijskiego Konga; Międzynarodowa wystawa nowoczesnej sztuki dekoracyjnej Turynu w 1902 r.; oraz międzynarodowa wystawa L'Est z Francji w 1909 r. W Nantes.
Na każdym z tych targów styl był dominujący pod względem wystawionej sztuki i architektury dekoracyjnej, aw Turynie w 1902 r. Art Nouveau był naprawdę stylem wybranym przez praktycznie wszystkich projektantów i wszystkich reprezentowanych narodów, wykluczając wykluczenie każdego innego.
Międzynarodowa wystawa nowoczesnej sztuki dekoracyjnej
Art nou
Veau: A Current of Art z tysiąc nazwisk
Siegfried Bing, niemiecki kupiec i świadomość japońskiego mieszkańca sztuki w Paryżu, w grudniu 1895 r. Otworzył sklep o nazwie L'Ar Nouveau, który stał się jednym z głównych dostawców stylu w meblach i sztukach dekoracyjnych. W krótkim czasie nazwa sklepu stała się synonimem stylu we Francji, Wielkiej Brytanii i Stanach Zjednoczonych. Jednak wielka popularność art. Nouveau w Europie Zachodniej i Środkowej oznaczała, że miała kilka różnych tytułów. W krajach schodzących w niemiec Jugendstil (Styl młodzieży), zaczerpnięty z magazynu Monachium o nazwie Jugend, który go spopularyzował. Tymczasem w Wiedniu, Hogar Gustava Klimta, Otto Wagnera, Josefa Hoffmanna i innych założycieli secesji wiedeńskiej, byli znani jako Sezessionstil (styl secesji).
Był również znany jako Modernizm W języku hiszpańskim modernizm po katalońskich i Stile Floreale (styl kwiatowy) lub Stile Liberty We Włoszech ten ostatni ze sklepu Arthur Liberty Fabric w Londynie, który pomógł popularyzować ten styl. We Francji było powszechnie nazywane Styl modrne i czasami Guimard w stylu Na cześć jego najsłynniejszego praktyka, architekta Hectora Guimard, podczas gdy w Holandii zwykle nazywa się Nieuwe Kunst (Nowa sztuka).
Należy zauważyć, że jego liczni krytycy podali mu również kilka obraźliwych nazw: Style Nouille (styl makaronu) we Francji, Palący stijl (Styl węgorza) w Belgii i Bandwurmstil (Styl Tenia) W Niemczech wszystkie nazwy, które odnieśli zabawne odniesienie do tendencji Nouveau do używania krętej i płynnej linii.
Art Nouveau: koncepcje, style i trendy
Wszechobecność Art Nouveau pod koniec XIX wieku musi być częściowo wytłumaczona użyciem, jakie tworzy wielu artystów popularnych i łatwych, aby -reprodukować sposób, znalezionego w sztuce graficznej. W Niemczech artyści Jugendstil, tacy jak Peter Behrens i Hermann Obrist, wydrukowali swoją pracę na okładkach książek i katalogach wystawowych, czasopismach i reklamach plakatowych.
Ale ten trend nie był w żaden sposób ograniczony do Niemiec. Angielski ilustrator Aubrey Beardsley, być może postać art, najbardziej kontrowersyjna dla jego kombinacji erotycznej i makabrycznej, stworzył serię plakatów w swojej krótkiej karierze, w której używali linii wdzięcznych i rytmicznych. Bardzo dekoracyjne nadruki Beardsleya, takie jak Peacock Spódnica (1894), były jednocześnie dekadenckie i proste, i stanowią najbardziej bezpośredni ogniwo, jakie możemy zidentyfikować między art, a japońskim / grawerowanym Ukiyo-e.
Spódnica pawów Aubrey Beardsley - Art Nouveau
We Francji plakaty i graficzna produkcja Julesa Chéreta, Henri de Tulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen i niektórzy inni spopularyzowały luksusowy i dekadencki styl życia pięknego Époque, w przybliżeniu ERA między 1890-1914 z Sordid District of Cabaret de Montmartre w północnym Paryżu.
W jego dziełach graficznych wykorzystano nowe techniki chromolitograficzne do promowania wszystkiego, od nowych technologii, takich jak telefony i światła elektryczne po bary, restauracje, kluby nocne, a nawet poszczególnych artystów, przywołując energię i witalność współczesnego życia. W ten sposób wkrótce podnieśli plakat rzędów ogłoszenia pieszych dla wysokiej sztuki.
Modernistyczna architektura art.
