Om de ware wortels en de betekenis van de lyrische abstractie te ontdekken, en te begrijpen hoe ze interageren met de trends in de kunst, moeten we terugkijken naar de vroege dagen van de abstracte kunst.

Lyrische abstractie is een ogenschijnlijk simpel begrip en toch is er generaties lang gedebatteerd over de oorsprong en betekenis ervan. De Amerikaanse kunstverzamelaar Larry Aldrich gebruikte de term in 1969 om de aard van verschillende werken die hij recentelijk had verzameld te definiëren, en die naar zijn mening een terugkeer naar persoonlijke expressie en experimentatie aangaven, volgend op het minimalisme.

Maar de Franse kunstcriticus Jean José Marchand gebruikte een variatie van de term, Abstraction Lyrique, decennia eerder, in 1947, om te verwijzen naar een opkomende Europese trend in de schilderkunst die vergelijkbaar was met het abstract expressionisme in de VS. Beide gebruiksmanieren van de term verwezen naar kunst die gekenmerkt werd door vrije, emotionele en persoonlijke composities, los van de objectieve realiteit.

Deze trends kunnen echter nog verder worden teruggevoerd, tot minstens het eerste decennium van de twintigste eeuw in het werk van Wassily Kandinsky. 

Lyrische abstractie - eerste stappen

Vassily Kandinsky 1911, Compositie No. 4

Hoewel men kan zeggen dat de Russische schilder Wassily Kandinsky (1866-1944) een pionier was in de elegante combinatie van verhaal, vorm en kleur die de basis is van lyrische abstractie, ontstond de trend in een tentoonstelling getiteld "L'Imaginaire", die in 1947 werd gehouden in de Galerie du Luxembourg in Parijs, en waarvoor werken van Hans Hartung, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) en Jean-Paul Riopelle, onder anderen, werden tentoongesteld.

De huidige term "Abstractie Lyrique" werd bedacht door de Franse schilder en mede-organisator van de tentoonstelling Georges Mathieu (1921-2012), terwijl zijn collega-curator Jose-Jean-Marchand schreef dat sommige van de tentoongestelde werken "een lyriek toonden die los stond van elke afhankelijkheid ... ", wat betekent dat de schilderijen niet waren afgeleid of belast door het gewicht van intellectuele theorie.

Op zoek naar het lyrische in de lyrische abstractie

In de jaren 1910 flirtte verschillende groepen kunstenaars met het concept van lyrische abstractie, elk vanuit een unieke invalshoek. De kubistische en futuristische kunstenaars werkten met beelden van de echte wereld en pasten ze conceptueel aan om abstracte ideeën uit te drukken. De suprematistische en constructivistische kunstenaars werkten met herkenbare vormen in hun kunst, maar gebruikten deze op een vage of symbolische manier, of op een manier die probeerde universaliteiten over te brengen.

Maar een andere groep kunstenaars benaderde de abstractie vanuit een volledig ander perspectief dan de rest.

Deze groep, belichaamd door Wassily Kandinsky, benaderde de abstractie vanuit de gedachte dat ze niet wisten welke betekenis hun schilderijen konden hebben. Ze hoopten dat door gewoon vrij te schilderen, zonder voorafgaande ideeën over esthetiek of de objectieve wereld, iets onbekends kon worden uitgedrukt via hun werk. Kandinsky vergeleek zijn schilderijen met muzikale composities, die emoties op een volledig abstracte manier communiceerden. Zijn abstracte schilderijen waren fantasierijk, emotioneel, expressief, persoonlijk, passioneel en volkomen subjectief; met andere woorden, lyrisch.

