Historia 10 najsłynniejszych religijnych obrazów sztuki zachodniej

Przez wieki sztuka chrześcijańska prezentowała wiele różnych rodzajów malarstwa, wykonanych w szerokim zakresie mediów.

Sztuka religijna wykorzystuje kwestie religijne i motywy, które na ogół mają rozpoznawalną narrację moralną lub próbują wywoływać silne emocje duchowe u widza. W świecie zachodnim sztuce religijnej można zdefiniować jako każde dzieło sztuki, które ma temat chrześcijański. Zachodnie malowanie religijne są zdominowane przez sceny ze Starego Testamentu i życia Jezusa Chrystusa.

Wśród najbardziej reprezentowanych tematów są przedstawienia Maryi Dzieci z Dzieciątkiem Jezusem i Chrystusem na krzyżu. Wiele z najsłynniejszych obrazów religijnych powstało podczas renesansu, wpływowego ruchu kulturowego, który powstał we Włoszech.

Trzej wielcy mistrzowie renesansu Leonardo da Vinci, Miguel Ángel i Rafael pojawiają się kilka razy na tej liście. Kadros przynosi 10 najbardziej znanych obrazów religijnych.

Nr 1 Utworzenie Adama - Miguela Ángela (1512)

Najsłynniejszą częścią dachu kaplicy Sykstyńskiej jest stworzenie Adama autorstwa Miguela Ángela. Ta scena znajduje się obok utworzenia EVA, która jest panelem pośrodku pokoju i zborem wód, które jest bliżej ołtarza.

Praca wykonana przez Miguela Ángela jest kamieniem węgielnym sztuki renesansowej. Obraz ilustruje biblijną narrację o stworzeniu Księgi Rodzaju, w której Bóg wprowadza życie Adama, pierwszego człowieka.

Stworzenie Adama różni się od typowych scen stworzenia namalowanych do tej pory. Tutaj dominują dwie postacie: Bóg po prawej i Adama po lewej. Bóg jest pokazany w pływającej mgławicy złożonej z zasłon i innych postaci. Kształt oparty jest na aniołach, które latają bez skrzydeł, ale których lot wyraźnie widać zasłony, które wyrastają pod nimi. Bóg jest reprezentowany jako stary człowiek, ale muskularny, z siarymi włosami i długą brodą, która reaguje na ruch lotu. Jest to dalekie od imperialnych obrazów Boga, który inaczej stworzył na Zachodzie i sięga czasu późnej starożytności. Zamiast używać prawdziwych ubrań i reprezentowany jako wszechmocny linijka, używa tylko lekkiej szaty, która pozostawia znaczną część jego rąk i nóg. Można powiedzieć, że jest to znacznie bardziej intymny portret Boga, ponieważ jest pokazany w stanie, który nie jest nietykalny i z dala od człowieka, ale dostępny dla niego.

W przeciwieństwie do postaci Boga, która jest rozszerzona i wysoka, Adam jest reprezentowany jako leniwa postać, która obojętnie reaguje na zbliżający się dotyk Boga. Ten dotyk nie tylko da życie Adamowi, ale da życie całej ludzkości. Jest to zatem narodziny rasy ludzkiej. Ciało Adama ma wklęsłą formę, która przypomina formę ciała Bożego, które znajduje się w wypukłej pozycji w mgławicy i pływającej formie. Ta korespondencja w jeden sposób z drugim wydaje się podkreślać szerszą ideę, że człowiek odpowiada Bogu; Oznacza to, że odzwierciedla ideę, że człowiek został stworzony na obraz i podobieństwo Boga, pomysł, z którym Michał Anioł musiał być znany.

Farba została bardzo przeanalizowana i, między innymi, odkryto, że krawędzie farby korelują z rowkami na wewnętrznej i zewnętrznej powierzchni mózgu, pnia mózgu, tętnicy podstawnej, przysadki mózgowej i Chiasma optyczna. Ręka Boga nie dotyka Adama, ale Adam już żyje, jakby iskra życia została przekazana przez rozszczep synaptyczny. Pod prawym Bożym ramieniem jest smutny anioł w obszarze mózgu, który czasami jest aktywowany w poszukiwaniach zwierząt domowych (tomografie), gdy ktoś doświadcza smutnej myśli. Bóg nakłada układ limbiczny, emocjonalne centrum mózgu i prawdopodobnie anatomiczny odpowiednik ludzkiej duszy. Prawe ramię Boga rozciąga się na kora przedczołowa, najbardziej twórczego i wyjątkowo ludzkiego regionu mózgu; Czerwony materiał otaczający Bóg ma kształt ludzkiej macicy; I uważa się, że zielony szalik jest nowo wyciętym pępowiną. Stworzenie Adama jest prawdopodobnie najbardziej znanym obrazem po Monie Lisie; Wraz z ostatnim obiadem jest to najbardziej replikowane malowanie religijne wszechczasów. Wizerunek prawie dotkniętych rąk Boga i Adama stał się ikoną ludzkości i został naśladowany i parodiowany niezliczone czasy.

Dach kaplicy sikstyńskiej doznał szkodliwych skutków stuleci dymu, które znacznie przyciemniło dach. Dopiero w 1977 r. Rozpoczęło się czyszczenie sufitowe. Czyszczenie było niesamowite po zakończeniu w 1989 roku; To, co wcześniej było mroczne i monotonne, stało się żywe. Zmiana wcześniejszego czyszczenia późniejszego czyszczenia była tak wielka, że ​​niektórzy początkowo odmówili, że Miguel Ángel namalował. Dziś rozumiemy kolorową paletę Michała Anioła Michała Angelo znacznie lepiej i świat, który namalował, pięknie uchwycony na dachu kaplicy Sykstine.

Kup reprodukcję stworzenia Adama autorstwa Miguela Ángela w sklepie internetowym Kadros

 Nr 2 The Ostatnia Wieczerza - Leonardo da Vinci (1495-1498)

Ostatnia kolacja, czyli włoski cenacolo, jedno z najbardziej znanych dzieł sztuki, namalowane przez Leonarda da Vinci, prawdopodobnie między 1495 a 1498 r. Dla dominikańskiego klasztoru Santa Maria Delle Grazie w Mediolanie.