Oprócz sztuk graficznych i wizualnych każda poważna dyskusja na temat Art Nouveau powinna wziąć pod uwagę architekturę i wielki wpływ na kulturę europejską. W ośrodkach miejskich, takich jak Paryż, Bruksela, Glasgow, Turyn, Barcelona, Antwerpia i Wiedeń, a także w mniejszych miastach, takich jak Nancy i Darmstadt, wraz z miejscami w Europie Wschodniej, takim jak Riga, Praga i Budapest, art. Architektura panowała w dużej mierze, zarówno pod względem wielkości, jak i najwyraźniej, i nadal jest dziś widoczna w strukturach tak różnych jak małe domy związane z dużymi budynkami instytucjonalnymi i komercyjnymi. Zwłaszcza w architekturze Art Nouveau był wystawiany w wielu różnych językach.
Wiele budynków obejmuje ogromne użycie terakoty i kolorowych płytek. Na przykład francuski ceramista Alexandre Bigot stał się sławny w dużej mierze dzięki produkcji ozdób terakoty dla fasad i kominów rezydencji i budynków paryskich mieszkań. Inne struktury art, szczególnie we Francji i Belgii, w których Héctor Guimard i Victor Horta byli ważnymi praktykami, pokazują możliwości technologiczne z strukturami żelaznymi połączonymi szklanymi paneli.
Batlló Casa - Barcelona - Art Nouveau
W wielu obszarach Europy architektura mieszkalna Art Nouveau charakteryzowała się lokalnym kamieniem, takim jak żółty wapień lub wiejska wiejska estetyka losowego kursu z drewnianymi listwami. W kilku przypadkach zastosowano rzeźbiarską białą skórę stiukową, szczególnie w budynkach Art Nouveau używanych do wystaw, takich jak pawilony uniwersalnej wystawy Paryża z 1900 r. I budynku z wiedeńskiej secesji. Nawet w Stanach Zjednoczonych formy roślin, które zdobią wieżowce Louisa Sullivana, takie jak Wainwright Building i Chicago Stock Exchange, są często zaliczane do najlepszych przykładów szerokiego zakresu architektonicznego Art Nouveau.
Pozostały łuk Chicago Stock Exchange - Art Nouveau
Meble i projekt wnętrza w stylu art.
Podobnie jak wiktoriański stylistyczny Ruch i Ruch Arts and Crafts, Art Nouveau był ściśle związany z dekoracją wewnętrzną przynajmniej tak samo, jak widoczny w zewnętrznych fasadach. Podobnie jak te inne style XIX wieku, wnętrza Art Nouveau również starali się stworzyć harmonijne i spójne środowisko, które nie pozostawiłoby żadnej nienaruszonej powierzchni. Projekt mebli zajmował centralne miejsce pod tym względem, szczególnie w produkcji rzeźbionego drewna, które prezentowało ostre i nieregularne kontury, często ręcznie robione, ale czasem wytwarzane z maszyn. Producenci mebli wyprodukowali elementy do wszystkich możliwych do możliwych zastosowań: łóżka, fotele, stoły i krzesła jadalne, szafki, na boki i świeczniki. Słynne krzywe wzorów były często karmione naturalną żyłą drewna i często były na stałe zainstalowane jako panele ścienne i listwy.
We Francji główni projektanci Art Nouveau to Louis Majorle, Emile Galle i Eugène Vallin, wszyscy z siedzibą w Nancy, oraz Tony Selmersheim, Édouard Colonna i Eugène Gaillard, którzy pracowali w Paryżu, ostatnie dwa specjalnie dla Siegfried Store Bing o nazwie L. „Art Nouveau, a następnie nadając całego ruchu najczęstszą nazwę.
Designer's Furniture - Louis Majorle Art Nouveau
W Belgii linia Whiplash szyjki macicy oraz najbardziej kanciaste i zarezerwowane kontury można zobaczyć w projektach Gustave Serrurier-Bovy i Henry Van de Velde, którzy podziwiali dzieła angielskich artystów sztuki i rzemiosła. Włosi Alberto Bugatti i Augustino Lauro byli dobrze znani ze swoich wtargnięć w tamtejszych stylu. Wielu z tych projektantów poruszało się swobodnie wśród mediów, co często utrudniają kategoryzację: na przykład Majorle produkowała własne drewniane projekty mebli i otworzyło topnienie podkowy,
Alberto Bugatti Meble Art Nouveau
Art Nouveau Painting and the High Arts
Niewiele stylów może twierdzić, że są reprezentowane w prawie wszystkich formach mediów wizualnych i materialnych tak kompletnych jak Art Nouveau. Oprócz tych, którzy pracowali głównie w grafice, architekturze i projektowaniu, Art Nouveau ma w obrazie kilku wybitnych przedstawicieli, takich jak secesjonista Wiedeń Gustav Klimt, znany przez Hope II i Kiss (oba 1907-08) i Victor Prouvé we Francji.