Kenmerken van de lyrische abstractie: verwarring van stijlen

"Verlichte Mannen", Taro Okamoto (1955), Nationaal Museum voor Moderne Kunst, Tokyo

In theorie was het Art Informel de belangrijkste beweging die talloze substijlen en subgroepen omvatte, zoals Forces Nouvelles, CoBrA, Tachisme, Art Brut, Art Non Figuratif en de Lyrische Abstractie. Al deze scholen waren abstract of tenminste semi-abstract, en allen verwierpen geometrische abstractie evenals naturalisme en figuratieve genres. Alle kunstenaars streefden ernaar een nieuwe en spontane schildersstijl te creëren, vrij van vorige theorieën of huidige conventies. Ondanks dit waren veel abstracte schilders uit die tijd lid van een of meer van deze subbewegingen en als gevolg daarvan is het bijna onmogelijk om met autoriteit de schilderijen te identificeren die bij elk van deze bewegingen horen.

Naoorlogse Lyrische Abstractie

De Stijl, Medio

De lyrische abstractie van Kandinsky contrasteerde met veel van de andere trends in de abstracte kunst van de jaren 1920 en 1930. Zijn kunst was niet specifiek verbonden met een religie, maar er was iets overduidelijk spiritueels aan. Andere kunstenaars die verbonden waren met stijlen zoals De Stijl, Art Concrete en Surrealisme maakten kunst die seculier was en zich leende voor een objectieve academische interpretatie. Kandinsky zocht naar iets dat nooit volledig gedefinieerd of verklaard kon worden. Hij drukte openlijk zijn persoonlijke verbinding uit met de mysteries van het universum. Het was alsof hij een soort spiritueel existentialisme had uitgevonden.

Existentialisme was een filosofie die na de Tweede Wereldoorlog populair werd, toen mensen worstelden om te begrijpen wat ze beschouwden als de zinloosheid van het leven. Kritische denkers konden niet geloven dat er een hogere macht kon bestaan die het soort vernietiging mogelijk maakte dat ze zojuist hadden waargenomen. Maar in plaats van nihilisten te worden in de schijnbare afwezigheid van een god, probeerden existentialisten zich een weg te banen door de algemene zinloosheid van het leven, op zoek naar een persoonlijke betekenis. Zoals de existentialistische auteur Jean-Paul Sartre schreef in zijn boek "Het zijn en het niets" in 1943: “De mens is gedoemd om vrij te zijn; hij is verantwoordelijk voor alles wat hij doet.” De zoektocht naar wat in wezen persoonlijk is, was fundamenteel voor het existentialisme, en ook voor de wijdverspreide heropleving van de lyrische abstractie na de Tweede Wereldoorlog.

Andere namen geassocieerd met Lyrische Abstractie

In de jaren 1940 en 1950 ontstonden een groot aantal abstracte kunstbewegingen die op de een of andere manier de subjectieve persoonlijke expressie als basis hadden voor het uitdrukken van betekenis in kunst. Abstractie Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Abstract expressionisme, Color Field art en zelfs conceptuele en performancekunst, allemaal, tot op zekere hoogte, gaan ze terug naar dezelfde algemene existentiële zoektocht. Een van de invloedrijkste kunstcritici uit deze tijd, Harold Rosenberg, begreep dit toen hij schreef: "Vandaag moet elke kunstenaar zich verplichten zichzelf uit te vinden ... De betekenis van kunst in onze tijd vloeit voort uit deze functie van zelf-creatie".

Maar naarmate de cultuur veranderde met de volgende generatie, raakten veel van deze existentiële trends in de kunst in ongenade. En opnieuw nam een geometrische, concrete en emotieloze benadering van abstracte kunst, belichaamd door het minimalisme, zijn plaats in.

Maar niet alle kunstenaars lieten de lyrische traditie achter. Tegen het einde van de jaren zestig was de stroom opnieuw veranderd. Zoals Larry Aldrich opmerkte, die de term Lyrische Abstractie in 1969 herintroduceerde: “Aan het begin van het afgelopen seizoen werd het duidelijk dat er in de schilderkunst een beweging was die zich verwijderde van het geometrische, het harde en het minimalistische, naar meer lyrische, sensuele abstracties, romantisch in zachtere en levendigere kleuren… De touch van de kunstenaar is altijd zichtbaar in dit soort schilderijen, zelfs wanneer de schilderijen zijn gemaakt met spuiten, sponzen of andere objecten.”

