Podstawy historii sztuki pochodzą z dziesiątek tysięcy lat, kiedy starożytne cywilizacje wykorzystywały techniki i środki, aby reprezentować istotny kulturowo temat. Z tych pierwszych przykładów podążali za wieloma ruchami artystycznymi, z których każdy ma swoje różne style i cechy, które odzwierciedlają wpływy polityczne i społeczne okresu, z którego się powstały.
Co oznacza fauvism i czym jest sztuka koncepcyjna? Mówienie o sztuce wydaje się dyscypliną samą w sobie, a jeśli jesteś nowy w świecie sztuki, prawdopodobnie masz wiele pytań, zwłaszcza na temat każdego ruchu sztuki i różnych rodzajów sztuki.
Wpływowe gatunki sztuki, od renesansu po pojawienie się modernizmu, niewątpliwie pozostawiły swój ślad w historii.
Mając jasne pojęcia o historii i znaczeniu jej ruchów artystycznych, będziemy lepiej zrozumieć, w jaki sposób znani artyści, tacy jak Van Gogh, Picasso i Warhol rewolucjonizowali świat sztuki.
Kadros dokonał dla Ciebie listy najważniejszych ruchów.
Nr 1 Włoski renesans (1400–1550)
Niektórzy wykładnicy: drzwi Giberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel ángel, Rafael.
Pod koniec XIV wieku d. C., garstka włoskich myślicieli oświadczyła, że mieszkają w nowej erze. Barbara, nie oświetlona „średniowiecza”; Nowym byłby „rinincità” („renesans”) nauki i literatury, sztuki i kultury. To były narodziny okresu znanego obecnie jako renesans. Przez wieki uczeni zgodzili się, że włoskie odrodzenie (inne słowo „odrodzenie”) wydarzyło się dokładnie w ten sposób: między czternastym a siedemnastym wiekiem, nowym i nowoczesnym sposobem myślenia o świecie i miejscu człowieka człowieka w nim w nim Zastąpił stare pomysły. W rzeczywistości wiele osiągnięć naukowych, artystycznych i kulturowych w zakresie renesansu SAM podziela wspólne kwestie, zwłaszcza humanistyczne przekonanie, że człowiek był centrum jego własnego wszechświata.
Włoski renesans w kontekście Włochy z XV wieku różniły się od każdego innego miejsca w Europie. Został podzielony na niezależne miasta, każde z inną formą rządu. Florencja, gdzie rozpoczęła się włoski odrodzenie, była niezależną republiką. Był to także stolica banku i komercyjna, a po Londynie i Konstantynopola trzecim co do wielkości miastem w Europie. Bogate Florentinowie obnosili swoje pieniądze i mogli zostać patronem lub zwolennikami artystów i intelektualistów. W ten sposób miasto stało się centrum kulturalnym Europy i renesansu.
Można powiedzieć, że renesans został podzielony na dwie części:
Podczas wczesnego odrodzenia artyści zaczęli odrzucić bizantyjski styl malarstwa religijnego i walczyli o tworzenie realizmu w reprezentacji ludzkiej formy i przestrzeni. Ten cel w kierunku realizmu zaczął się od Cimabue i Giotto i osiągnął szczyt sztuki „doskonałych” artystów, takich jak Andrea Mantegna i Paolo Uccello. Podczas gdy religia była ważnym elementem codziennego życia ludzi, którzy żyli podczas renesansu, widzimy również nową drogę otwartą do westchnienia: motyw mitologiczny. Wskazuje wielu uczonych Narodziny Wenus z Botticelli jako pierwszego obrazu panelowego mitologicznego sceny.
Okres znany jako wysoki odrodzenie stanowi kulminację celów wczesnego odrodzenia. Najbardziej znanymi artystami tej fazy są Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano i Miguel Ángel. Jego obrazy i świeże należą do najbardziej znanych dzieł sztuki. Ostatnia Wieczerza Da Vinci, Szkoła Ateńska Rafael i obrazy dachu kaplicy Miguela Ángel są arcydziełami tego okresu i ucieleśniają elementy wysokiego renesansu.
Kup reprodukcję Lisy Mona w sklepie internetowym Kadros
Nr 2 Barocco (1600–1750)
Niektóre wykładniki: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Barokowy termin ostatecznie wywodzi się z włoskiego słowa Barocco, którego filozofowie używali w średniowieczu do opisania przeszkody w logice schematycznej. Następnie słowo to przyczyniło się do oznaczenia wszelkiego pokręconego pomysłu lub procesu zaangażowanego myślenia. Innym możliwym źródłem jest barokowe portugalskie słowo (hiszpańskie Barrueco), które służy do opisania nieregularnej lub niedoskonałej perły, a zastosowanie tego nadal przetrwa w barokowej perły jubilera. Barok to ruch w sztuce i architekturze opracowany w Europie od początku XVII wieku do połowy XIX wieku. Podkreśla dramatyczny i przesadzony ruch oraz jasne i łatwe do interpretacji szczegóły, które są dalekie od surrealizmu, do wytwarzania dramatu, napięcia, entuzjazmu i wielkości.
Pierwsze przejawy, które miały miejsce we Włoszech, pochodzą z ostatnich dziesięcioleci XVI wieku, podczas gdy w niektórych regionach, szczególnie w Niemczech i kolonialnej Ameryce Południowej, pewne kulminacyjne osiągnięcia baroku miały miejsce dopiero w XVIII wieku.
