De beginjaren van Art Nouveau
De opkomst van Art Nouveau - letterlijk "Nieuwe Kunst" - kan worden toegeschreven aan twee verschillende invloeden: de eerste was de introductie, rond 1880, van de Britse Arts and Crafts-beweging, die, net als Art Nouveau, een reactie was tegen het rommelige ontwerp en de decoratieve kunstcomposities van het Victoriaanse tijdperk.
De tweede was de huidige mode van Japanse kunst, in het bijzonder houtsneden, die veel Europese kunstenaars in de jaren 1880 en 1890 overweldigden, waaronder artiesten als Gustav Klimt, Emile Gallé en James Abbott McNeill Whistler. De Japanse houtsneden, in het bijzonder, bevatten bloemachtige en bolvormige vormen, en "whip"-achtige krommingen, allemaal belangrijke elementen van wat uiteindelijk Art Nouveau zou worden.
Japanse Art Nouveau - De Golf van Katsushika Hokusai
Het is moeilijk om de eerste kunstwerken aan te wijzen die officieel Art Nouveau lanceerden. Sommigen beweren dat de opdrukken en vloeiende lijnen en de bloemachtige achtergronden die te vinden zijn in de schilderijen van Vincent van Gogh en Paul Gauguin de geboorte van Art Nouveau vertegenwoordigen, of misschien zelfs de decoratieve litho's van Henri de Toulouse-Lautrec, zoals Moulin Rouge: La Goulue (1891).
Echter, de meeste wijzen naar de oorsprong van decoratieve kunsten en, in het bijzonder, de cover van een boek van de Engelse architect en dizaner Arthur Heygate Mackmurdo voor de volume van 1883 Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur: toegeschreven als de eerste representatie van Art Nouveau
Het ontwerp van het boek toont kronkelige bloemstelen die uit een afgevlakte bloc komen aan de onderkant van de pagina, die duidelijk doet denken aan de Japanse stijl houtsneden.
Art Nouveau Tentoonstellingen
Art Nouveau was vaak duidelijker aanwezig op internationale tentoonstellingen tijdens zijn hoogtijdagen. De nieuwe stijl genoot van de centrale scène op vijf specifieke beurzen: de Expositions Universelles van 1889 en 1900 in Parijs; de Tervuren-tentoonstelling van 1897 in Brussel, waar Art Nouveau sterk werd gebruikt om de mogelijkheden van ambacht met de exotische houtsoorten uit de Belgische Congo te demonstreren; de Internationale Tentoonstelling van Moderne Decoratieve Kunsten in Turijn in 1902; en de Internationale Expo van L'Est de la France in 1909 in Nantes.
Op elk van deze beurzen was de stijl dominant wat betreft de exposities van decoratieve kunsten en architectuur, en in Turijn in 1902 was Art Nouveau werkelijk de gekozen stijl voor vrijwel alle ontwerpers en alle vertegenwoordigde naties, met uitsluiting van andere.
Poster Internationale Tentoonstelling van Moderne Decoratieve Kunst
De Art Nou
veau: een kunststroming met duizend namen
Siegfried Bing, een Duitse handelaar en connaisseur van Japanse kunst die in Parijs woonde, opende in december 1895 een winkel genaamd L'Art Nouveau, die een van de belangrijkste leveranciers van de stijl in meubels en decoratieve kunsten werd. Al snel werd de naam van de winkel synoniem voor de stijl in Frankrijk, Groot-Brittannië en de Verenigde Staten. De grote populariteit van Art Nouveau in West- en Midden-Europa betekende echter dat het verschillende titels had. In de Duitstalige landen werd het meestal Jugendstil (jeugdstijl) genoemd, afgeleid van een tijdschrift uit München genaamd Jugend dat het populair maakte. Ondertussen werd het in Wenen, de thuisbasis van Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann en de andere oprichters van de Wenen Secession, bekend als Sezessionsstil (secessiestijl).
Het werd ook wel Modernisme in het Spaans, Modernisme in het Catalaans en Stile Floreale (bloemenstijl) of Stile Liberty in Italië genoemd, laatstgenoemde naar de stoffenwinkel van Arthur Liberty in Londen, die hielp de stijl te populariseren. In Frankrijk werd het doorgaans Style Moderne genoemd en soms Style Guimard ter gelegenheid van zijn meest beroemde beoefenaar daar, architect Hector Guimard, terwijl het in Nederland vaak Nieuwe Kunst (Nieuwe Kunst) wordt genoemd.