Ten słynny obraz reprezentuje dramatyczną scenę opisaną w kilku momentach ściśle powiązanych w Ewangeliach, w tym Mateusza 26: 21-28, w którym Jezus oświadcza, że ​​jeden z apostołów go zdradzi, a następnie ustanowić Eucharystię. Zgodnie z przekonaniem Leonarda, że ​​pozycja, gest i ekspresja muszą manifestować „pojęcia umysłu”, każdy z 12 uczniów reaguje w taki sposób, że Leonardo uważał za odpowiedni dla osobowości apostołów. Rezultatem jest złożone badanie różnych ludzkich emocji, wyrażone w zwodniczo prostej kompozycji.

Leonardo nie pracował w tak dużym obrazie i nie miał doświadczenia w standardowym muralu fresku. Farba przeprowadzono przy użyciu eksperymentalnych pigmentów bezpośrednio na suchej ścianie tynku i, w przeciwieństwie do fresków, gdzie pigmenty są mieszane z wilgotnym tynkiem, upływ czasu nie był dobrze opierany. Jeszcze przed jego zakończeniem wystąpiły problemy z farbą Damera ściany, a Leonardo musiał ją naprawić. Z biegiem lat upadł, podlegał wandalizmowi, bombardowany i przywrócony. Dzisiaj prawdopodobnie widzimy bardzo mało oryginalnego obrazu.

Tematem Ostatniej Wieczerzy jest ostatnie jedzenie Chrystusa z jego apostołami, zanim Judasz identyfikuje Chrystusa przed władzami, które go aresztują. Ostatnia kolacja (uważa się, że odpowiada sederowi żydowskiej Wielkanocy), jest pamiętana o dwóch wydarzeniach: Chrystus mówi do swoich apostołów „jeden z was, zdradzi mnie”, a apostołowie reagują, każdy zgodnie z ich osobowością. Odnosząc się do Ewangelii, Leonardo reprezentuje Felipe pyta „Panie, prawda?” Chrystus odpowiada: „Ten, kto kładzie mi rękę na talerzu, da mi” (Mateusza 26). Widzimy, jak Chrystus i Judasz rozprzestrzeniają się jednocześnie w kierunku dania, które jest wśród nich, nawet gdy Judasz wraca do obrony. Leonardo jednocześnie reprezentuje Chrystusa błogosławiącego chleb i mówi apostołom „weź, jedz; To jest moje ciało „i błogosławienie wina i mówienie„ picie wszystkiego; Ponieważ jest to moja krew z paktu, która jest przelana za przebaczenie grzechów ”(Mateusza 26). Te słowa są momentem założycielskim Sakramentu Eucharystii (cudowna transformacja chleba i wina w ciele i krwi Chrystusa).

Zrównoważony skład jest zakotwiczony przez równoboczny trójkąt utworzony przez ciało Chrystusa. Siedzi pod łukowatym frontonem, który, jeśli zostanie ukończony, rysuje koło. Te idealne kształty geometryczne odnoszą się do renesansu zainteresowania neoplatonizmem (element humanistycznego odrodzenia, który pogodzi aspekty greckiej filozofii z teologią chrześcijańską). W swojej alegorii „La Cueva” grecki filozof Platon podkreślił niedoskonałość ziemskiego królestwa. Geometria, używana przez Greków do wyrażania niebiańskiej doskonałości, została użyta przez Leonarda do świętowania Chrystusa jako wcielenia nieba na ziemi. Leonardo narysował zielony krajobraz poza okna. Często interpretowane jako raj, zasugerowano, że to niebiańskie sanktuarium można osiągnąć tylko przez Chrystusa. Dwunastu apostołów jest ułożonych w czterech grupach trzech, a także trzy okna. Numer trzy jest często odniesieniem do Świętej Trójcy w sztuce katolickiej. Natomiast numer czwarty jest ważny w tradycji klasycznej (na przykład cztery cnoty Platona).

Od czasu ostatniej kolacji, kiedy został uznany za arcydzieło, mural zasłużył na pochwałę takich artystów, jak Rembrandt Van Rijn i Peter Paul Rubens oraz pisarze, tacy jak Johann Wolfgang von Goethe i Mary Wollstonecraft Shelley. Inspirował także niezliczone reprodukcje, interpretacje, teorie spiskowe i prace fikcyjne. Delikatny stan ostatniego obiadu nie zmniejszył atrakcyjności obrazu; Zamiast tego stało się częścią dziedzictwa dzieła sztuki. 

Kup reprodukcję ostatniego obiadu Leonardo da Vinci w sklepie internetowym Kadros 

Nr 3 Powrót syna marnotrawstwa - Rembrandt (1669)

W przypowieści syna marnotrawnego ojciec ma dwoje dzieci; Najmłodszy prosi o jego dziedziczenie, zmarnował fortunę i wrócił do domu po pozostaniu w nieszczęściu. Zamierza błagać ojca, aby uczynił go jednym ze swoich sług, ale ojciec z drugiej strony świętuje jego powrót. Kiedy jego najstarszy syn się sprzeciwia się, ojciec mówi mu, że świętują, ponieważ jego brat, który został utracony, odzyskał teraz sens.

Ostatnie słowo Rembrandta występuje w jego monumentalnym obrazie powrotu syna marnotrawnego. Tutaj interpretuje chrześcijańską ideę miłosierdzia z niezwykłą uroczystością, jakby to była jego duchowa wola świata. Wykracza poza dzieła wszystkich innych barokowych artystów w wywoływaniu humoru religijnego i ludzkiej sympatii. Moc realizmu starszego artysty nie zmniejsza się, ale wzrasta wraz z percepcją psychologiczną i świadomością duchową. Oświetlenie i ekspresyjny kolor i magiczna sugestia jego techniki, wraz z selektywną prostotą ustawienia, pomagają nam poczuć cały wpływ tego wydarzenia.

Główna grupa ojca i marnotrawny syn wyróżnia się w świetle na ogromnej ciemnej powierzchni. Szczególnie żywe są poszarpana sukienka syna i rękawy starszych, które są barwione ochra ze złotą oliwką; Kolor ochra w połączeniu z intensywną szkarłatną czerwienią w płaszczu ojca stanowi niezapomnianą kolorystyczną harmonię. Obserwator budzi się na poczucie niezwykłego wydarzenia. Syn, zrujnowany i obrzydliwy, z łysą głową i pojawieniem się wyrzutku, wraca do domu ojca po długich przygodach i wielu perypetiach. Zmarnował swoje dziedzictwo w obcych ziemiach i zatopił się w stanie Vagabund.