Artyści nadal ożywili ideały piękna renesansu, wpajając dzieła sztuki, muzyki i architektury czasów mrugnięcia do klasycyzmu jeszcze bardziej poprawione przez nową żywiołową ekstrawagancję i skłonność do Ordate. Ten wysoce zdobiony styl został wymyślony jako barok i charakteryzował się innowacyjnymi technikami i szczegółami, oferując nowy i bujny język wizualny w stosunkowo osłabionym okresie dla sztuki. Barok rozprzestrzenił się w całej Europie, skierowany głównie przez papieża w Rzymie i katolickich władców we Włoszech, Francji, Hiszpanii i Flandrii. Jeszcze bardziej rozprzestrzeniał potężne rozkazy religijne poprzez rozległą sieć klasztorów i klasztorów. Styl szybko rozciągał się na Francję, północne Włochy, Hiszpania i Portugalia, a następnie do Austrii i południowych Niemiec.
Barokowy styl, który rozwinął się z tego programu, był paradoksalnie, zmysłowy i duchowy; Podczas gdy naturalistyczne leczenie spowodowało, że wizerunek religijny był bardziej dostępny dla przeciętnego parafian, zastosowano dramatyczne i iluzoryczne efekty do stymulowania pobożności i oddania oraz przeniesienia wrażenia blasku boskości. Dachy barokowych kościołów rozpuszczały się w malowanych scenach, które przedstawiały obserwatorowi żywe wizje nieskończoności i kierowały zmysły na niebiańskie obawy.
Podczas gdy temat, a nawet styl mogą różnić się między obrazami barokowymi, większość elementów tego okresu ma wspólną rzecz: dramat. W pracy malarzy znanych jako Caravaggio I Rembrandt, Zainteresowanie dramatem zmaterializuje się jako intensywne kontrasty między promiennym światłem a zbliżającymi się cieniami.
Ten wielki nauczyciel regionu katolickiego, w dużej mierze rządzony przez Hiszpanów, był malarzem Peter Paul Rubens, których burzliwe kompozycje po przekątnej i szerokie postacie pełnej krwi są uosobieniem farby barokowej. Eleganckie portrety Anthony'ego Van Dycka i solidne figuratywne dzieła Jacoba Jordaens naśladowały przykład Rubeny. Sztuka w Holandii była uwarunkowana realistycznymi gustami ich dominujących wzorów klasy średniej, a zatem zarówno niezliczony gatunek, jak i malarze krajobrazowe tego kraju, a imponujący nauczyciele, tacy jak Rembrandt i Frans Hals, pozostały niezależne od stylu baroku w ważnych aspektach w ważnych aspektach . Jednak barok wywarł niezwykły wpływ na Anglię, szczególnie w kościołach i pałacach zaprojektowanych odpowiednio przez Sir Christophera Wrena i Sir Johna Vanbrucha.
Podobnie jak posągi renesansu, w tym kultowy David of Miguel ángel, barokowe rzeźby były często przeznaczone do dekoracji majestatycznych budynków. Zostali również zlecone na inne wielkie scenariusze, takie jak wnętrza złotych kościołów i prawdziwych ogrodów.
Ostatnim barokowym kwitnieniem był w dużej mierze katolicki Rzymian w południowych Niemczech i Austrii, gdzie rodzimy architekci oddzielili się od włoskich modeli budowlanych w latach dwudziestych.
Kup reprodukcję menin w sklepie internetowym Kadros
Realizm nr 3 (1848–1900)
Niektóre wykładniki: Corot, Court, Daumier, Millet.
Realizm, w sztuce, precyzyjne, szczegółowe przedstawienie i bez ozdoby natury lub współczesnego życia. Realizm odrzuca wyobraźnią idealizację na rzecz ścisłej obserwacji wyglądu zewnętrznego. Jako taki, realizm w szerokim znaczeniu obejmował wiele prądów artystycznych w różnych cywilizacjach. Na przykład w sztukach wizualnych realizm można znaleźć w starożytnych hellenistycznych greckich rzeźbach, które dokładnie przedstawiają bokserów i starych przygód. Prace malarzy z XVII wieku, takich jak Caravaggio, malarze gatunku holenderskiego, hiszpańscy malarze José de Ribera, Diego Velázqueza i Francisco de Zurbarán, a bracia Le Nain we Francji są realistycznym podejściem. Prace angielskich powieściopisarzy XVIII wieku Daniela Defoe, Henry'ego Fieldinga i Tobias Smollett można również nazwać realistyczną.
Realizm powstał we Francji w latach 50. XIX wieku. Zaraz po rewolucji w 1848 r., Wydarzeniu, które ustanowiło „prawo do pracy” w kraju, ruch wprowadził ideę przeciętnej, klasy robotniczej, współczesnych scenariuszy, współczesnych scenariuszy i scen na codzienne sceny jako przyzwoite tematy artystyczne.
Realizm rozciągał się w całej Europie, od Rosji Alejandro II do Wielkiej Brytanii Królowej Wiktorii, od Niemiec Guillermo I po Włochy Risorgimento i od imperium Habsburgu po Skandynawii i krajach. Rok 1855 był znaczący w ustanowieniu realizmu w Europie.
Gustave Coubet Często uważa się go za główną postać realizmu. Położył fundamenty ruchu w latach 40. XIX wieku, kiedy zaczął przedstawiać chłopów i robotników. Fakt, że Courbet ich nie wychwalał, ale odważnie przedstawił im i poważnie stworzył gwałtowną reakcję w świecie sztuki.
Styl i prace Courbeta zostały zbudowane w polu, które już jest złamane przez malarzy szkoły Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet i inni na początku lat 30. XIX wieku zostały założone we francuskim mieście Barbizon w celu wiernego odtworzenia lokalnego charakteru krajobrazu.
Realizm obrazkowy poza Francją był być może lepiej reprezentowany w XIX wieku w Stanach Zjednoczonych. Tam potężne i ekspresyjne obrazy Winslow Homer na temat problemów i portretów morskich, scen nawigacyjnych i innych dzieł Thomasa Eakinsa są szczere, nieatrakcyjne i bardzo obserwowane zapisy współczesnego życia. Realizm był innym prądem w sztuce XX wieku i generalnie pochodził z chęci artystów, by przedstawić bardziej szczere, szczere i bez idealizacji poglądów na temat życia codziennego lub ich prób wykorzystania sztuki jako narzędzie krytyki za krytykę społeczną i polityczną społeczną i polityczną .