Het moet worden benadrukt dat zijn talrijke critici ook verschillende minachtende namen gaven: Style Nouille (noodle-stijl) in Frankrijk, Paling Stijl (aangeel-stijl) in België en Bandwurmstil (lintworm-stijl) in Duitsland, allemaal namen die speels verwijzen naar de neiging van Art Nouveau om golvende en vloeiende lijnen te gebruiken.
Art Nouveau: concepten, stijlen en trends
De alomtegenwoordigheid van Art Nouveau aan het einde van de 19e eeuw moet deels worden verklaard door het gebruik van veel kunstenaars van populaire en gemakkelijk reproduceerbare vormen, die te vinden zijn in de grafische kunsten. In Duitsland drukten Jugendstil-artiesten zoals Peter Behrens en Hermann Obrist hun werk op boekomslagen en tentoonstellingscatalogi, tijdschriftadvertenties en posters.
Maar deze trend was op geen enkele manier beperkt tot Duitsland. De Engelse illustrator Aubrey Beardsley, misschien de meest controversiële figuur van Art Nouveau vanwege zijn combinatie van het erotische en het macabere, creëerde in zijn korte carrière een reeks posters die elegante en ritmische lijnen gebruikten. De sterk decoratieve afdrukken van Beardsley, zoals The Peacock Skirt (1894), waren zowel decadent als eenvoudig, en vertegenwoordigen de meest directe link die we kunnen identificeren tussen Art Nouveau en Japonisme / Ukiyo-e houtsneden.
De pauwenrok van Aubrey Beardsley - Art Nouveau
In Frankrijk populariseerden de posters en grafische productie van Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen en enkele anderen de luxueuze en decadente levensstijl van de belle époque, ongeveer de periode tussen 1890-1914, die doorgaans wordt geassocieerd met het sordide cabaret-district van Montmartre in het noorden van Parijs.
Hun grafische werken maakten gebruik van nieuwe chromolithografische technieken om alles te promoten, van nieuwe technologieën zoals telefoons en elektrische lichten tot bars, restaurants, nachtclubs en zelfs individuele artiesten, en ze riepen de energie en vitaliteit van het moderne leven op. In het proces verheven ze al snel de poster van de rijen van voetgangersadvertenties naar verheven kunst.
De modernistische architectuur van Art Nouveau
Naast grafische en visuele kunsten, moet elke serieuze discussie over Art Nouveau de architectuur en de grote invloed die het heeft gehad op de Europese cultuur in overweging nemen. In stedelijke centra zoals Parijs, Brussel, Glasgow, Turijn, Barcelona, Antwerpen en Wenen, evenals in kleinere steden zoals Nancy en Darmstadt, samen met plekken in Oost-Europa zoals Riga, Praag en Boedapest, was Art Nouveau architectuur in grote mate aanwezig, zowel in omvang als in uiterlijk, en is het vandaag de dag nog steeds zichtbaar in structuren variërend van kleine rijtjeshuizen tot grote institutionele en commerciële gebouwen. Vooral in architectuur werd Art Nouveau gepresenteerd in een grote verscheidenheid aan talen.
Veel gebouwen bevatten een voortreffelijk gebruik van terracotta en kleurrijke tegels. De Franse keramiekartiest Alexandre Bigot werd bijvoorbeeld beroemd door de productie van terracotta ornamenten voor de gevels en schoorstenen van Parijse woningen en appartementen. Andere Art Nouveau-structuren, vooral in Frankrijk en België, waar Hector Guimard en Victor Horta belangrijke beoefenaars waren, tonen de technologische mogelijkheden met ijzeren structuren verbonden door glazen panelen.
Casa Batlló – Barcelona - Art Nouveau
In veel gebieden van Europa werd de residenciële Art Nouveau-architectuur gekenmerkt door lokaal gesteente, zoals gele kalksteen of een ruwe, landelijke esthetiek met willekeurige cursieve vormen en houten panelen. En in verschillende gevallen werd een sculpturale witte stuclaag gebruikt, vooral in Art Nouveau-gebouwen die werden gebruikt voor tentoonstellingen, zoals de paviljoens van de Wereldtentoonstelling van Parijs in 1900 en het Secession Building in Wenen. Zelfs in de Verenigde Staten worden de plantaardige vormen die de wolkenkrabbers van Louis Sullivan sieren, zoals het Wainwright-gebouw en de Chicago Stock Exchange, vaak beschouwd als enkele van de beste voorbeelden van het brede architectonische bereik van Art Nouveau.