Contemporary Lyrische Abstractie

Jimenez-Balaguer, detail

Het is duidelijk dat, zoals gebruikelijk is bij de kunstbewegingen, de trends die de lyrische abstractie definiëren voorafgingen aan de invoering van de term. In de vroege decennia van de twintigste eeuw belichaamden kunstenaars zoals Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee en Wols voor het eerst de lyrische tendensen in de abstractie. En decennia later zetten kunstenaars zoals Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages en Joan Mitchell deze voort. Daarna, eind jaren zestig en zeventig, revitaliseerden en breidden kunstenaars zoals Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko en tientallen anderen de relevantie van de stroming uit.

In 2015 overleed een van de fascinerendste stemmen van de hedendaagse lyrische abstractie, de Spaanse kunstenaar Laurent Jiménez-Balaguer. Maar zijn concepten, theorieën en technieken blijven zich krachtig manifesteren in het werk van kunstenaars zoals Margaret Neill, wiens intuïtieve composities van verweven lyrische lijnen de toeschouwer uitnodigen tot een subjectieve deelname aan de persoonlijke betekenis, en Ellen Priest, wiens werk haar esthetische conversatie met jazzmuziek tot leven brengt. Wat al deze kunstenaars verbindt in een gemeenschappelijke band is de fundamentele zoektocht van de lyrische abstractie: iets persoonlijks, subjectiefs en emotioneel uit te drukken, en dit op een poëtische en abstracte manier te doen.

Amerikaanse lyrische abstractie (1960, 1970)

Helen Frankenthaler, Madame Butterfly

Een beweging die bekendstond als lyrische abstractie ontstond in de Verenigde Staten tijdens de jaren 1960 en 1970, als reactie op de groei van minimalisme en conceptuele kunst. Talrijke schilders begonnen zich te verwijderen van geometrische, precieze, harde en minimalistische stijlen, naar een meer harmonieuze en schilderachtige stijl, waarbij rijke, sensuele kleuren werden gebruikt. Ze wilden de esthetische principes herstellen, in plaats van door te gaan met een spontane sociopolitieke iconografie. Deze Amerikaanse vorm van lyrische abstractie wordt exemplified in werken van Helen Frankenthaler (geb. 1928) en Jules Olitski (1922-2007), onder anderen. Een tentoonstelling getiteld "Lyrische Abstractie" vond plaats in het Whitney Museum of American Art, van mei tot juli 1971.

Tijdens deze periode waren er echter een reeks vergelijkbare variaties van het abstract expressionisme van de tweede generatie (post-schilderkunst abstractie). En hoewel er duidelijke theoretische verschillen waren tussen Color Field Painting, Hard Edge Painting, Color Stain Painting en Lyrical Abstraction, zijn deze punten van verschil op geen enkele manier voor het blote oog duidelijk.

Schilderijen van de Lyrical Abstraction-beweging hangen tegenwoordig in de beste kunstmusea ter wereld.

Lyrische abstractie - esthetische en filosofische betekenis

Jean Paul Riopelle

De lyrische abstractie was geen specifieke school of beweging, maar eerder een trend binnen Art Informel. Beschouw het als een gebalanceerde, elegante stijl van abstracte kunst (soms levendig, soms ontspannend) die vrijwel altijd vol inhoud is ontleend aan de natuurlijke wereld.

Het wordt vaak omrand door een weelderige kleur, waarvan de harmonieuze en schilderachtige schoonheid kan contrasteren met de harde, verontrustende en dissonante beelden die door andere groepen van Art Informel zoals Cobra of recente neo-expressionisten zijn geproduceerd.

Kopen een replica van Wassily Kandinsky, een van de grootste exponenten van de Lyrische Abstractie.

KUADROS ©, een beroemde schilderij aan je muur.