Szorstkie, przedstawione, niemal dziennikarskie sceny życia miejskiego z szwem grupy amerykańskich malarzy znanych jako Eight (8) spadek w pierwszej kategorii. Niemiecki ruch artystyczny znany jako Neue Sachlichkeit. Realizm socjalistyczny, oficjalnie sponsorowany w Związku Radzieckim, wykorzystał naturalistyczne techniki idealizacji do tworzenia portretów nieustraszonych pracowników i inżynierów, którzy byli zaskakująco podobni zarówno pod względem heroicznego pozytywizmu, jak i braku prawdziwej wiarygodności.
Ponadto realizm bezpośrednio zainspirował ważne ruchy sztuki współczesnej, takie jak fotorealizm i hiperrealizm. Na podstawie niezwykle nowoczesnego podejścia realizmu gatunki te pokazują trwałe i ewolucyjne dziedzictwo innowacyjnego ruchu.
Kup reprodukcję spimatorów w sklepie internetowym Kadros
Impresjonizm nr 4 (1865–1885)
Niektóre wykładniki: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Francuski impresjonizm jest ważnym ruchem, najpierw w malarstwie, a następnie w muzyce, która rozwinęła się głównie we Francji pod koniec XIX i na początku XX wieku. Najbardziej godną uwagi cechą impresjonizmu w malarstwie była próba precyzyjnego i obiektywnego zarejestrowania się w realistycznych przedstawieniach ulotnych wrażeń ich otoczenia, które często były na zewnątrz. W muzyce miało to przekazać pomysł lub efekt poprzez mycie dźwięku zamiast ścisłej formalnej struktury.
Pod koniec lat 60. XIX wieku sztuka Manet Odzwierciedlało to nową estetykę, która powinna być siłą przewodnika w pracy impresjonistycznej, w której znaczenie tradycyjnego tematu zostało zmniejszone, a uwaga przeniosła się na manipulację kolorem, tonem i teksturą artysty. To kończy same w sobie.
W 1874 r. Grupa artystów zwanych malarzami, rzeźbiarzy, rejestratorami itp. Zorganizował wystawę w Paryżu, która rozpoczęła ruch zwany impresjonizmem. Wśród członków założycieli byli między innymi Claude Monet, Edgar Degas i Camille Pissarro. Grupa po raz pierwszy pokazała, niezależnie od oficjalnej sali francuskiej Akademii, która nieustannie odrzucała większość jej dzieł. Malarstwo Monet Rising Sun Printing (1872) zdobyli im początkowo kpiącą nazwę „impresjoniści” dziennikarza Louisa Leroya, który napisał w satyrycznym magazynie Le Charivari w 1874 roku. Artyści wkrótce przyjęli nazwę jako opisową ich zamiaru dokładnego przekazania „wrażeń wizualnych”. Podczas gdy konserwatywni krytycy skrytykowali swoją pracę za niepełny wygląd i szkic, najbardziej postępowi pisarze chwalili go za opis współczesnego życia. Na przykład Edmond Duranty w swoim eseju z 1876 r. The Nouvelle Peinture (nowy obraz) pisał o swojej reprezentacji współczesnego tematu w odpowiednio innowacyjnym stylu jako rewolucji w malarstwie.
Od momentu jego koncepcji impresjonizm został zdefiniowany przez zestaw cech. Należą do nich: obrazowe pociągnięcia pędzla, charakterystyczne kolory, reprezentacje typowych problemów, skupienie się na świetle i kompozycjach inspirowanych fotografią.
W połowie lat 80. grupa impresjonistyczna zaczęła się rozpuszczać, gdy każdy malarz coraz bardziej dążył do własnych interesów i zasad estetycznych. Jednak w krótkim czasie osiągnął rewolucję w historii sztuki, zapewniając techniczny punkt wyjścia dla artystów post -impresjonistycznych Cézanne, Gazu, Paul Gauguin, Vincent van Gogh oraz Georges Seurat i uwalniając wszystkie tylne zachodnie malowanie tradycyjnych technik. i podejście do tematu.
Dziedzictwo i obecność impresjonizmu dzisiaj
Oczywiście, jako punkt wyjścia modernizmu, impresjonizm wpłynął na wiele kolejnych ruchów. Postimpressionści przyjęli obrazowy obraz pędzla; Ekspresjonaliści abstrakcyjni znaleźli inspirację do niekonwencjonalnego podejścia do formy MONET; I wielu współczesnych artystów nadal pracuje w stylu neoimpresjonistycznym.
Kup reprodukcję kobiety z parasolem w sklepie internetowym Kadros
Nr 5 po -impresjonizm (1885–1910)
Niektóre wykładniki: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -impresjonizm jest terminem używanym do opisania reakcji w latach 80. XIX wieku przeciwko impresjonizmowi. Wyreżyserował go Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh i Georges Seurat. Post -imprespiści odrzucili troskę impresjonizmu dotyczącą spontanicznej i naturalistycznej reprezentacji światła i koloru.
Wszyscy ci malarze, z wyjątkiem Van Gogha, byli francuskimi, a większość z nich zaczęła jako impresjonistowie; Każdy z nich porzucił ten styl, tworząc swoją wysoce osobistą sztukę.
Podobnie jak impresjoniści, podkreślili sztuczność obrazu. Post -imprespiści uważali również, że kolor może być niezależny od formy i kompozycji jako emocjonalny i estetyczny nosiciel znaczenia. Zarówno impresjonizm, jak i post -impresjonizm obejmują jedne z najsłynniejszych nowoczesnych dzieł sztuki, takie jak Monet Water Lilies, seria wodnych krajobrazów i Gwieździsta noc autor: Van Gogh.
