The Art Deco is een populaire ontwerpstijl van de decennia van 1920 en 1930, vooral gekenmerkt door elegante geometrische of gestileerde vormen en door het gebruik van door de mens gemaakte materialen.
De kenmerken van de Art Deco -stijl zijn ontstaan in Frankrijk in het midden van en eind 1910 in de jaren dertig.
De karakteristieke kenmerken van Art Deco weerspiegelen de bewondering voor de moderniteit van de machine en door de ontwerpkwaliteiten die inherent zijn aan de objecten van Machine, bijvoorbeeld relatieve eenvoud, vlakke, symmetrie en onveranderlijke herhaling van elementen. Art Deco -objecten vertonen vaak eenvoudige en schone vormen, meestal met een "gestileerd" uiterlijk; Geometrisch of gestileerd ornament uit figuratieve vormen zoals bloemen, dieren en zonnestralen; en het gebruik van door de mens gemaakte stoffen, waaronder kunststoffen, vitamineglas en gewapend beton, vaak gecombineerd met natuurlijke materialen zoals jade, zilver, ivoor en chroom.
Art Deco - poster
Onder de formatieve invloeden van de Art Deco zijn Art Nouveau, Bauhaus, Cubism en Russes Ballets door Serge Diaghilev. Art Deco -beoefenaars vonden ook inspiratie in de bronnen van de Amerikaanse Indianen, Egyptenaren en vroege klassiekers, evenals in de natuur.
Net als Art Deco is Art Nouveau een sierstijl die van toepassing is op media zoals architectuur, interieurontwerp, sieraden en illustratie. Beide stijlen waren populair in Europa en de Verenigde Staten, maar Art Nouveau bloeide eerder tussen 1890 en 1910.
Op zijn beurt bereikte Art Deco zijn hoogtepunt in de late jaren 1920 en begin 1930 capulten van bloemen, wijngrens, insectenvleugels en andere delicate natuurlijke objecten. De Art Deco daarentegen vierde de moderne machine en bevorderde geometrische lijnen en elegante vormen.
Het belangrijkste verschil met Art Nouveau is de invloed van het kubisme dat Art Deco Design een meer gefragmenteerd geometrisch karakter geeft. Afbeeldingen gebaseerd op planten en bochtige krommen bleven echter in sommige Art Deco -ontwerpen, bijvoorbeeld die van Clarice Cliff in Groot -Brittannië. De Art Deco was zeer gevarieerd in zijn invloeden, geïnspireerd door oude Egyptische kunst, Aztec -kunst en andere oude Midden -Amerikaanse kunst, evenals in het ontwerp van moderne schepen, treinen en auto's. Het werd ook geïnspireerd door de moderne architectuur en het ontwerp van de Bauhaus en architecten zoals Le Corbusier en Mies van de Rohe.
Art Deco ontleende zijn naam aan de tentoonstelling Internationale des Arts Decoraratifs et Industries Modernes, gehouden in Parijs in 1925, waar de stijl voor het eerst werd tentoongesteld. Het Art Deco -ontwerp vertegenwoordigde het modernisme dat in mode veranderde. Hun producten omvatten beide luxe artikelen individueel gemaakt als in massa geproduceerde artikelen, maar in elk geval was het de bedoeling om een elegante en antitradictionele elegantie te creëren die rijkdom en verfijning zou symboliseren.
De meerderheid van de prominente makers van Art Deco ontworpen artikelen gemaakt met de hand of limited edition. Ze omvatten meubelontwerpers Jacques Ruhlmann en Maurice Dufrène; de architect Eliel Saarinen; de goudsmid Jean Puiforcat; de ontwerper van sieraden en kristallen René Lalique; de modeontwerper Erté; De kunstenaars-Murms Raymond Templier, Hg Murphy en Wiwen Nilsson; en de figuratieve beeldhouwer van Chiparus.