De Boog die overblijft van de Chicago Stock Exchange - Art Nouveau
De Art Nouveau-stijl meubels en interieurontwerp
Net als de Victoriale stijlrevivals en de Arts and Crafts-beweging was Art Nouveau nauw verbonden met interieurdecoratie, minstens zoveel als het zichtbaar was in externe façades. Net als deze andere stijlen uit de 19e eeuw, streefden ook de Art Nouveau-interieurs ernaar om een harmonieuze en samenhangende omgeving te creëren die geen enkel oppervlak ongemoeid liet. Het meubelontwerp nam een centrale plaats in dit opzicht in, vooral in de productie van houtsnijwerk dat scherpe en onregelmatige contouren vertoonde, vaak handgemaakt maar soms machinaal vervaardigd. Meubelmakers produceerden stukken voor alle denkbare toepassingen: bedden, fauteuils, eet- en keukentafels, kasten, dressoirs en kroonluchters. De golvende lijnen van de ontwerpen waren vaak geïnspireerd op de natuurlijke nerf van het hout en vaak permanent geïnstalleerd als wandpanelen en moldingen.
In Frankrijk omvatten de belangrijkste Art Nouveau-ontwerpers Louis Majorelle, Emile Gallé en Eugène Vallin, allemaal gevestigd in Nancy, en Tony Selmersheim, Édouard Colonna en Eugène Gaillard, die in Parijs werkten, de laatste twee specifiek voor de winkel van Siegfried Bing genaamd L'Art Nouveau, waardoor de hele beweging zijn meest voorkomende naam kreeg.
Meubelontwerp - Louis Majorelle Art Nouveau
In België zijn de lijn van de nekklap en de meer hoekige en gereserveerde contouren te zien in de ontwerpen van Gustave Serrurier-Bovy en Henry van de Velde, die de werken van de Engelse Arts & Crafts-artiesten bewonderden. De Italianen Alberto Bugatti en Augustino Lauro waren zeer bekend om hun bijdragen aan de stijl daar. Veel van deze ontwerpers bewogen zich vrij tussen de media, wat hen vaak moeilijk te categoriseren maakte: Majorelle produceerde bijvoorbeeld zijn eigen ontwerpen van houten meubels en opende een smeedijzeren gieterij,
Alberto Bugatti Meubels Art Nouveau
De schilderkunst van Art Nouveau en de hogere kunsten
Weinig stijlen kunnen beweren zo volledig vertegenwoordigd te zijn in bijna alle vormen van visuele media en materialen als Art Nouveau. Naast degenen die voornamelijk werkten in grafische kunsten, architectuur en ontwerp, heeft Art Nouveau enkele opvallende vertegenwoordigers in de schilderkunst, zoals de Wenen-secessionist Gustav Klimt, bekend om Hope II en The Kiss (beide van 1907-08) en Victor Prouvé in Frankrijk.
De Hoop II van Klimt - Art Nouveau
Maar de kunstenaars van Art Nouveau waren schaars en ver uit elkaar: Klimt had praktisch geen studenten of volgelingen (Egon Schiele ging in de richting van het expressionisme), en Prouvé staat even goed bekend als beeldhouwer en meubelontwerper. In plaats daarvan kan worden gezegd dat Art Nouveau verantwoordelijk was, meer dan enige andere stijl in de geschiedenis, voor het verkleinen van de kloof tussen decoratieve of toegepaste kunsten en utilitaire objecten en de schone kunsten of puur ornamentale schilderkunst, beeldhouwkunst en architectuur, kunsten die traditioneel als belangrijker werden beschouwd, en het is discutabel of die kloof volledig is verholpen.
Tekening van Victor Prouvé Art Nouveau
Sieraden en glaswerk van Art Nouveau
De luxe reputatie van Art Nouveau was ook evident door de exploitatie ervan door enkele van de bekendste glaskunstenaars in de geschiedenis. Emile Gallé, de Daum Brothers, Tiffany en Jacques Gruber verwierven eerst enige bekendheid, althans gedeeltelijk, via hun Art Nouveau-glas en hun toepassingen in vele utilitaire vormen. De firma's Gallé en Daum vestigden hun reputatie in ontwerpen van vazen en kunst in glas, pionierend met nieuwe technieken in zuurgeëtste stukken waarvan de golvende en goed gevormde oppervlakken moeiteloos leken te vloeien tussen translucente tinten.