Post -imprespijści podzielili się swoją pracą z publicznością poprzez niezależne wystawy w całej Paryżu. W 1910 r. Wybitny krytyk sztuki, historyk i kurator Roger Fry wymyślił termin „post -impresyjność” swoim programem, Manet i Post -impressionists. Podobnie jak sami post -imprespiści, Fry wierzył, że piękno sztuki jest z natury zakorzenione w percepcji. „Sztuka jest wyrazem i bodźcem do wyobraźni, zamiast kopii prawdziwego życia”, wyjaśnia Fry w eseju w estetyce.
Jak wyjaśniono Fry, post -imprespiści uważali, że dzieło sztuki nie powinno obracać się wokół stylu, procesu lub podejścia estetycznego. Zamiast tego musisz podkreślić symbolikę, przekazując wiadomości z podświadomości artysty.
Post -imprespiści często wystawiali razem, ale w przeciwieństwie do impresjonistów, którzy zaczęli jako bardzo zjednoczona i serdeczna grupa, malowana głównie samotnie. Cézanne namalował w izolacji w Aix-en-Provence w południowej Francji; Jego samotność była zgodna z Paulem Gauguinem, który w 1891 r. Został zainstalowany w Tahiti, i Van Gogh, który malował na polu w Arles. Zarówno Gauguin, jak i Van Gogh odrzucili obojętną obiektywność impresjonizmu na rzecz bardziej osobistej ekspresji duchowej.
„Co za głęboki i tajemniczy kolor!
W przeciwieństwie do impresjonistów, którzy walczyli o uchwycenie wpływu naturalnego światła na odcień, post -impresjaści używali w celu sztucznej palety kolorów jako sposobu na przedstawienie ich postrzegania świata, który je otaczał. Nasycone tony, wielokolorowe cienie i bogate zakresy kolorów są widoczne w większości obrazów postimpresjonistycznych, pokazując innowacyjne i pomysłowe podejście artystów do reprezentacji.
Ogólnie rzecz biorąc, post -impresjonizm odszedł od naturalistycznego podejścia i trafiło do dwóch głównych ruchów sztuki z początku XX wieku, które go zastąpiły: Kubizm i Fauvism, które starały się wywołać emocje poprzez kolor i linię.
Kup reprodukcję gwiazd w sklepie internetowym Kadros
Nr 6 fauvism and ekspresjonizm (1900–1935)
Malarstwo umieszczone w grubych kolorach, które wychodzą ze strony i tony antynaturalne: fauvism i ekspresjonizm to dwa ruchy, które dały życie tym cechom. Jaka jest między nimi różnica, jeśli można je opisać w ten sam sposób? Po pierwsze, sam wyjaśnimy fauvism i ekspresjonizm.
Fauvism
Niektóre wykładniki: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo przejął scenę artystyczną w latach 1905–1910, mniej więcej i charakteryzuje się intensywnymi kolorami i odważnymi pociągnięciami pędzla. W niektórych przypadkach artyści tego okresu zastosowali farbę bezpośrednio z butelki. Kolory nie musiały być wierne dla natury. Mogą się zmienić, aby pokazać emocje. Wybrali proste problemy i z tego powodu obrazy wydawały się prawie abstrakcyjne. Krytyk sztuki Louis Vauxcelles ukuł termin po opisaniu dzieła Henri Matisse i Andre Deraina, takich jak „Les Fauves” lub Bestii podczas wystawy 1905 r. W salonie d’Am Automne w Paryżu. Prace na wystawie Matisse i Delain były pełne nienaturalistycznych opcji kolorów i dzikich plam farb na płótnie. To byłby początek fauvism.
Artyści fauvism byli głęboko zainteresowani naukową teorią koloru XIX wieku. W szczególności przy użyciu uzupełniających się kolorów Fauvistas rozumiał, jak sprawić, by kolory wydawały się jaśniejsze i odważne, aby włączyć te teorie.
Obraz Henri Matisse „Kobieta z kapeluszem”. Został skrytykowany przez antynaturalne kolory na twarzy kobiety. Paul Signac (1863–1935) słynie ze swojego punktu. Był także mentorem Henri Matisse. Puntillismo to technika, w której niewielkie punkty kolorów podstawowych są umieszczane razem. Po odejściu jest łączony w jednym obrazie. Można to porównać do pikseli na ekranie komputera. Każdy piksel ma inny kolor, ale kiedy widzisz niewielką odległość, tworzą obraz. Styl punktu Rill pokazał, co artyści mogą zrobić z podstawowymi kolorami i jak mogliby wykorzystać złudzenia optyczne w swojej pracy.
Oprócz Matisse i Derain, inni ważni artyści Fauvistas to Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault i Maurice de Vlaminck.
Ekspresjonizm
Niektóre wykładniki: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Ekspresjonizm jest ogólnym terminem dla każdego dzieła sztuki, które zniekształca rzeczywistość, aby zbiegać się z wewnętrznymi uczuciami, poglądami lub pomysłami artysty. Krótko mówiąc, jest to sztuka, która wyraża wewnętrzne rzeczywistości w świecie zewnętrznym. Jest to dość uogólniona definicja, ale istnieją pewne charakterystyczne cechy ekspresjonizmu. W szczególności kolory stosowane w ekspresjonizmie będą intensywne i często nienaturalistami, co oznacza, że czyjąś skórę może być pomalowana na niebiesko zamiast brązowego lub brązowego. Farba jest również często używana w dużych ilościach w stylu ekspresjonistycznym, który tworzy dużo tekstury na płótnie.