Art Deco- Jacques Ruhlmann Furniture
Art Deco del Opberes Jean Puiforcat
Early Art Deco
Aan het einde van de 19e eeuw in Frankrijk erkenden veel van de kunstenaars, architecten en opmerkelijke ontwerpers die een belangrijke rol hadden gespeeld bij de ontwikkeling van de Art Nouveau -stijl dat het steeds meer in de mode werd. Aan het einde van een eeuw die de industriële revolutie zag vaststellen, werd het hedendaagse leven heel anders dan die van enkele decennia eerder. Het was tijd voor iets nieuws, iets dat "twintigste eeuw" uitroept uit de modernistische en goede smaak.
De Society of Decorative Artists of Frankrijk
Van deze wens om naar de nieuwe eeuw te gaan tot de doorgang van innovatie in plaats van te worden tegengehouden door nostalgie, vormde een groep Franse artistieke innovatieven een organisatie genaamd Societé des Artistes Décoralateurs (de Society of Decorative Artists). De groep bestond uit erkende figuren zoals Art Nouveau Eugene Grasset en architect Art Nouveau Hector Guimard, samen met opkomende decoratieve kunstenaars en ontwerpers zoals Pierre Chaarou en Francis Jourdain. De Franse staat steunde en moedigde deze richting van artistieke activiteiten aan.
Art Deco - The Society of Decorative Artists
Een van de belangrijkste doelstellingen van de nieuwe groep was om de hiërarchische structuur van de visuele kunst die decoratieve kunstenaars degradeerde aan te vechten tot een status minder dan het meest klassieke middel van schilderen en beeldhouwkunst. Jourdain wordt beroemd aangehaald: "Daarom hebben we besloten om de decoratieve kunst terug te geven, disconsidief behandeld als een Assepoester of een arm familielid die met de dienaren mocht eten, naar de belangrijke plaats, bijna overwegend die hij in het verleden bezet, van alles De tijden en te allen tijde "van de wereldlanden".
Het plan voor een geweldige tentoonstelling die een nieuw type decoratieve kunst presenteerde, werd oorspronkelijk bedacht in 1914, maar moest worden geschorst tot nadat de Eerste Wereldoorlog voorbij was en vervolgens om verschillende redenen tot 1925 was vertraagd.
De tentoonstelling die officieel de Art Deco -beweging heeft gelanceerd
De Franse regering, die de tentoonstelling organiseerde tussen de Esplanade van Les Invalides met een gouden koepel en de ingangen van de Petit Palais en de Grand Palais aan beide zijden van de Sena -rivier, worstelde om de nieuwe stijl te laten zien. Meer dan 15.000 kunstenaars, architecten en ontwerpers vertoonden hun werk in de tentoonstelling. Tijdens de zeven maanden van de tentoonstelling tourden meer dan 16 miljoen mensen door de vele individuele tentoonstellingen. Deze tentoonstelling was de katalysator voor het begin van de beweging.
Art Nouveau en Art Deco
Art Deco was een directe en filosofisch directe reactie op de Art Nouveau -stijl en het bredere culturele fenomeen van het modernisme. De Art Nouveau begon in de Eerste Wereldoorlog in de Eerste Wereldoorlog te worden, omdat veel critici vonden dat de ontwikkelde details, delicate ontwerpen, vaak dure materialen en stijlproductiemethoden zich niet aanpaste aan een moderne, onstabiele, onstabiele wereld en meer en meer bewerkt. Terwijl de Art Nouveau -beweging zijn ingewikkelde en gestileerde vormen van de natuur ontleende en de deugden verheven van wat met de hand werd gedaan, benadrukte de ART Deco -esthetiek aerodynamica en elegante geometrie van het machinetijdperk.