Jego stary ojciec, ubrany w bogate ubrania, podobnie jak asystent postaci, rzucił się, by przyjąć go przy drzwiach i otrzymał zagubionego syna z największą miłością ojca. Wydarzenie jest pozbawione jakichkolwiek chwilowych gwałtownych emocji, ale wznosi się do uroczystego spokoju, który nadaje liczbom niektóre cechy posągów i daje emocje trwały charakter, który nie podlega już zmianom w czasie. Niezapomniany jest obraz skruszonego grzesznika wspieranego przez klatkę piersiową ojca i starego ojca na jego syna. Cechy ojca mówią o wzniosłej i sierpniowej dobroci; Tak więc ich wydłużone ręce, nie wolne od sztywności starości. Cała reprezentuje symbol każdego powrotu do domu, ciemności ludzkiej egzystencji oświetlonej czułością, zmęczonej i grzesznej ludzkości, która schroni się w schronieniu Bożego miłosierdzia.

Warunkowe przesłanie, że ten słynny obraz przekazuje, jest jasne. Bóg zawsze wybaczy skruszonego grzesznika, cokolwiek się stanie.

Religijna ikonoklazja, która miała miejsce po uwolnieniu Holandii kolonialnego jarzma Hiszpanii i Kościoła katolickiego, przekształciły kościwońskie kościoły w gołe muszle, poświęcone kultowaniu, głoszeniu i modlitwie. Holenderskie władze nie miały ochoty ozdobić swoich miejsc kultu za pomocą ołtarzy, świeżych lub innych rodzajów sztuki religijnej do mówienia.

Z drugiej strony Holandia zasłynęła z holenderskiego realizmu, rodzaju stylu malarstwa i małego portretu płciowego, szczegółowego i wysoce realistycznego, z których wiele zawierało moralistyczne przesłania różnego rodzaju.

Trzecim typem sztuki, w której wyróżniali się holenderscy realistyczni artyści, był obraz martwej natury (zwłaszcza obrazu Vanitas), który zawierał również moralne przesłanie, czasem religijne. To było najbliższe, że wielu holenderskich przybyło do „sztuki protestanckiej”.

Dlatego jeszcze bardziej zaskakujące jest to, że holenderski protestancki malarz, taki jak Rembrandt, staje się tak wnikliwym tłumaczem scen biblijnych.

Kup reprodukcję powrotu syna marnotrawstwa - Rembrandt w sklepie internetowym Kuadros

Nr 4 Wesela Cana - Paolo Veronese (1562-1563)

Temat tego słynnego obrazu oparty jest na historii biblijnej opowiadanej w Ewangelii św. Jana (Jana 2: 1-11), na małżeństwie odbywających się w Kanie na Galilei, uczestnicząc w Maryi, Jezusie i jej uczniach. Pod koniec przyjęcia weselnego, kiedy wino zaczyna wyczerpać, Jezus prosi, aby kamienne słoiki były wypełnione wodą, którą nauczyciel zamienia się w wino. Ten odcinek, pierwszy z siedmiu znaków Ewangelii Jana, który potwierdza boski stan Jezusa, jest prekursorem Eucharystii.

Wesela Cana (lub bankiet ślubny Cana) autorstwa Paolo Veronese to olej na płótnie, który został namalowany w 1563 r. Dla klasztoru benedyktyńskiego w San Giorgio Maggiore w Wenecji. Veronese przetransportował biblijną historię na najnowocześniejszym etapie typowo ekstrawaganckiego weneckiego ślubu.
Ślub Cana łączy elementy kilku różnych stylów, dostosowując się do kompozycji rozdzielanie wysokiego renesansu - zilustrowane przez dzieła Leonardo, Rafaela i Miguela Ángela. Do tego dodało jedną lub dwie cechy manierstwa, a także liczbę alegorycznych i symbolicznych cech.

Treść obrazu składa się również ze złożonej mieszanki świętego i bluźnierskiego, religijnego i świeckiego, teatralnego i przyziemnego, europejskiego i wschodniego. Reprezentowany w wielkim stylu współczesnego społeczeństwa weneckiego, bankiet odbywa się na patio otoczonym przez kolumny Doric i Koryntian i graniczy z niską balustradą. W oddali widać wieżę portu, zaprojektowaną przez architekta urodzonego w Padwie Andrea Palladio. Na pierwszym planie grupa muzyków dotyka kilku lutów i instrumentów smyczkowych. Muzyczne postacie obejmują czterech wielkich malarzy Wenecji: samego Veronese (ubrany na biało, grający Viola da Gamba), Jacopo Bassano (na flecie), Tintoretto (skrzypce) i Tiziano (ubrana czerwień, dotykająca wiolonczeli).

Diners na stole dla nowożeńców, wszyscy czekają na nich, wraz z niepokojącą różnorodnością członków królewskiej, szlachcicami, urzędnikami, pracownikami, sługami i innymi, reprezentującymi reprezentatywną próbkę społeczeństwa weneckiego i sukienki na różne sposoby z biblijnym, weneckim lub orientalnym i ozdobione kostiumy ozdobione wystawnymi fryzurami i artykułami jubilerów. Liczne postacie historyczne pojawiają się na weselach Cana, w tym: cesarz Carlos V, Leonor de Austria, Francisco I Francji, Marii I z Anglii, Solimán The Magnificent, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardenal Poczusza i Sokollu Mehmet. W sumie reprezentuje się około 130 unikalnych postaci.

W pracy uwzględniono religijne symbole pasji wraz z luksusowymi srebrnymi naczyniami z XVI wieku. Meble, wygodne, dzban i szklane szklanki i wazony ujawniają imprezę w całej jej blasku. Każdy gość przy stole ma indywidualne miejsce, wraz z serwetką, widelcem i nożem. W tym duplikacji znaczenia żaden szczegół nie ucieka z oka artysty.
Malarz wybrał drogie pigmenty importowane ze wschodu przez weneckich kupców: pomarańczowe żółte, intensywne czerwone i lapislázuli są szeroko stosowane w zasłonach i w niebie. Kolory te odgrywają ważną rolę w czytelności malarstwa; Przyczyniają się, dla swoich kontrastów, do indywidualizacji każdej z postaci.

Uwaga: podczas gdy wiele postaci na obrazie oddziałuje ze sobą, żaden z nich tak naprawdę nie mówi. Ma to spełnić kodeks ciszy zaobserwowany przez wszystkich mnichów benedyktynowych w refektorze, w którym zdjęcie będzie zawieszone.