Hope II of Klimt - Art Nouveau
Ale malarze Art Nouveau byli nieliczni i odległe od siebie: Klimt praktycznie nie miał uczniów ani obserwujących (Egon Schiele był w kierunku ekspresjonizmu), a Prouvé jest równie znany jako rzeźbiarz i projektant mebli. Z drugiej strony można powiedzieć, że Art Nouveau był odpowiedzialny, bardziej niż jakikolwiek inny styl w historii, aby zmniejszyć lukę między sztuką dekoracyjną lub zastosować do przedmiotów użytkowych i drobno ozdobną sztuką malarstwa, rzeźby i architektury, sztuki, która jest był tradycyjnie uważany za ważniejszy, najczystszy wyraz talentów i umiejętności artystycznych, gdy jest dyskusyjna, jeśli luka została całkowicie zamknięta.
Victor Prouvé art nouveau rysunek
Biżuteria i szklane naczynia
Luksusowa reputacja Art Nouveau była również widoczna ze względu na wykorzystanie przez niektórych najbardziej znanych artystów szkła w historii. Emile Galle, bracia Daum, Tiffany i Jacques Gruber po raz pierwszy znaleźli znane, przynajmniej częściowo, poprzez swoje szklane szkło i ich zastosowania w wielu utylitarnych formach. Firmy Galleé i Daum ustanowiły swoją reputację w projektach wazonowych i sztuce szklanej, będąc pionierami w nowych technikach w kwaśnych elementach, których faliste i dobrze wyformowane powierzchnie, które wydawały się płynąć między półprzezroczystymi tonami.
Bracia Daum i Tiffany wykorzystali także artystyczne możliwości szkła do celów użytkowych, takich jak ekrany lamp i przybory stacjonarne. Zarówno Tiffany, jak i Jacques Gruber, którzy trenowali w Nancy z Daum Brothers w biżuterii, a także René Lalique, Louis Comfort Tiffany i Marcel Wolfers, stworzyli jedne z najcenniejszych elementów zmiany stulecia, wytwarzając wszystko, z kolczyków Do naszyjników, bransoletek i broszek, zapewniając w ten sposób, że Art Nouveau zawsze będzie związany z luksusem końcowym Siècle, pomimo nadziei, że jego wszechobecność może to zrobić powszechnie dostępne.
Tożsamość korporacyjna w Art Nouveau
Art Nouveau skorzysta z sławy w tym samym czasie, gdy sprzedaż detaliczna wzrosła, aby przyciągnąć naprawdę ogromną publiczność. Zajmował wybitne miejsce w wielu głównych sklepach miejskich, założonych pod koniec XIX wieku, w tym Samaritaine w Paryżu, Wertheim's w Berlinie i Magasins Renis w Nancy.
Ponadto był agresywnie sprzedawany przez jedne z najsłynniejszych punktów projektowych tamtych czasów, zaczynając od sklepu L'Ar Nouveau w Siegfried Bing w Paryżu, który pozostał bastionem rozpowszechniania stylu aż do jego zamknięcia w 1905 Śmierć Binga. Nie był jedynym sklepem w mieście, który specjalizował się w wnętrzach i meblach Nouveau.
Tymczasem Liberty & Co. był głównym dystrybutorem obiektów stylu w Wielkiej Brytanii i Włoszech, gdzie w rezultacie nazwa Liberty prawie stała się synonimem stylu.
Liberty & Co - Art Nouveau
Wielu projektantów Art Nouveau zasłynęło, pracując wyłącznie dla tych sprzedawców detalicznych, zanim podążył w innych kierunkach. Na przykład architekt Peter Behrens zaprojektował praktycznie wszystko, od czajników po okładki książkowe, plakaty reklamowe, wnętrze pawilonów wystawowych, przyborów i mebli, i ostatecznie został pierwszym projektantem przemysłowym, kiedy w 1907 roku był odpowiedzialny za całą pracę projektową za AEG, niemiecki generał elektryczny.
Wpływ sztuki Nouveau na kulturę: co nastąpiło później
Jeśli Art Nouveau szybko podjął napaść na Europę w ciągu ostatnich pięciu lat dziewiętnastego wieku, artyści, projektanci i architekci szybko porzucili go w pierwszej dekadzie XX wieku.