Art Deco en modernisme
De expositie -internationale verzamelde verzamelde niet alleen werkt in de Art Deco -stijl, maar plaatste ook ambachtelijke items in de buurt van voorbeelden van Avant -Garde -schilderijen en sculpturen in stijlen zoals kubisme, constructivisme, Bauhaus, stijl en futurisme. In de jaren 1920 was Art Deco een weelderig contrapunt, maar grotendeels conventioneel, de meest hersen esthetiek Bauhaus en stijl. De drie deelden de nadruk op schone en sterke lijnen als een organiserend ontwerpprincipe. Art Deco -beoefenaars hebben technologische innovatie, moderne materialen en mechanisatie overgenomen en probeerden ze te benadrukken in de algemene esthetiek van stijl zelf. De beoefenaars leenden en leerden ook van andere modernistische bewegingen. Art Deco werd overwogen door fans die up -to -date waren met de toekomstperspectieven van hedendaagse Avant -Garde -bewegingen. Ironisch genoeg speelden modernistisch schilderen en beeldhouwkunst een secundaire rol in de tentoonstelling met de paar uitzonderingen van het Sovjet -paviljoen en het Esprit Nouveau Pavilion van Le Corbusier.
Art Deco na de Grote Depressie
Het begin van de tweede fase van Art Deco viel samen met het begin van de Grote Depressie. Soberheid kan in feite centrale esthetiek zijn voor zowel pragmatische als conceptuele redenen voor deze tweede ontwikkeling van het Art Deco. Terwijl de Art Deco -architectuur bijvoorbeeld verticaal was georiënteerd met wolkenkrabbers die op grote hoogten kwamen, latere kunstdeco -gebouwen met hun exterieur meestal zonder ornamenten, elegante rondingen en horizontale nadruk symbasiseerden robuustheid, stille waardigheid en weerstand. Tijdens de ergste jaren van economische ramp, van 1929 tot 1931, ging de Amerikaanse kunstdeco van de volgende trends om ze te vestigen.
Streamline modrne
Streamline Modrne werd de Amerikaanse voortzetting van de Europese Art Deco -beweging. Naast de serieuze economische en filosofische invloeden, de esthetische inspiratie voor de eerste gestroomlijnde modrne aan het begin van -Siglo XX.
Art Deco - Streamline Modrne
De kunstenaars en architecten van de nieuwe objectiviteit werden geïnspireerd door hetzelfde type nuchter pragmatisme dat de verdedigers van stroomlijnen Modrne dwong om excessen te elimineren, inclusief de emotionaliteit van expressionisme. De architecten van de nieuwe objectiviteit concentreerden zich op het produceren van structuren die als praktisch kunnen worden beschouwd, zoals een weerspiegeling van de eisen van het echte leven. Ze gaven de voorkeur aan dat hun ontwerpen zich aanpassen aan de echte wereld in plaats van anderen zich aan te passen aan een beetje praktische esthetiek. Daartoe waren nieuwe objectiviteitsarchitecten zelfs pioniers in prefabricatietechnologie (die hielpen om de armen van Duitsland snel en efficiënt te huisvesten).
Ik verstoken van ornamenten, de stroomlijnen moderne architectuur had schone bochten, lange horizontale lijnen (inclusief ramenbanden), glazen stenen, os -oogstijlvensters en cilindrische vormen en soms nautisch. Meer dan ooit lag er de nadruk op aerodynamica en andere uitingen van moderne technologie. De duurste en vaak exotische materialen van het Art Deco werden vervangen door beton-, glas- en chroomhardware in stroomlijnen modern. De kleur werd met mate gebruikt, omdat witachtig, beige en aardtinten de meest levendige kleuren van Art Deco vervangen. De stijl werd eerst geïntroduceerd in architectuur en vervolgens uitgebreid naar andere objecten, vergelijkbaar met de traditionele Art Deco -stijl.
Art Deco wordt met terugwerkende kracht genoemd
Oorspronkelijk werd de term "Art Deco" pejoratief gebruikt door een beroemde detractor, de modernistische architect Le Corbusier, in artikelen waarin hij de stijl bekritiseerde voor zijn versiering, een kenmerk dat hij als onnodig beschouwde in de moderne architectuur. Terwijl stijlverdedigers hem hebben geprezen als een modernistische en vereenvoudigde reactie op overmatige versiering, vooral in vergelijking met zijn directe voorganger, Art Nouveau, omdat elke decoratie overbodig was voor Le Corbusier. Het was pas het einde van de jaren zestig, toen de interesse in stijl werd gerevitaliseerd, dat de Britse historicus en criticus Bevis Hillier de term "Art Deco" op een positieve manier gebruikten.