Przyjęcie weselne Cana zawiera wiele symboliki. Całe dzieło na przykład symbolizuje interakcję między ziemską przyjemnością a ziemską śmiertelnością. Za balustradą, na postaci Jezusa, zwierzę jest poświęcone, w aluzji do następnej ofiary Jezusa, takiego jak Baranek Boży, odniesienie, które opiera się na psie, który żuje kości u podnóża obrazu. Tymczasem po lewej stronie Jezusa Dziewica Maryja Ahueca jej ręce reprezentują kieliszek, który będzie zawierał nowe wino ludzkości, to znaczy krwi Chrystusa. Ponadto przed muzykami znajduje się zegarek piaskowy, standardowe odniesienie do przemijania ziemskich przyjemności, w tym ludzkiej próżności.

Benedyktyny klasztoru San Giorgio Maggiore de Venice zlecili ten ogromny obraz w 1562 r. Udekorowanie nowego refectory. Umowa, która popełniła Veronese w realizacji bankietu ślubnego, była niezwykle precyzyjna. Mnisi nalegali, aby praca była monumentalna, aby wypełnić całą ścianę refectory. Zawiesiony na wysokości 2,5 metra od ziemi, został zaprojektowany w celu stworzenia iluzji rozszerzonej przestrzeni. Ta praca 70 m² zajęła Veronese przez 15 miesięcy, najprawdopodobniej z pomocą jego brata Benedetto Caliari. Komisja była punktem zwrotnym w karierze Veronese; Po sukcesie obrazu inne społeczności religijne płakałyby o podobne dzieło we własnych klasztorach. Pomimo wyjątkowych wymiarów obraz został skonfiskowany, zapisany i wysłany do Paryża przez wojska Napoleona w 1797 r.

Kup reprodukcję wesel Cana de Paolo Veronese w sklepie internetowym Kadros

 Nr 5 The Athens School - Rafael (1509-1511)

Miliony oczu zachwyciły się wiecznym spotkaniem byłych filozofów i matematyków, mężów stanu i astronomów, które Rafel wyobraża sobie jasno na swoim słynnym fresku.

W szczególności, Fresco Rafaela, Ateny Symbolizuje Związek Sztuki, Filozofii i Nauki, która była charakterystyczną pieczęcią włoskiego odrodzenia. Malowane w latach 1509–1511, znajduje się w pierwszym z czterech pokoi zaprojektowanych przez Rafaela, Stanza della segnatury. W tym czasie prowizja papieża była granicą kariery każdego artysty. Dla Rafela była to walidacja już kwitnącej kariery.

Rafael spełnił wyzwanie, tworząc obszerny katalog szkiców przygotowawczych dla wszystkich swoich fresków. Zostaną one następnie rozszerzone do kreskówek o dużej skali, aby pomóc przenieść konstrukcję na mokry tynk. Pracując w tym samym czasie, co Miguel Ángel na dachu kaplicy Sykstine, uważa się, że pomogło to zwiększyć i zainspirować Rafaela poprzez stymulowanie jego konkurencyjnego charakteru.

Rafel przeniósł pomysł na zupełnie nowy poziom z masowymi kompozycjami, które odzwierciedlały filozofię, teologię, literaturę i orzecznictwo. Czytając jako całość, natychmiast przekazali intelekt papieża i spowodowaliby dyskusję między wykształconymi umysłami, które miały szczęście wejść do tej prywatnej przestrzeni. Szkoła Ateńska była trzecim zdjęciem, które Rafael ukończył po sporze (który reprezentuje teologię) i Parnassus (co reprezentuje literaturę). Jest on postawiony przeciwko sporze i symbolizuje filozofię, ustanawiając kontrast między przekonaniami religijnymi i świeckim.

School Athens School, osadzona w ogromnej iluzji architektonicznej, jest arcydziełem, które wizualnie reprezentuje koncepcję intelektualną. Na obrazie Rafael używał grup postaci do przedstawienia złożonej lekcji na temat historii filozofii i różnych przekonań opracowanych przez wielkich greckich filozofów. Rafael z pewnością byłby świadomy prywatnych wystaw Sistine Chapel w Progreso, które zostały zorganizowane przez Bramante.

Kim są postacie ze szkoły w Atenach?
Dwaj myśliciele samego Centrum, Arystoteles, po prawej i Platon, po lewej stronie, skierowany w górę, byli bardzo ważne dla ogólnie myślenia zachodniego. Na różne sposoby ich różne filozofie zostały włączone do chrześcijaństwa.

Po lewej Platonie Sokrates jest rozpoznawalny dzięki jego charakterystycznemu cechom. Mówi się, że Raphael może użyć starego portretu filozofa jako przewodnika. Zidentyfikuje go także gest jego dłoni, jak zauważa Giorgio Vasari w życiu artystów.

Na pierwszym planie Pitagoras siedzi z książką i atramentem, również w otoczeniu studentów. Chociaż Pitagoras jest dobrze znany ze swoich odkryć matematycznych i naukowych, mocno wierzył również w metempsychozę.
Odzwierciedlając pozycję Pitagorasa po drugiej stronie, Euclid jest skłonny do zademonstrowania czegoś z kompasem. Ich młodzi uczniowie próbują uchwycić lekcje, których uczą.

Wielki matematyk i astronom Ptolemeusz jest tuż obok Euclida, z powrotem do widza. Z żółtą szatą trzyma w dłoni balon. Uważa się, że brodaty mężczyzna zatrzymał się przed nim, trzymając niebiański balon jest astronomem Zoroastro. Co ciekawe, młody stojący obok Zoroaster, patrząc na widza, jest niczym innym jak samym Raphaelem. Włączenie tego rodzaju samego siebie nie jest czymś niespotykanym w tym czasie, chociaż odważnym ruchem dla artysty uwzględnienia jego podobieństwa do dzieła takiej złożoności intelektualnej.

Jest powszechnie akceptowane, że starszy Pan leżący na schodach jest diogenes. Założyciel cynicznej filozofii był w swoim czasie kontrowersyjną postacią, prowadząc proste życie i krytykował konwencje kulturowe.
Jedną z najbardziej uderzających postaci kompozycji jest przemyślany człowiek siedzący na pierwszym planie, z ręką w głowie w klasycznej pozycji „myśliciela”.

W dziedzinie filozofów jest Heraklitusem, pionierem mądrości samoutyce. Był postacią melancholijną i nie lubił towarzystwa innych, co czyniło go jedną z niewielu postaci odizolowanych od fresku.

Ukończając program Rafaela, dwa wielkie posągi znajdują się w niszach z tyłu szkoły. Po prawej Platonie widzimy Apollo, a po lewej stronie Arystotelesa znajduje się Minerva. Minerva, bogini mądrości i sprawiedliwości, jest odpowiednim przedstawicielem po stronie filozofii moralnej fresku. Co ciekawe, jego pozycja zbliża go również do fresku Rafaela o jurisprudence, który rozwija się bezpośrednio po jego lewej stronie.