Chociaż wielu jej praktyków dokonało doktryny „formularz musi podążać do funkcji” centrum ich etosu, niektórzy projektanci zwykle byli luksusowi w użyciu dekoracji, a styl zaczął być krytykowany za zbyt rozwinięte. W pewnym sensie, w miarę dojrzewania stylu, zaczął wracać do tych samych nawyków, które gardził, a rosnąca liczba przeciwników zaczęła potwierdzać, że zamiast odnawiać projekt, stary mężczyzna po prostu zmienił się na powierzchownie nowego. Nawet stosując nowe metody masowej produkcji, intensywne rzemiosło zaangażowane w większość projektów Nouveau uniemożliwiło mu naprawdę dostępność dla masowej publiczności, ponieważ jego wykładnicy początkowo się spodziewali. W niektórych przypadkach, podobnie jak w Darmstadt, LAX Międzynarodowe przepisy dotyczące praw autorskich uniemożliwiły także artystom czerpanie korzyści z ich projektów.
Stowarzyszenie Art Nouveau z wystawami również wkrótce przyczyniło się do jego ruiny. Na początek większość budynków targów to tymczasowe struktury, które zostały zburzone natychmiast po zamknięciu wydarzenia. Ale co ważniejsze, wystawy same w sobie, chociaż były one utrzymywane pod pretekstem promowania edukacji międzynarodowej, zrozumienia i pokoju, miały tendencję do karmienia rywalizacji i konkurencji między narodami ze względu na z natury porównawczy charakter wystawy. Wiele krajów, w tym Francja i Belgia, uważało Art Nouveau za potencjalnych kandydatów do tytułu „stylu narodowego”, biorąc pod uwagę oskarżenia o obce pochodzenie lub wywrotowe niuanse polityczne Art Nouveau, na przykład we Francji, związane z różnymi sposobami z projektantami z projektantami z projektantami z projektantami Projektanci Belgowie i niemieccy kupcy, a czasem był to styl używany w budynkach socjalistycznych, powracając do opinii publicznej przeciwko niemu. Z pewnymi godnymi uwagi wyjątkami, w których cieszył się oddanym kręgiem lokalnych sponsorów, w 1910 r. Art Nouveau zniknął z europejskiej panoramy projektowej.
Od Werkstätte do Art Deco
Śmierć Art Nouveau rozpoczęła się w Niemczech i Austrii, gdzie projektanci tacy jak Peter Behrens, Josef Hoffmann i Koloman Moser zaczęli przyjmować bardziej trzeźwą i silniejszą estetykę Grupę znaną jako Wiener Werkstätte, których preferencje dla znaczących angularnych i prostokątnych form zapamiętały A Bardziej precyzyjna, inspiracja przemysłowa, która pominęła wszelkie odniesienie otwarte dla natury.
Niniejsze powody cech projektowych wyprodukowanych maszynami zostało podkreślone w 1907 roku przez dwa kluczowe wydarzenia: instalację Behrens jako szefa całego korporacyjnego projektu AEG, od budynków po produkty i reklamy, co czyni go pierwszym projektantem przemysłowym na świecie; oraz niemiecka Fundacja Werkbund, formalny sojusz między przemysłowcami i projektantami, który coraz częściej próbował zdefiniować system rodzajów produktów oparty na standaryzacji. W połączeniu z nowym szacunkiem dla klasycyzmu i zainspirowana wystawą Universal Chicago w 1893 r Zadzwoń do późna Art Deco.
Jego czysto komercyjny charakter został wyrażony bardziej zwięźle na międzynarodowej wystawie Des Arts Deceraratifs Et Industries Modernes w Paryżu w 1925 r., Wydarzenie, które w latach 60. nadałoby nazwę temu Art Deco. W połączeniu z nowym szacunkiem dla klasycyzmu, zainspirowanym wystawą Universal Chicago w 1893 r późno Art Deco.
Postmodernistyczne wpływy sztuki Nouveau
Pomimo swojego krótkiego życia Art Nouveau miałaby wpływ w latach 60. i 70. XX wieku dla projektantów, którzy chcieli uwolnić się od restrykcyjnej, surowej, bezosobowej i corazalistycznej estetyki, która panowała w sztuce graficznej. Liniowe cechy swobodnego i niekontrolowanego przepływu sztuki Nouveau stały się inspiracją dla artystów takich jak Peter Max, których przywołanie alternatywnego doświadczenia psychodelicznego i snu pamięta wyobraźnią, efemeryczną i wolnym estetycznym światem swobodnego przepływu od początku wieku.
Zawsze uznawane od samego początku jako ważny krok w rozwoju modernizmu zarówno w sztuce, jak i architekturze, dziś sztuka jest mniej rozumiana jako przejściowy pomost między okresami artystycznymi i jest wyrazem stylu, ducha i intelektualnego myślenia o określonym czasie Ramka, skupiona wokół powrotu stulecia, w 1900 roku. W poszukiwaniu naprawdę nowoczesnej estetyki, sztuki Nouveau Stał się ostatecznym wizualnym językiem ulotnego momentu tamtych czasów.
Kuadros ©, słynna farba na twojej ścianie.