Art Deco in de Verenigde Staten
In de Verenigde Staten ontwikkelde de ontvangst van de Art Deco -beweging zich in een ander traject. Herbert Hoover, de Amerikaanse minister van Handel. Op dat moment besloot hij dat Amerikaanse ontwerpers en architecten hun werk niet konden tonen in de internationale tentoonstelling omdat het betoogde dat het land nog steeds een duidelijk Amerikaanse kunststijl van kunst moest bedenken die naar tevredenheid was " nieuw genoeg. " Als alternatief stuurde hij een delegatie naar Frankrijk om de aanbiedingen in de tentoonstelling te evalueren en vervolgens wat ze zagen toe te passen op een hedendaagse Amerikaanse artistieke en architecturale stijl. In het contingent van esthetische afgezanten die door Hoover werden verzonden, werden belangrijke figuren van het American Institute of Architecture, het Metropolitan Museum of Art en de New York Times opgenomen. De missie inspireerde een bijna onmiddellijke boom van artistieke innovatie in de VS.
Tegen 1926 tourde een kleinere versie van de Franse beurs genaamd "Een geselecteerde verzameling objecten uit de internationale tentoonstelling van moderne, industriële en decoratieve kunsten" veel Amerikaanse steden. Uu. Zoals New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis , Boston, Minneapolis. en Philadelphia. De American World Fairs in Chicago (1933) en New York City (1939) benadrukten de Art Deco -ontwerpen, terwijl Hollywood esthetiek aannam en het in het hele land glamoureus maakte. Zelfs Amerikaanse bedrijven zoals General Motors en Ford bouwden paviljoens op de New York World Fair.
Art Deco - World Fair in New York
Een van de bekendste voorbeelden van de American Art Deco -stijl zijn wolkenkrabbers en andere grootschalige gebouwen. De Amerikaanse iteratie van Art Deco in gebouwenontwerpen wordt zelfs zigzag modern genoemd vanwege zijn hoekige en geometrische patronen als uitgewerkte architecturale gevels. De Amerikaanse kunstdeco is echter in het algemeen vaak minder sierlijk dan zijn Europese voorganger. Naast strakke lijnen en sterke krommen, gedurfde geometrische vormen, intense kleuren en soms luxueuze versieringen, is de Amerikaanse versie eenvoudiger. Omdat belangrijke invloeden zoals de nieuwe objectiviteit en de internationale stijl van architectuur, evenals de serieuze economische tegenslagen van de late jaren 1920 en vroege jaren 1930, ze begonnen met het beïnvloeden van Art Deco -esthetiek, werd de stijl veel minder luxueus.
Art Deco - Zig Zag Modern
De American Art Deco -stijl werd ontwikkeld als een viering van technologische vooruitgang, inclusief massaproductie, en een geloof hersteld in sociale vooruitgang. In wezen kunnen deze prestaties worden beschouwd als een weerspiegeling van nationale trots. In de jaren dertig onder de Works Progress Administration (WPA) van Roosevelt waren veel van de werken die werden gecreëerd Art Deco, van gemeentelijke structuren zoals bibliotheken en scholen tot massale openbare muurschilderingen. De WPA was van plan om de post -oorlogseconomie te stimuleren door het creëren van banen in openbare werken, en probeerde de gemeenschap te dienen door het creëren van banen en het bijbrengen van Amerikaanse waarden binnen het ontwerp. Het gebruik van de Amerikaanse kunstdeco bracht een uitdrukking van democratie door ontwerp. Sommige materialen die vaak werden gebruikt bij het maken van Art Deco waren duur en waren daarom buiten het bereik van de gemiddelde man. Het gebruik van nieuwe of laagkoste materialen maakte het echter mogelijk om een breed scala aan betaalbare producten te produceren en bracht daarom op een nieuwe manier schoonheid naar de publieke sfeer.