Kup odtwarzanie w Rafael Athens School w sklepie internetowym Kuadros

Nr 6 Przekształcenie - Rafael (1520)

 

O odpowiedzialne w 1517 r. Przez kardynała Giulio de 'Medici (1478-1534) (z Florentine Medici Family), który wkrótce stanie się papieżem Clemente VII (1523-34), jako ołtarzem francuskiej katedry Narbonne (w konkursie z konkurencją Zmartwychwstanie Lázaro z Sebastiano del Piombo), którego był arcybiskupem, to słynne dzieło sztuki religijnej zostało niedokończone przez Rafaela na śmierć w 1520 r., A jego asystenci Giulio Romano (1499-1546) i Giovanni Francesco Penni (1496 - 1536).

W końcu kardynał zachował obraz w Rzymie i, uzyskując dostęp do papiestwa w 1523 r., Dał go kościołowi San Pietro w Montorio w Rzymie. W 1774 r. Nowy papież Pius VI (1775–99) zamówił kopię w mozaice i zainstalował ją w bazylice San Pedro. Sam obraz został zrabowany przez Napoleona w 1797 r. I zabrany do Paryża, skąd został repatriowany w 1815 roku.

Ta praca mówi dwa niepowiązane wydarzenia biblijne. Powyżej znajduje się historia przemienności Chrystusa. W dolnej części jest historia młodego mężczyzny, który jest opętany przez demona.

Jezus pokazuje się na szczycie góry Tabor (Izrael) z białą szatą, taką jak błyszczący śnieg, a obok niego prorocy Mojżesz po prawej i Eliasz po lewej stronie. Chmury za Jezusem są oświetlone. Jezus podnosi ręce i patrzy na Boga.

Pod Jezusem jest trzech Jego uczniów, od lewej do prawej, Santiago, Pedro i Jan. Pokrywają twarz rękami, ponieważ niebo jest zbyt jasne dla jego oczu. Dwie postacie po lewej to prawdopodobnie Justus i Pastor. Są to dwóch chrześcijańskich męczenników, na które poświęcony jest kościół, w którym obraz miał początkowo umieścić.

Poniżej można zobaczyć dziewięciu uczniów Jezusa, którzy nie poszli na górę ustawioną po lewej stronie. Próbują wyleczyć młodego człowieka, który jest opętany przez złego ducha. Figurą niebieskiej tuniki w dolnej lewej jest prawdopodobnie Mateo. Skonsultuj się z książką, ale nie znajdź rozwiązania, aby wyleczyć młodego mężczyznę. Młody uczeń żółtej tuniki to Felipe. Po prawej stronie Felipe, z czerwoną szatą, są andrés. Mężczyzna za Andrésem, wskazującym na chore dziecko, jest Judas Tadeo, a najstarszym człowiekiem po jego lewej stronie jest Simon. Mężczyzna po skrajnej lewicy jest prawdopodobnie Judas Iscariot. Uczniowie nie mogą wyleczyć młodego człowieka. To może wyjaśnić, dlaczego czerwony uczniowie wskazuje Jezusowi na szczycie góry. Chory młody człowiek po prawej ma niebieski materiał owinięty wokół talii i wygląda bardzo blado, robiąc dziki gest. Możesz zobaczyć, że twoje oczy wyglądają w różnych kierunkach. Mężczyzna za nim z zieloną szatą jest jego ojciec, który go trzyma i jednocześnie patrzy na uczniów z nadzieją i strachem. Przed młodym mężczyzną dwie kobiety patrzą na uczniów, wskazując na młodego mężczyznę.

Obie historie opisano w Mateusza 17, Marcos 9 i Łukasza 9. Historia biblijna opisuje, w jaki sposób Jezus przekształca się w promienną chwałę, gdy modli się z trzema swoimi uczniami na górze. Jezus rozmawia z Mojżeszem i Eliaszem, a także słucha głosu Boga. Partia przemieszczania jest nadal obchodzona w wielu kościołach, albo 6 sierpnia lub 19 sierpnia.

Wymiary transfiguracji wynoszą 403 x 276 cm. Rafael wolał malować na płótnie, ale ten obraz został wykonany z obrazów olejnych na drewnie jako wybranych mediów. Rafael faktycznie pokazał zaawansowany maniery i techniki okresu barokowego na tym obrazie. Stylizowane i skręcone pozy postaci dolnej połowy wskazują manieryzm. Dramatyczne napięcie w tych postaciach i liberalne użycie światła do ciemności lub kontrasty Chiaroscuro reprezentują barokowy okres przesadnego ruchu w celu wytwarzania dramatu, napięcia, entuzjazmu lub oświetlenia. . Transfiguracja Przeszedł do swojego czasu, tak jak śmierć Raphaela przyszła za wcześnie.

. Transfiguracja była ULasto świetne dzieło Rafaela i niewątpliwe arcydzieło Alto włoskiego renesansu, jest teraz w apostolskiej Pinacoteca, jednej z muzeów Watykańskich. W wyniku ważnej renowacji przeprowadzonej w 1977 r. Przez ekspertów ds. Ochrony Watykańskiej, paleta kolorów Rafael Renaissance jest teraz całkowicie widoczna, a obraz odzyskał swój nieskazitelny blask. Przywrócenie rozproszyło również wszelkie trwałe pytania dotyczące twórcy obrazu. Choć niedokończone, to wspaniałe arcydzieło było całkowicie produktem geniuszu Rafaela.

Kup reprodukcję przemienność Rafaela w sklepie internetowym Kadros

Nr 7 Ostateczny wyrok - Miguel Ángel (1475-1564)

 

Kuadros przygląda się czytelnikowi bliżej historii tego kultowego fresku, aby lepiej zrozumieć, w jaki sposób ostateczny wyrok miał trwały wpływ na świat sztuki religijnej.

Zachodnie religie prorockie (to znaczy Zoroastryzm, judaizm, chrześcijaństwo i islam) opracowały koncepcje ostatecznego osądu, które są bogate w obrazy.

„Przyjdzie, aby osądzić żywy i martwy” (z wyznania apostołów, jednego z pierwszych stwierdzeń wiary chrześcijańskiej).