De broers Daum en Tiffany exploiteerden ook de artistieke mogelijkheden van glas voor utilitaire doeleinden, zoals lampenkappen en bureauaccessoires. Zowel Tiffany als Jacques Gruber, die in Nancy waren opgeleid door de Daum Brothers in juwelen, evenals René Lalique, Louis Comfort Tiffany en Marcel Wolfers, creëerden enkele van de meest waardevolle stukken van de eeuwwisseling, variërend van oorbellen tot kettingen, armbanden en broches, waardoor Art Nouveau altijd zou worden geassocieerd met luxe van het fin-de-siècle, ondanks de hoop dat de alomtegenwoordigheid het universeel toegankelijk zou maken.
Corporate identity in Art Nouveau
Art Nouveau kwam tegelijkertijd in de belangstelling toen de detailhandel zich uitbreidde om een werkelijk massaal publiek aan te trekken. Het speelde een prominente rol in veel van de belangrijke stedelijke warenhuizen die eind 19e eeuw werden opgericht, waaronder La Samaritaine in Parijs, Wertheim's in Berlijn en Magasins Reunis in Nancy.
Bovendien werd het agressief gepromoot door enkele van de meest beroemde designwinkels van die tijd, te beginnen met de winkel L'Art Nouveau van Siegfried Bing in Parijs, die een bastion van de verspreiding van de stijl bleef tot de sluiting in 1905, kort na de dood van Bing. Het was verre van de enige winkel in de stad die zich specialiseerde in Art Nouveau-interieurs en meubels.
Ondertussen was Liberty & Co. de belangrijkste distributeur van de objecten van de stijl in Groot-Brittannië en Italië, waar, als gevolg, de naam Liberty bijna synoniem werd met de stijl.
Liberty & Co - Art Nouveau
Veel Art Nouveau-ontwerpers werden beroemd door exclusief voor deze detailhandelaren te werken voordat ze in andere richtingen gingen. De architect Peter Behrens, bijvoorbeeld, ontwierp praktisch alles, van theepotten tot boekomslagen, reclames, interieurs van tentoonstellingspaviljoens, gebruiksvoorwerpen en meubels, en werd uiteindelijk de eerste industrieel ontwerper toen hij in 1907 verantwoordelijk was voor al het ontwerpwerk voor AEG, de Duitse General Electric.
De invloed van Art Nouveau op de cultuur: wat daarna kwam
Als Art Nouveau eind negentiende eeuw Europa in een razend tempo veroverde, verlieten artiesten, ontwerpers en architecten het met evenveel snelheid in het eerste decennium van de twintigste eeuw.
Hoewel veel van zijn beoefenaars de doctrine "de vorm moet de functie volgen" tot het centrum van hun ethos hadden gemaakt, waren sommige ontwerpers geneigd om weelderig gebruik te maken van decoratie, en de stijl begon te worden bekritiseerd als te elaborate. In zekere zin begon de stijl, naarmate deze volwassen werd, terug te keren naar dezelfde gewoonten die het had veracht, en een groeiend aantal tegenstanders begon te beweren dat, in plaats van design te vernieuwen, het gewoon het oude door oppervlakkig nieuw had vervangen. Zelfs met nieuwe massaproductiemethoden verhinderde het arbeidsintensieve vakmanschap dat betrokken was bij het merendeel van het Art Nouveau-ontwerp dat het echt toegankelijk kon worden voor een massapubliek, zoals zijn exponenten in eerste instantie hadden gehoopt. In sommige gevallen, zoals in Darmstadt, verhinderden ook de losse internationale copyrightwetten dat artiesten financieel profiteerden van hun ontwerpen.