Ekspresjonizm pochodzi z „od wewnątrz”, będąc odzwierciedleniem uczuć artysty bardziej niż przedstawienie sceny. Dwóch wpływowych artystów ekspresjonistycznych to Emily Carr i Edvard Munch.
Jeśli chodzi o ten temat, sztuka ekspresjonistyczna zwykle jest emocjonalna, a czasem nawet mityczna, zakładając, że ekspresjonizm jest rozszerzeniem romantyzmu. Ponieważ ekspresjonizm jest tak szerokim terminem, łatwo jest zacząć przypisywać go sztuce dowolnego czasu. Następnie, w przeważającej części, ekspresjonizm ogólnie dotyczy sztuki XX wieku. Mówi się, że zaczęło się od pracy Vincenta Van Gogha i rozciąga się na sztukę współczesną, jaką znamy dzisiaj.
Głównymi podatnikami ruchu ekspresjonistycznego są tacy tacy jak Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch i inni.
Kup reprodukcję Cry w sklepie internetowym Kadros
Fauvism można postrzegać jako podzbiór ekspresjonizmu. Ekspresjonizm może obejmować tak szeroki zakres sztuki i ruchów, że prawie niemożliwe jest je oddzielić za to, że są naprawdę inne. Używają tych samych technik i są klasyfikowane według tych samych cech, a jedyną rzeczywistą różnicą jest specyficzna natura fauvizmu w przeciwieństwie do ogólnej natury ekspresjonizmu.
Coś, co można uznać za Fauvista, może być również częścią dziedziny ekspresjonizmu. Ale coś, co jest uważane za ekspresjonistę, niekoniecznie jest w stylu Fauvista. Fauvism jest nieco bardziej dziki, ale ma bardziej uproszczony temat.
Tak więc fauvism kontra ekspresjonizm nie jest jedną rzeczą. Nie konkurują ze sobą, ponieważ jedna jest po prostu jedną wersją drugiej.
No.7 Kubizm (1905–1920)
Niektórzy wykładnicy: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubizm, bardzo wpływowy styl sztuk wizualnych XX wieku, który został stworzony głównie przez artystów Pablo Picasso i Georgesa Braque w Paryżu w latach 1907–1914 . z perspektywy, scorzo, modelowanie i jasne oraz odrzucanie starożytnych teorii, że sztuka powinna naśladować naturę. Kubcy wierzyli, że tradycje sztuki zachodniej zostały wyczerpane i do ożywienia swojej pracy, uciekali się do ekspresyjnej energii sztuki innych kultur, zwłaszcza sztuki afrykańskiej.
Kubizm wywodzi swoją nazwę z komentarzy krytyka Louisa Vauxcellesa, który pozbył się pracy Braque w 1908 r. W L’Estaque jako złożonych z kostek. W obrazie Braque'a tomy domów, cylindryczne kształty drzew oraz brązowy i zielony schemat pamiętają krajobrazy Paula Cézanne'a, które głęboko zainspirowały kubistów w pierwszym etapie rozwoju (do 1909 r.). Jednak to Les Demoiselles d'Ajgnon, namalowany przez Picassa w 1907 roku, zapowiedział nowy styl; W tej pracy formy pięciu kobiecych aktorów stają się formami kątowymi i złamaniami.
Można zauważyć, że Kubizm rozwinął się w dwóch różnych fazach: początkowym i bardziej surowym analitycznym kubizmie oraz tylnej fazie kubizmu znanego jako syntetyczny kubizm. Kubizm analityczny opracowano w latach 1908–12. Jego dzieła sztuki wyglądają silniej i są tworzone przez kombinację samolotów i linii w odcieniach czarnych, szarości i ochry. Syntetyczny kubizm jest fazą tylną kubizmu, ogólnie uważa się, że pochodzi z około 1912 do 1914 roku i charakteryzuje się prostszymi kształtami i jaśniejszymi kolorami. Syntetyczne dzieła kubistyczne zwykle obejmują również połączone rzeczywiste elementy, takie jak gazety. Włączenie prawdziwych przedmiotów bezpośrednio do sztuki było początkiem jednego z najważniejszych pomysłów sztuki współczesnej.
Podczas gdy stworzenie tego nowego języka wizualnego jest przypisywane Picasso i Braque, został przyjęty i opracowany przez wielu malarzy, w tym Fernand Léger, Robert i Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes i Jean Metzinger. Chociaż jest to głównie związane z malowaniem, kubizm wywarł również głęboki wpływ na rzeźbę i architekturę XX wieku. Głównymi kubistycznymi rzeźbiarzy byli Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon i Jacques Lipchitz. Przyjęcie kubistycznej estetyki przez szwajcarskiego architekta Le Corbusiera znajduje odzwierciedlenie w formach domów zaprojektowanych w latach dwudziestych.
Zimą 1912–13 Picasso wykonał dużą liczbę papierów. Dzięki tej nowej technice wklejania kawałków kolorowego lub drukowanego papieru w swoich kompozycjach, Picasso i Braque zamiatały ostatnie ślady trójwymiarowej przestrzeni (iluzji), które nadal pozostawały w ich „wysokiej” pracy analitycznej.
Formalne wyzwalające koncepcje inicjowane przez kubizm miały również wysokie konsekwencje dla Dady i surrealizmu, a także dla wszystkich artystów, którzy realizują abstrakcję w Niemczech, Holandii, Włoszech, Anglii, Stanach Zjednoczonych i Rosji.