Ostatni wyrok był jednym z pierwszych dzieł sztuki, które Paweł III zlecił zostać wybranym na papiestwo w 1534 roku. Kościół, który odziedziczył, był w kryzysie; Zabranianie Rzymu (1527) było nadal niedawnym wspomnieniem. Paweł próbował zająć się nie tylko wielu nadużyć, które spowodowały reformę protestancką, ale także potwierdzić legitymację Kościoła katolickiego i ortodoksję jego doktryn (w tym instytucja papiestwa). Sztuki wizualne odegrałyby kluczową rolę w ich programie, poczynając od przesłania, które zwrócił się do swojego intymnego kręgu, kiedy zlecił ostateczny wyrok.

Malowany, gdy Miguel Ángel był całkowicie w swoim dojrzałym stylu, dzieło sztuki wywarło natychmiastowy wpływ i spowodował kontrowersje. Podczas gdy ten ostateczny osąd ludzkości nie był niezwykłym tematem dla artysty renesansu, Miguel ángel zrobił to wyłącznie za pomocą stylu, który został doceniony i poniżany.

Ta nowa ściana kaplicy Sykstyńskiej miałaby konkretny temat: ostateczny wyrok. Opis drugiego przyjścia Jezusa Chrystusa i ostateczny sąd Boga na ludzkości był popularnym tematem w całym renesansie. Wizja Miguela Ángela na ten temat z czasem stała się kultowa. Na fresku widzimy ponad 300 postaci namalowanych przez ekspertów, aby przeprowadzić tę historię. Chrystus siedzi pośrodku, a jego ręka podniesiona, by ocenić skazanych, którzy zatopiają się w głębi piekła. W przypadku pofałdowaniach mięśni ten Chrystus jest imponującą postacią. Po jego lewej stronie siedzi Dziewica Maryja. Przyjął opublikowane posiadanie i patrzy na tych, którzy zostali uratowani. Zaraz wokół tej centralnej pary znajduje się grupa ważnych świętych. San Pedro, który ma klucze niebios, a św. Jana Chrzciciela są pokazywane na taką samą skalę co Chrystus. Caronte i dusze skazanych. Kompozycja ogólna obraca się w ruchu płynnym, a osoby zbawieni na lewo od Chrystusa na zdjęciu unosząc się z ich grobów, podczas gdy skazani zostaną popchnięci do piekła. W dolnej części fresku widzimy Caronte, mitologiczną postać. W mitologii greckiej i rzymskiej przetransportował dusze do podziemnego świata. Tutaj zabiera je bezpośrednio do piekła, które jest pełne makabrycznych postaci.

Jako Dante w swoim wielkim epickim wierszu, Boska komedia, Miguel Ángel starał się stworzyć epicki obraz, godny wielkości chwili. Użył metafor i aluzji, aby ozdobić swój temat. Jego wykształcona publiczność zachwyciłaby jego wizualne i literackie odniesienia. Pierwotnie przeznaczone dla ograniczonej publiczności, ryciny reprodukcyjne fresku rozprzestrzeniły go szybko wszędzie, umieszczając go w animowanych debatach centralnych na temat zalet i nadużyć sztuki religijnej.

Podczas gdy niektórzy dopingowali ten słynny obraz jako szczyt osiągnięć artystycznych, inni uważali go za uosobienie wszystkiego, co mogłoby pójść nie tak z sztuką religijną i poprosili o ich zniszczenie. Ostatecznie osiągnięto zobowiązanie. Krótko po śmierci artysty w 1564 r. Daniele da Volterra została zatrudniona do pokrycia Nalga i angielskiego nago z częściami zasłon i odmalowania Santa Catalina de Alejandría, pierwotnie przedstawiona bez ubrań, a San Blas, która zawieszała ją za groźbą stalowymi zamieszkami (What Iegh Waish !).

W przeciwieństwie do jego ograniczonej publiczności w XVI wieku, teraz tysiące turystów codziennie widzi ostateczny sąd. Jednak podczas papieskich konklawetów po raz kolejny staje się potężnym przypomnieniem dla Cardinal College of jego miejsce w historii zbawienia, ponieważ spotykają się, aby wybrać ziemskiego namiestnika Chrystusa (następnego papieża), osobę, którą będzie odpowiedzialny za wypasanie wierny. W społeczności wybranych.

Kup reprodukcję ostatniego wyroku Miguela Ángela w sklepie internetowym Kadros

Nr 8 The Tower of Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

Zgodnie z historią Starego Testamentu Bóg ukarał ludzkość na trzy sposoby.

Pierwszym było wydalenie Adama i Evy z Edenu po grzechu pierworodnym. Potem nadeszła wielka powódź, kara za mnogość ludzkich niegodziwości. A trzecim było wtedy, gdy Bóg, nieufny do dumy i domniemania obywateli brutalnego nowego miasta Babilon, „pomylił mowę wszystkich i rozprzestrzenił ich przez szeroką twarz ziemi”.

Co zrobili Babilończycy zapalne? W oczach Boga zakwestionowali porządek rzeczy z zadeklarowanym pragnieniem zostania „wielkim ludem”, reprezentowanym przez budowę ogromnej wieży „z guzkiem, który dociera do Nieba”. Ludzie mieli aspirować do tak wysokich wysokości, zarówno fizycznych, jak i metaforycznych. Karą wybraną przez Boga za to było zakończenie wspólnego języka, który zjednoczył wszystkie narody, i stworzenie mnogości różnych języków „aby nie można ich zrozumieć”. Powstałe zamieszanie oznaczało, że „budowa miasta dobiegła końca”. Według Biblii „Właśnie dlatego miasto nazywało się Babel” lub Babilon. Ze wszystkich reprezentacji artystycznej tej wielkiej wieży, która tak bardzo obraziła Boga, najbardziej pamiętny jest wieża Babel autorstwa Pietera Bruegel El Viejo (1563).

Ten słynny obraz, jeden z wielu obrazów poświęconych sztuce religijnej, był drugą z trzech wersji Babel Tower namalowanej przez Pietera Bruegel. Pierwsza wersja (teraz zagubiona), była miniaturą z kości słoniowej, która była w ekwipunku włoskiego miniaturysty, urodzonego w Chorwacji Giulio Clovio (1498-1578), z którym Bruegel współpracował w Rzymie w 1553 r. Trzecia wersja była mniejszą pomalowaną olejem. na drewnie, datowany na 1564, który znajduje się obecnie w Muzeum Boijmans van Beuningen w Rotterdamie. Ogólnie uważa się, że malarstwo Rotterdama pochodzi z około roku po wizerunku wiedeńskiego. „Wielka” wiedeńska wieża jest prawie podwójna niż „mała” wieża Rotterdamu i charakteryzuje się bardziej tradycyjnym leczeniem tematu. Na podstawie Księgi Rodzaju 11: 1-9, w którym Pan myli ludzi, którzy zaczęli budować „wieżę, której szczyt może dotrzeć do nieba”, obejmuje, jak to nie robi inna wersja, scena króla Nimroda i jego świty. Przed mnóstwem klęczących pracowników. To wydarzenie nie jest wymienione w Biblii, ale zostało sugerowane w antykach Żydów z Flavio Josephusa.