De associatie van Art Nouveau met tentoonstellingen droeg ook snel bij aan zijn ondergang. Om te beginnen waren de meeste beursgebouwen tijdelijke structuren die onmiddellijk na het sluiten van het evenement werden gesloopt. Maar belangrijker, de tentoonstellingen zelf, hoewel gehouden onder het mom van het bevorderen van educatie, internationaal begrip en vrede, neigden ertoe rivaliteit en competitie tussen landen aan te wakkeren vanwege de inherent vergelijkende aard van de presentatie. Veel landen, waaronder Frankrijk en België, beschouwden Art Nouveau als potentiële kandidaten voor de titel van "nationale stijl", met beschuldigingen van buitenlandse oorsprong of subversieve politieke nuances van Art Nouveau, in Frankrijk bijvoorbeeld, werd het op verschillende manieren geassocieerd met Belgische ontwerpers en Duitse handelswaarden, en soms was het de stijl die werd gebruikt in socialistische gebouwen, wat de publieke opinie tegen zich keerde. Met enkele opmerkelijke uitzonderingen waarin het genoot van een toegewijde lokale kring van toegewijde sponsors, was Art Nouveau in 1910 bijna geheel uit het ontwerplandschap van Europa verdwenen.
Van de Wiener Werkstätte naar Art Deco
De dood van Art Nouveau begon in Duitsland en Oostenrijk, waar ontwerpers zoals Peter Behrens, Josef Hoffmann en Koloman Moser al in 1903 een soberder en strikter geometrische esthetiek begonnen aan te nemen. Dat jaar stichtten veel ontwerpers die eerder waren geassocieerd met de Wenen Secession de collectieve bekend als Wiener Werkstätte, wiens voorkeur voor uitgesproken hoekige en rechte vormen herinnerde aan een nauwkeuriger, industriële-geïnspireerde esthetiek, die elke open verwijzing naar de natuur wegliet.
Deze objectivering van de machine-gegenereerde ontwerpeigenschappen werd in 1907 onderstreept door twee belangrijke gebeurtenissen: de aanstelling van Behrens als hoofd van al het bedrijfsontwerp van AEG, van gebouwen tot producten en reclame, waardoor hij de eerste industriële ontwerper ter wereld werd; en de oprichting van de Duitse Werkbund, de formele alliantie tussen industriëlen en ontwerpers die steeds meer probeerde een systeem van type producten te definiëren dat gebaseerd was op standaardisatie. Gecombineerd met een nieuw respect voor het classicisme, en gedeeltelijk geïnspireerd door de Wereldtentoonstelling van Chicago in 1893 en met de officiële goedkeuring van de City Beautiful-beweging in de Verenigde Staten, zou deze machine-geïnspireerde esthetiek uiteindelijk na de Eerste Wereldoorlog ontwikkelen, in de stijl die we nu laat Art Deco noemen.
De uitgesproken commerciële aard ervan werd beknopter uitgedrukt op de Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Parijs in 1925, het evenement dat in de jaren zestig de naam Art Deco zou geven. Gecombineerd met een nieuw respect voor het classicisme, geïnspireerd door de Wereldtentoonstelling van Chicago in 1893 en goedgekeurd door de City Beautiful-beweging in de Verenigde Staten, zou deze machine-geïnspireerde esthetiek uiteindelijk na de Eerste Wereldoorlog ontwikkelen, in de stijl die we nu laat Art Deco noemen.
Postmoderne invloeden van Art Nouveau
Ondanks zijn korte leven zou Art Nouveau invloedrijk zijn in de jaren zestig en zeventig voor ontwerpers die zich wilden bevrijden van de restrictieve, sobere, onpersoonlijke en steeds minimumistische esthetiek die in de grafische kunsten voorkwam. De vrije en niet-beheersbare lineaire kwaliteiten van Art Nouveau werden een inspiratie voor kunstenaars als Peter Max, wiens evocatie van een alternatieve psychedelische en dromerige ervaring doet denken aan de architecturale, imaginaire, vluchtige en vrije stroomwereld van het begin van de eeuw.
Altijd erkend vanaf het begin als een belangrijke stap in de ontwikkeling van modernisme in zowel kunst als architectuur, wordt Art Nouveau tegenwoordig minder begrepen als een overgangsbrug tussen artistieke periodes en als een uitdrukking van de stijl, de geest en het intellectuele denken van een bepaald tijdsframe, gecentreerd rond de eeuwwisseling, in 1900. In zijn zoektocht om een werkelijk moderne esthetiek te vestigen, werd Art Nouveau de definitieve visuele taal van een vluchtig moment in die tijd.
KUADROS ©, een beroemde schilderij aan je muur.