Nr 8 Dada i surrealizm (1917–1950)
Dadaist
Niektórzy wykładnicy: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Gros
Międzynarodowy zakres i różnorodna produkcja artystyczna, zarówno podawane, jak i surrealizmem były ruchy artystyczne, literackie i intelektualne z początku XX wieku, które były fundamentalne dla zdefiniowania modernizmu. Dany ruch, wystrzelony w Zurychu w 1916 roku przez poetów i artystów takich jak Tristan Tzara i Hans Arp, był bezpośrednią reakcją na masakrę, propagandę i szaleństwo I. Niezależne grupy powiązane ze wspólnymi pomysłami pojawiły się wkrótce potem w Nowym Jorku. , Berlin, Paryż i inne miejsca. Te różne grupy nie miały uniwersalnego stylu, ale były powiązane ze względu na ich odrzucenie idealizmu, przestarzałych konwencji artystycznych i intelektualnych oraz niekontrolowanego uścisku współczesnego społeczeństwa na „racjonalizm” i „postęp”.
Biorąc pod uwagę, że był to europejski awangardowy ruch artystyczny z wczesnymi ośrodkami w Zurychu, Szwajcarii i Nowym Jorku.
Nazwa, wyodrębniona ze słownika w Zurychu w 1916 r., Oznacza „koni na bujanie” po francusku lub „tak” po rumuńskich i rosyjskich. Ale ponieważ nazwa ruchu wcale nic nie znaczy. Dość kultury, która stworzyła rzeź I wojny światowej, biorąc pod uwagę jej wyzwanie wszystkich świętych krów, rzucając wyrażenie i autorstwo przez okno oraz świętując szansę i absurd.
Korzenie Dada znajdują się w awangardie przed wojną. Termin Antiarte, prekursor Dady, został wymyślony przez Marcela Duchampa około 1913 r. W celu scharakteryzowania prac, które kwestionują przyjęte ograniczenia sztuki.
Ruch Dadaistów obejmował spotkania publiczne, demonstracje i publikację magazynów artystycznych / literackich; Namiętne relacje z sztuki, polityki i kultury były często omawiane w różnych mediach.
Ruch wpłynął na tylne style, takie jak awangardy i ruchy muzyczne centralne, oraz grupy obejmujące surrealizm i pop sztukę.
Następnie przybył surrealizm, aby skierować anty -letnią energię Dadaistów, takich jak Marcel Duchamp z powrotem do muzeum, który wywołał ogromny udany, ale szalony ruch, który zdewastował Europę między wojenami i przytulił wiele mediów.
Surrealizm
Niektóre wykładniki: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
Jeden z najważniejszych i wywrotowych ruchów XX wieku, surrealizm rozkwitł szczególnie w latach dwudziestych i 30. XX wieku i stanowił radykalną alternatywę dla racjonalnych i formalnych cech kubizmu. Literacki, filozoficzny i artystyczny ruch XX wieku, który badał funkcjonowanie umysłu, obronić irracjonalnych, poetyckich i rewolucyjnych.
W przeciwieństwie do Dady, z którego powstał na wiele sposobów, podkreślił pozytywne odrzucenie, a nie pesymistę poprzednich tradycji.
Słowo „surrealistyczny” (który sugeruje „Beyond Reality”) zostało wymyślone przez francuskiego awangardy -garde poetę guillaume apolinaire w dziele napisanym w 1903 roku i reprezentowanym w 1917 r. Ale to André Breton, lider nowej grupy poetów i artystów artystów W Paryżu, który w swoim surrealistycznym manifestu (1924) zdefiniował surrealizm jako: czysty automatyzm psychiczny, przez który proponuje się wyrażanie, albo ustnie, na piśmie, albo w jakikolwiek inny sposób, prawdziwe funkcjonowanie myśli. Dyktowanie myśli przy braku jakiejkolwiek kontroli sprawowanej z powodu, poza wszelką troską estetyczną i moralną.
Kilka różnych wątków można rozróżnić w wizualnej manifestacji surrealizmu. Artyści tacy jak Max Ernst i André Masson faworyzowali automatyzm, w którym tłumiono świadomą kontrolę, a podświadomość może przejąć kontrolę. Przeciwnie, Salvador Dalí i René Magritte dążyli do niesamowitego poczucia superrealiczności, w której sceny reprezentowane nie mają realnego sensu. Trzecią odmianą było zestawienie niepowiązanych elementów, ustanawiając nierealizację rzeczywistości poza granicami normalnej rzeczywistości. Surrealizm początkowo powstał w Paryżu. Jego wpływ został rozszerzony przez serię międzynarodowych czasopism i wystaw, będąc najważniejszymi przykładami tej ostatniej międzynarodowej wystawy surrealistycznej w New Burlington, London i Fada of Fantastyczna sztuka, surrealizm w Muzeum Sztuki Nowoczesnej Nowy Jork, oba wykonane 1936. Wraz z wybuchem II wojny światowej centrum działalności surrealistycznej zostało przeniesione do Nowego Jorku, a pod koniec wojny ruch stracił spójność. Jednak zachował potężny wpływ, wyraźnie widoczny w aspektach abstrakcyjnego ekspresjonizmu i innych artystycznych przejawach drugiej połowy XX wieku.
Wielu twierdzi, że surrealizm, jako możliwy do zidentyfikowania ruch kulturowy, zakończył się śmiercią Bretona w 1966 r. Inni uważają, że dziś pozostaje on istotną i istotną siłą.