Dla Bruegela było to ważne, ponieważ podkreślił grzech dumy i arogancji króla, który ma podkreślić obraz.

Szczegółowy realizm Tower of Babel przedstawia wiele drobiazgowych szczegółów, bez wątpienia związanych z budową budynku, według skomplikowanej wiedzy Bruegela na temat technik budowy, nabytych podczas wykonywania kilku obrazów ilustrujących wykopy bursztyn kanał. Po prawej stronie jest ogromny dźwig, bardzo podobny do tego, który jest widocznie umieszczony na porcie w Grimani Breviary.

Mrówki podobni pracownicy są zajęci noszeniem go z ogromnymi kamiennymi płytami, które otrzymali od dołu i przejdą do górnej rampy, gdzie inni są przygotowani do ich przyjęcia. Pracownik idzie po drabinie w kierunku tej sekcji, która jest przekształcana ze skały w architekturę ustrukturyzowaną przez wielu innych ludzi. Po lewej części fasady już kończy się częściowo; Kobieta wchodzi przez jedną z drzwi, drabina pojawia się przez jedno z górnych okien. Powyżej kolejna duża mnóstwo pracowników działa na dachu i tak dalej do nieskończoności.

Niezależnie od uzasadnienia tych indywidualnych działań, a ten punkt nie został jeszcze całkowicie zbadany, widz natychmiast odczuwa groteskową niewydolność mediów inżynieryjnych, a także szaleństwo całej firmy budowlanej.

Jako pracowite są te „mrówki”, spotykają się z desperackimi przeciwnościami, które są doskonale wykazane. W tym samym poziomie zakończenie ostatniego szczegółu sprzeciwia się nagim początkom, ze średnimi etapami pośrodku, co wskazuje na szalony wyścig z nieubłaganym czasem, podczas gdy górna część jest nadal atakowana przez chmury.

Kiedy spojrzeliśmy na obraz Bruegela i próbowaliśmy go zinterpretować, jesteśmy również zanurzeni w ćwiczeniu tłumaczeniowym: czy po prostu nadał wizualną ekspresję historii biblijnej? A może próbowałem zrobić coś szerszego? Lub po prostu kombinację obu?

Nie powinno nas zaskoczyć, że w świecie sztuki niekoniecznie istnieje zgoda na intencje Bruegela. Zamiast być otwarcie kontrowersyjnym, nauczyciel osadził swoją pracę ze znakami i zostawia nas, jego wierni widzowie, aby zinterpretować je dla siebie.

Kup reprodukcję Torre de Babel przez Pieter Bruegel El Viejo w sklepie internetowym Kuadros

Nr 9 Virgen del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

Virgen del Jilguero, jeden z florenckich paneli Rafaela, został namalowany przez Rafaela za małżeństwo jej przyjaciółki Lorenzo Nasi i Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. Obraz został poważnie uszkodzony po częściowym upadku domu Nasi w 1547 r., Jak wspomina Vasari. Następnie prawdopodobnie został przywrócony przez Michele Di Ridolfo del Ghirlandio (Michele Tosini), współpracownik w warsztacie Ghirlandio, który był głęboko pod wpływem Rafaela.

Dziecko Jezus z miłością gładzi ptaka Jilgueza, które właśnie dało mu dziecko baptystów. Symbol pasji (szczyt, ponieważ żywi się między cierniami) jest zatem połączony w scenie, która na pierwszym poziomie znaczenia można postrzegać po prostu jako dzieci.

Rafael pochłonął osiągnięcia sztuki florenckiej, która była w tym czasie na pierwszym planie w Europie. Na artystę silnie wpłynęła postać Leonarda. Wpływ wielkiego artystów-artysty, objawia się pięknej Madonna del Jilguero („Madonna del Cardellino”) (1506), niedawno odnowionej (2008) mądrze i wykwalifikowanej. Rafael przyjmuje podejście do składu piramidalnego, miękkie skutki szczupłego światła i emocjonalnego dialogu między bohaterami, ujawniając elementy obrazu Leonarda. Mimo to jasne jest również, jaki będzie osobisty styl Rafaela: ekstremalna słodycz twarzy, szczególnie Madonnas, mistrzowskie użycie kolorów, realistyczne reprodukcję krajobrazu i głębokie intymność między postaciami.

Dziewica Maryja jest ubrana na czerwono i niebieski. Czerwony jest symbolem pasji Chrystusa, a niebieski jest symbolem Kościoła i Maryi. Był to jeden z najdroższych pigmentów, a zatem właściwe do użycia w ważnej postaci, takiej jak Maria. Europejskie Jilguero jest związane z ukrzyżowaniem Jezusa. Na tym obrazie św. Jan przekazuje ptaka Jezusowi jako ostrzeżenie o swojej gwałtownej śmierci. Z książki, którą trzyma Mary, eksperci zidentyfikowali słowa „sedes sapientiae”. Jest to jeden z tytułów oddania przyznanych Maryi i oznacza „siedzibę mądrości”. Podkreśla, że ​​Maryja urodziła Jezusa (który reprezentuje mądrość). Kiedy Maryja jest reprezentowana w roli „siedziby mądrości”, zwykle pokazuje go na tronie z Jezusem na kolanach. Jednak w tym przypadku skała, na której czuje się Maria, służy jako tron.

Na obrazie widać kilka kwiatów. Chociaż nie wszystkie kwiaty zostały jednoznacznie zidentyfikowane, wielu uważa, że ​​kwiaty są: zawinki (które reprezentują ból Maryi przez pasję Jezusa), Margaritas (które reprezentują niewinność Dziecka Jezusa), banany (które reprezentują drogę podążaj za Jezusem) i fiołkami. (który reprezentuje pokorę).

W sztuce europejskiej szczyt jest często używany jako symbol. Europejski Jilguero, Carduelis Carduelis, ma czerwoną twarz i głowę w kolorze czarno -białym. Setki obrazów odrodzenia reprezentowały Jilguero. Europejskie jilguero jest często kojarzone z zmartwychwstaniem, ale także z duszą, ofiarą i śmiercią. Legenda głosi, że gracz otrzymał czerwoną plamę na głowie podczas ukrzyżowania Jezusa, gdy chciał zerwać cierń z Korony Jezusa, a kropla krwi Jezusa rozpryskała głowę. W rzeczywistości wiadomo, że gracz zjada tętnią i ciernie, a zatem był związany z koroną cierni, których Jezus użył w Jego ukrzyżowaniu.