Wereldwijde groei van Art Deco
De Art Deco -stijl werd versterkt in wereldhoofdsteden zo divers als Havana, Cuba, Mumbai en Yakarta. Havana heeft een hele buurt ingebouwd in Art Deco -stijl. Het London Underground Rail -systeem bevat grotendeels de stijl. De haven van Shanghai bevat meer dan vijftig Art Deco -structuren, waarvan de meeste zijn ontworpen door de Hongaarse Laszlo Hudec. Van oorlogsmonumenten tot ziekenhuizen, steden zo ver weg als Sydney en Melbourne in Australië hebben ook de fenomenale stijl geabsorbeerd.
Art Deco - Laszlo Hudec
De belangrijkste visuele kenmerken van het ART -deco zijn afgeleid van het repetitieve gebruik van lineaire en geometrische vormen die driehoekige vormen omvatten, in zigzag, trapezoidaal en met het patroon van chevron. Net als zijn voorganger, Art Nouveau, wanneer objecten zoals bloemen, dieren of menselijke figuren worden weergegeven, zijn deze gestileerd en veel vereenvoudigd om de algemene esthetiek van het Art Deco te behouden. De aard en reikwijdte van stilering en vereenvoudiging of vereenvoudiging variëren afhankelijk van de regionale iteratie van de stijl. Een figuur als The Fire Bird (1922) van de Franse ontwerper René Lalique is bijvoorbeeld elegant slank en verzwakt, terwijl de atlas van Lee Lawrie (1937) buiten het Rockefeller Center solide en robuust is met een nadrukkelijk lineair spierstelsel, hoewel beide, hoewel beide worden beschouwd als goede representaties van de deco -stijl.
Art Deco - Atlas de Lee Lawrie in het Rockerfeller -gebouw
Volgens de nadruk van de beweging in moderne technologie, benaderden kunstenaars en ontwerpers kunstdeco moderne materialen zoals kunststoffen, Baquelita en roestvrij staal. Maar toen een vleugje rijkdom en verfijning nodig was, namen ontwerpers meer exotische materialen op zoals ivoor-, hoorn- en zebrahuid. Net als bij de Art Nouveau en Arts and Crafts -bewegingen, werd de Art Deco -stijl veel minder toegepast op de vormen van expressie van beeldende kunst die traditioneel van de hoogste rang van de hoogste rang: schilderen en beeldhouwkunst.
Art Deco Design
De Art Deco -stijl oefende zijn invloed op grafische kunsten uit op een manier die de invloed van het Italiaanse futurisme onthult met zijn liefde voor de snelheid en aanbidding van de machine. Futuristische kunstenaars gebruikten lijnen om de beweging aan te geven, bekend als "speed snorren", die uit de wielen van auto's en snelle -motion treinen kwamen. Bovendien gebruikten art deco -beoefenaars parallelle lijnen en conische vormen die suggereren dat symmetrie en aerodynamica. De typografie werd beïnvloed door de internationale invloed van het Art Deco en de soorten Bifur, Broadway en Peignot's lettertype onthouden de stijl.
Art Deco - Fuente Bifur
In termen van afbeeldingen herinneren eenvoudige vormen en grote solid -color -gebieden Japanse houtgravures, die een belangrijke bron van invloed waren geworden voor westerse kunstenaars, vooral in Frankrijk, na het einde van de isolatieperiode Edo in 1868. De daaropvolgende instroom van Japan Kunst naar Europa had een enorme impact. In het bijzonder vonden kunstenaars in de formele eenvoud van houtgravures een model om hun eigen onderscheidende moderne stijlen te creëren, te beginnen met de impressionist.
Art Deco -meubels
Tot het einde van de jaren 1920 bestond het ontwerp van avant -Garde -meubels in Frankrijk voornamelijk uit variaties in de Art Nouveau -stijl, maar vereenvoudigd en minder kromlijnig. Naarmate het decennium vorderde, ontstond Émile-Jacques Ruhlmann als de belangrijkste meubelontwerper (Ruhlmann had zijn eigen paviljoen in de tentoonstelling van 1925). Hoewel zijn ontwerpen voornamelijk werden geïnspireerd door stukken van de 18e eeuw die in de neoklassieke stijl werden geproduceerd, elimineerde hij veel van de versieringen terwijl hij exotische materialen gebruikte, de voorkeur van de ontwerpers Art Nouveau, zoals mahogany, ebony, palisandro, ivoor en de schildpad. Natuurlijk waren hun stukken vaak te duur voor iemand om ze te verwerven, behalve de rijkste.