No. 9 ekspresjonizm abstrakcyjny (1940–1950)
Niektórzy wykładnicy: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
„Ekspresjonizm abstrakcyjny” nigdy nie był idealną etykietą do ruchu, który został opracowany w Nowym Jorku w latach 40. i 50. XX wieku. W jakiś sposób przeznaczone było pokrycie nie tylko pracy malarzy, którzy wypełnili płócienne pól z kolorem pól kolorów pól i abstrakcyjne kształty, ale także te, które zaatakowały swoje płótna z energicznym wyrażeniem gestów. Wszyscy byli zaangażowani w sztukę jako wyrażenia jaźni, narodzone z głębokich emocji i uniwersalnych tematów, a większość z nich została utworzona przez dziedzictwo surrealizmu, ruch, który przełożył się na nowy styl, który dostosował się do post -świeckiego nastroju lęku i traumy. W ich sukcesie ci malarze z Nowego Jorku ukradli Paryż jako swój płaszcz jako lider sztuki współczesnej i przygotowali scenę do opanowania Stanów Zjednoczonych w świecie sztuki międzynarodowej. Ekspresjonizm abstrakcyjny był początkiem wpływu Nowego Jorku jako centrum świata sztuki zachodniej. Świat abstrakcyjnych artystów ekspresjonistycznych był mocno zakorzeniony na niskim Manhattanie. Spacer wzdłuż 8th Street zabrałby go z kawiarni Waldorf, w której artyści bez pieniędzy zrobili „zupę pomidorową” z gorącą wodą i bezpłatnym keczupem; Po Hans Hofmann School of Plastic Artists założonych przez malarza o tej samej nazwie; Do klubu, strych, w którym konferencje i gorące argumenty dotyczące sztuki trwały do późnej nocy. Badanie Jacksona Pollocka odbyło się przy East 8th Street, Kooning i Philip Guston Willem byli na wschodzie 10. i chociaż Franz Kline przeniósł się do kilku domów i studiów w okolicy, większość nocy znalazła go i wielu jego współczesnych w Cedar Street Tavern w The Cedar Street Tavern w Tawernie Cedar Street Tavern Strona uniwersytecka.
Ruch obejmował wiele różnych stylów obrazkowych, które różniły się zarówno pod względem techniki, jak i jakości wyrażenia. Często wykorzystują stopnie abstrakcji; Oznacza to, że reprezentują nierealistyczne lub, w skrajnych formach, formy nie wydobywane z widzialnego świata (nieobkórne). Podkreślają bezpłatną, spontaniczną i osobistą ekspresję emocjonalną oraz ćwiczą znaczną swobodę techniki i wykonania, aby osiągnąć ten cel, ze szczególnym naciskiem na wykorzystanie zmiennego charakteru fizycznego obrazu, aby wywołać ekspresyjne cechy (na przykład zmysłowość, dynamizm dynamiczny ). , przemoc, tajemnica, liryzm).
Większość artystów związanych z ekspresjonizmem abstrakcyjnym dojrzewany w latach 30. XX wieku. Wpłynęła na nich lewicowa polityka tamtych czasów i doceniła sztukę oparta na osobistym doświadczeniu. Niewielu utrzyma swoje poprzednie radykalne poglądy polityczne, ale wielu nadal przyjmowało pozycję Franka Avant -Garde.
Pomimo różnorodności abstrakcyjnego ruchu ekspresjonistycznego można rozróżnić trzy ogólne podejścia. Po pierwsze, malarstwo akcji charakteryzuje się luźnym, szybkim, dynamicznym lub energicznym obsługą farby w skanowaniu lub cięciu pociągnięć pędzla oraz w technikach częściowo podyktowanych przez przypadek, takich jak kapanie lub rozlewanie farby bezpośrednio na płótnie. Artyści: Pollock, Kooning.
Średni termin w ekspresjonizmie abstrakcyjnym jest reprezentowany przez kilka różnorodnych stylów, od bardziej lirycznych, delikatnych i płynnych. Artyści: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
Trzecim mniej ekspresyjnym podejściem było podejście Rothko, Newmana i Reinhardta. Ci malarze wykorzystali duże obszary lub pola, płaskie i drobne farby oraz przemienne, aby osiągnąć ciche, subtelne i prawie medytacyjne efekty.
Chociaż ruch ten był reprezentowany głównie w całej dokumentacji historycznej jako należący do heroicznego artysty męskiego usianego malarstwem, istniało kilka ważnych ekspresjonistek abstrakcyjnych, które wyłoniły się z Nowego Jorku i San Francisco w latach 40. i 50. XX wieku opłata.
Nr 10 Pop Art (1960)
Niektórzy wykładnicy: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist i Claes Oldenburg
Pop Art rozpoczęła się od nowojorskich artystów Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist i Claes Oldenburg, którzy byli inspirowani popularnymi obrazami i faktycznie byli częścią międzynarodowego zjawiska.
Był to bunt przeciwko dominującym podejściom sztuki i kultury oraz tradycyjnych opinii na temat sztuki. Młodzi artyści czuli, że to, czego nauczyli ich w szkole sztuki i to, co zobaczyli w muzeach, nie miało nic wspólnego z ich życiem ani tym, co widzieli wokół nich każdego dnia. Zamiast tego źródła takie jak hollywoodzkie filmy, reklama, opakowanie produktów, muzyka pop i komiksy, aby uzyskać ich zdjęcia. Po popularności abstrakcyjnych ekspresjonistów ponowne wprowadzenie zidentyfikowalnych obrazów przez POP (wydobytych z mediów i kultury popularnej) było istotną zmianą w kierunku modernizmu.
W 1957 r. Artysta pop Richard Hamilton wymienił „Charakterystykę pop sztuki” w liście do swoich przyjaciół architektów Peter i Alison Smithson: Pop Art Is: Popular (zaprojektowany dla masowej publiczności), przejściowy (rozwiązanie krótkoterminowe), nie można (Łatwe do zapomnienia), niski koszt, wyprodukowany przez Mass, Young (reżyserowany do młodzieży), genialne, seksowne, zręczne, efektowne, duże firmy. Modernistyczni krytycy byli przerażeni użyciem popowych artystów o tak „niskim” temacie i ich pozornie niewielkim krytycznym traktowaniu tego. W rzeczywistości Pop przyniósł sztukę do nowych obszarów tematycznych i opracował nowe sposoby prezentowania go w sztuce i może być postrzegany jako jeden z pierwszych przejawów postmodernizmu.