Krajobraz, a zwłaszcza zawierane przez niego formy architektoniczne, odzwierciedla wpływ sztuki flamenco, chociaż nadal jest ustrukturyzowany na drodze Umbrii. Wpływ ten był tak żywy we Florencji, jak we Urbino w drugiej połowie Quattrocento. Być może jest bardziej widoczny na nachylonych dachach i wysokich igłach, nietypowych elementach w śródziemnomorskim krajobrazie. Wpływ Miguela Ángela jest ponownie widoczny w dobrze ustrukturyzowanej postaci dziecka Chrystusa.

Ten słynny obraz doznał poważnych szkód pod koniec XVI wieku z powodu upadku budynku, w którym był. Odczuł poważne szkody, takie jak głębokie i długie cięcia, które zniekształciły drewniany panel. Wiele uzupełnień nastąpiło na przestrzeni wieków, ale tylko dzięki ostatniemu (Made w 2008 r.) Prace powróciły do ​​pierwotnego blasku. Dlatego Virgen del Jilguero może być ponownie kochany i podziwiany jako jeden z najpiękniejszych przykładów wielkiego malarza Rafaela „boskiego”.

Kup reprodukcję Virgen del Jilguero - Rafael w sklepie internetowym Kadros

Nr 10 Chrystus of San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 Chrystus San Juan de la Cruz został namalowany przez hiszpańskiego surrealistycznego malarza Salvadora Dalí w 1951 r. W czasach, gdy wyłonił się z silnego anty -religijnego ateizmu od młodości i ponownie przytulił wiarę katolicką.

Bez wątpienia najbardziej znanym dziełem religijnym Dalí jest jego „Chrystus of San Juan de la Cruz”, którego postać dominuje w Zatoce Port Lligat. Obraz został zainspirowany rysunkiem, zachowanym w klasztorze wcielenia w ávila w Hiszpanii i wykonany przez samego San Juan de la Cruz po tym, jak widział tę wizję Chrystusa podczas ekstazy.

W obrazie Dali ludzie obok statku wywodzą się z wizerunku Le Naina i rysunku Diego Velázqueza dla poddania Bredy. Pod koniec swoich studiów dla Chrystusa Dalí napisał: „Po pierwsze, w 1950 r. Miałem„ kosmiczny sen ”, w którym widziałem ten kolorowy obraz i że we śnie reprezentowało jądro atomu. To jądro Później nabyłem metafizyczny sens: rozważałem „Jedność wszechświata”, do Chrystusa! Po drugie, kiedy dzięki instrukcjom Ojca Bruno, karmelitu widziałem Chrystusa narysowanego przez świętego Jana Krzyża, pracowałem geometrycznie trójkąt i okrąg, który estetycznie podsumował wszystkie moje poprzednie eksperymenty i zapisał mojego Chrystusa do tego trójkąta. ”

W portrecie Salvador Dalí pomysłowo użył dwóch różnych realistycznych kolorów, które obejmują niebieski i zielony, aby przedstawić niesamowity krajobraz morza, prawdopodobnie alegoria dla morza Galilei. Malarz użył unikalnej techniki do malowania morza na poziomie oczu, podczas gdy ciało Chrystusa wisi w powietrzu krzyża. Za krzyżem malarz używał czarnej farby olejnej. Miało to uczynić ciało Chrystusa centrum uwagi.

Dalí był w stanie przedstawić mięśnie Chrystusa drobnym tonem. Poza tym udało mu się pomalować cienie, które stworzyły głębokość. Ponadto Salvador namalował odległe góry na wysokości oczu. Na dole obrazu widać samotnego człowieka stojącego na dokach z jego łodzią. Znany malarz był w stanie połączyć realistyczne kolory i uporządkowany projekt, aby stworzyć imponujący surrealistyczny portret postaci religijnej.

Mówiono, że oryginalna wersja z XVI wieku przedstawia ukrzyżowanie z punktu widzenia, w którym umierający osoba zobaczy ją, gdy pokaże ją czci.

Dalí sprawia, że ​​widzimy Chrystusa i krzyż bezpośrednio z góry i patrzymy w dół w zestawie chmur pod i ziemią pod spodem. Jest to perspektywa niebiańska, w rzeczywistości Boga Ojca. Interesujące jest to, że Syn, Chrystus, podziela tę samą perspektywę co Ojciec: jego punkt widzenia podąża i kontynuuje do Ojca. Czwarta Ewangelia podkreśla, że ​​Syn pochodzi od Ojca i jest z nim jeden, widząc i robiąc wszystko, co mu mówi Ojciec. W pewnym sensie ojciec oferuje również synowi światu, aby go uratować.

W malarstwie Chrystusa San Juan święte serce Jezusa nie jest odzwierciedlone zewnętrznie, ale jest zaangażowane w artystyczne rozmieszczenie siły, która pokonuje igresyny krzyża. Dalí maluje nam zwycięski Chrystus. Pokazuje, że Chrystus San Juan de la Cruz wygasa na śmierć z miłości.

W „Chrystusie San Juan de la Cruz” z Dalí, Jezus zawiesił się z krzyża, rozbroił moc i władze i uczynił je publicznym spektaklem, triumfując nad nimi mocą ich miłości na krzyżu (Kol. 2: 15).

Zatem krzyż jest miejscem, w którym dobro wygasa na zło, w którym ciemność jest pokonana przez światło, w którym ziarno kobiety w końcu zmiażdży głowę węża (Rdz 3:15), gdzie oskarżenia o świat zostały zniszczone i przybite podczas przekraczania. Przede wszystkim właśnie tam miłość podbija nienawiść i wszystkie formy złośliwości.

Ta słynna praca Dalí została uznana przez ważnego krytyka sztuki, gdy został po raz pierwszy wystawiony w Londynie. Jednak kilka lat później został przecięty przez fana, gdy został zawieszony w Muzeum Glasgow, dowód niesamowity przeciwny wpływ na widzów.

Na obrazie istnieje kilka perspektyw, znak fenomenalnego talentu Dalí.

Ponieważ prace Dalí nie są jeszcze w domenie publicznej, Kadros nie tworzy replików tego malarza, oczywiście nie przestaje go podziwiać. 

Kuadros ©, słynna farba na twojej ścianie.