In tegenstelling tot de luxueuze ontwerpen van Ruhlmann, die te paard leken te zijn onder de Styles Art Nouveau en Art Deco, was de absoluut Art Deco -meubelontwerper in Frankrijk Jules Leleu. Hij was een traditionele ontwerper geweest totdat de nieuwe stijl Art Nouveau vervulde en bekend staat om het ontwerp van de grote eetkamer van het Elysium Palace in Parijs en de luxueuze hutten op het eerste klasse dek van de elegante Normandie Steamboat.
Art Deco - Jules Leleu Furniture
In tegenstelling tot Leleu en Ruhlmann was Le Corbusier een verdediger van een zeer kleine versie en zonder ornamenten van de Art Deco -stijl, die vaak voldoende meubels creëerde voor de sobere interieur van hun eigen architecturale structuren. Zijn bedoeling was om prototypes te ontwerpen, met name stoelen, die door massa konden worden geproduceerd en daarom betaalbaar waren voor een AMP -markt
troep. Er moet ook worden opgemerkt dat het interieurontwerp van Donald Deskey van de beroemde plaats van interesse in New York City, de City Music Hall, een uitstekend voorbeeld is van het ontwerp van Amerikaanse kunstdeco -meubels dat nog steeds intact blijft in de oorspronkelijke vorm in de cadeau.
Art Deco - Le Corbusier -meubels
Art Deco -architectuur
Art Deco -architectuur wordt gekenmerkt door harde randontwerpen, vaak rijk versierd, geaccentueerd door glanzende metalen details. Veel van deze gebouwen hebben een verticale nadruk, gebouwd met de bedoeling de aandacht te trekken. Rechthoekige vormen, vaak in blokken, worden geometrisch gerangschikt, met de toevoeging van naalden op het dak en/of gebogen sierelementen om een aerodynamisch effect te bieden. New York wolkenkrabbers en de pastelkleurige gebouwen van Miami behoren tot de beroemdste Amerikaanse voorbeelden, hoewel de stijl wereldwijd in verschillende structuren werd geïmplementeerd.
In de Verenigde Staten hielp de Works Progress Administration de Architecture Art Deco om te generaliseren. Interessant is dat de fusie van het classicisme Art Deco en Beaux-Arts die worden gezien in veel openbare werken van de depressie bekend staat als PWA Modrne of Moderne Depression.
Kunstdeco PWA Moderne - Moderne depressie
Latere ontwikkelingen: After Art Deco
Art Deco raakte uit de mode in de jaren van de Tweede Wereldoorlog in Europa en Noord -Amerika, met de soberheid van de oorlogstijd die de stijl steeds opvallender en decadenter maakte. De metalen herstelden om ze te gebruiken bij de constructie van bewapening, in plaats van gebouwen of binnenruimtes te decoreren. Het meubilair werd niet langer als statusobjecten beschouwd. Andere technologische vooruitgang liet een goedkopere productie van basisverbruiksartikelen mogelijk, waardoor de behoefte en populariteit van Art Deco -ontwerpers wordt geëlimineerd.
Een beweging die in veel opzichten met het verleden wilde breken, is nu een klassieker geworden die opperste nostalgie genereert en met liefde wordt herinnerd. Sinds de jaren zestig is er een constante en voortdurende interesse in stijl geweest. Je kunt Art Deco -echo's zien in het moderne ontwerp van de Mid -Century, die de aerodynamische esthetiek van Deco uitvoert en de schone eenvoud van het Bauhaus beoordeelt. Deco hielp ook bij het inspireren van de Memphis Group, een ontwerp- en architectuurbeweging gericht op Milaan in de jaren tachtig. Memphis was ook gebaseerd op pop -art en kitsch als bronnen voor hun kleurrijke en bewust postmoderne ontwerpen.
Kuadros ©, een beroemde verf op je muur.