Chociaż inspirowały je podobne problemy, brytyjski pop jest często postrzegany jako charakterystyczny amerykański pop. Wczesna popowa sztuka w Wielkiej Brytanii była prowadzona przez amerykańską kulturę popularną widzianą z daleka, podczas gdy amerykańscy artyści byli zainspirowani tym, co widzieli i doświadczyli życia w tej kulturze. W Stanach Zjednoczonych styl pop był powrót do sztuki reprezentatywnej (sztuka, która reprezentowała świat wizualny w rozpoznawalny sposób) oraz do użycia twardych krawędzi i różnych form po obrazowym luźności ekspresjonizmu abstrakcyjnego. Korzystając z bezosobowych i przyziemnych obrazów, popowe artyści chcieli również odejść od nacisku na osobiste uczucia i osobistą symbolikę, które charakteryzowały ekspresjonizm abstrakcyjny. W Wielkiej Brytanii ruch był bardziej akademicki w swoim podejściu. Używając ironii i parodii, skupił się bardziej na tym, co reprezentowały amerykańskie popularne obrazy i ich moc manipulowania stylem życia ludzi. Grupa sztuki lat 50., The Independent Group (IG), jest uważana za prekursor brytyjskiego ruchu popowego. Pop Art był potomkiem Dady.
Większość popowych artystów dążyła do bezosobowego i miejskiego nastawienia w swoich pracach. Jednak niektóre przykłady pop -art subtelnie wyrażały krytykę społeczną, na przykład upadłe przedmioty Oldenburga i monotonne powtórzenia Warhol tego samego banalnego obrazu mają niewątpliwie niepokojący efekt, a niektóre, jako tajemnicze i samotne kadry segalowe, są otwarcie ekspresjonistami.
Być może ze względu na włączenie komercyjnych obrazów pop stał się jednym z najbardziej rozpoznawalnych stylów sztuki współczesnej.
Postmodernizm nr 11 (1970–)
Niektórzy wykładnicy: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn na niebie ©James Gill
Ta postmoderniczność jest nieokreślona, jest prawdą. Można go jednak opisać jako zestaw krytycznych, strategicznych i retorycznych praktyk, które wykorzystują takie pojęcia, jak różnica, powtarzanie, ślad, symulacja i hiperrealiczność w celu destabilizacji innych pojęć, takich jak obecność, tożsamość, postęp historyczny, pewność epistemiczna i jednoznaczna znaczenia.
Termin „sztuka postmodernistyczna” odnosi się do szerokiej kategorii sztuki współczesnej stworzonej od około 1970 roku. Charakterystyczna pieczęć „sztuki postmodernistycznej” jest jej odrzuceniem estetyki, na której oparł się jej poprzednik, „sztuka współczesna” (1870–1970). Jedną z tych odrzuconych wartości jest idea, że „sztuka” jest czymś „specjalnym”, który powinien być „wysoki” popularnego smaku. Zbieżąc się z serią nowych osiągnięć technologicznych, postmodernizm doprowadził do prawie pięciu dekad artystycznych eksperymentów z nowymi mediami i nowymi formularzami sztuki, w tym „sztuki koncepcyjnej”, różnych rodzajów „sztuki wydajności” i „sztuki instalacyjnej”, a także wspomaganego Ruchy takie jak dekonstruktywizm i sztuka projekcyjna. Korzystając z tych nowych form, postmodernistyczni artyści rozszerzyli definicję sztuki do tego stopnia, że „wszystko jest warte”.
Pierwszym ważnym stylem sztuki po renesansie była sztuka akademicka, klasyczny materiał, którego nauczyciele nauczali nauczycieli w akademiach. Sztuka akademicka jest artystycznym odpowiednikiem tradycyjnego „garnituru i krawata”. Następnie, około 1870 roku, pojawia się „sztuka współczesna”. Jest to artystyczny odpowiednik „koszuli i spodni” lub „kurtki i spodni”. Następnie, około 1970 roku, pojawia się „postmodernistyczna sztuka”, która jest artystycznym odpowiednikiem „Jeans and T -Shirt”. W ten sam sposób, w jaki kody ubrań stały się mniej formalne i bardziej „wszystko jest warte”, dzisiejsi artyści są pod wrażeniem starych pomysłów na to, co powinna być sztuka i bardziej skupiona na tworzeniu czegoś (czegokolwiek) niż zauważono.
Z natury antyautorytarne postmodernizm odmówił uznania autorytetu każdego stylu lub definicji tego, jaka powinna być sztuka. Rozróżnienie między kulturą i kulturą masową upadło między sztuką a życiem codziennym. Ponieważ postmoderniczność złamała ustalone zasady stylu, wprowadziła nową erę wolności i poczucie, że „wszystko jest warte”. Często zabawne, ironiczne lub śmieszne; Może być sprzeczny i kontrowersyjny, kwestionując granice smaku; Ale najważniejszą rzeczą jest to, że odzwierciedla samoświadomość samego stylu. Często mieszanie różnych stylów i mediów artystycznych i popularnych, sztuka postmodernistyczna może również pożyczyć świadomie, świadomie lub ironię komentować różne style przeszłości. Zatem postmodernistyczni uważają, że ich pozycja teoretyczna jest wyjątkowo integracyjna i demokratyczna, ponieważ pozwala im rozpoznać niesprawiedliwą hegemonię dyskursów ilustracji na równie ważnych perspektywach grup nie -elitów.
W latach 80. i 90. obrońcy akademiccy w imię kilku grup etnicznych, kulturalnych, rasowych i religijnych przyjęli postmodernistyczną krytykę współczesnego społeczeństwa zachodniego, a postmodernizm stał się nieoficjalną filozofią nowego ruchu „polityki tożsamości”
Kuadros ©, słynna farba na twojej ścianie.
