설명
1890 년에 그려진 Claude Monet의 "Giverny의 Meadow in Giverny"작품은 자연의 숭고한 표현이며 예술가 자신의 환경에 대한 반영입니다. 수년간 그의 집과 직장인 Giverny는 Monet이 빛과 색의 색상의 순간을 포착하도록 영감을주는 시나리오입니다. 이 그림에서 예술가는 인상파 기술을 풍경과 깊은 감정적 인 연결과 결합하여 간단한 현장 장면을 시적과 생동감의 시적 표현으로 바꿉니다.
시각적으로, 그 구성은 균형 잡히고 조화 로운데, 잔디와 초목의 신선도를 불러 일으키는 녹색 색조가 우세합니다. 부드러운 녹색에서 더 강렬한 음표로 이동하는이 색상 사용은 노먼 풍경을 특징 짓는 식물의 다양성을 반영합니다. Monet은 빛을 숙달하여 캔버스 표면에 얽히고 사는 스펙트럼으로 분해됩니다. 이 현상은 잔디와 예상 그림자를 정의하는 빠르고 느슨한 브러시 스트로크에서 볼 수 있으며, 거의 생생한 움직임을 제공합니다. Monet은 자연 환경에서 정확한 순간을 포착하기 위해 검색에서 따뜻한 노란색, 부드러운 파란색과 무엇보다도 자연의 화려 함을 고려하도록 초대하는 다양한 녹색 범위를 포함하는 팔레트를 사용합니다.
이 작품에서 인간 인물의 부족은 풍경 자체에서 Monet의 접근을 강조하여 풀, 꽃 및 나무가 주인공이 될 수있게합니다. 그러나 생명은 결여되지 않습니다. 이 그림은 평온과 자유의 느낌을 발산하여 자연이 자신의 친밀감에 의해 거주하고 있음을 시사합니다. 들판 전체에 흩어져있는 야생 꽃의 존재는 풍경 자체가 그 존재를 축하하는 것처럼 자발성과 기쁨의 요소를 전체에 추가합니다.
인상주의 운동의 창시자 중 한 명인 모네 (Monet)는 빛의 인식과 색상에 미치는 영향을 탐구하는 데 전념했습니다. "Meadow In Giverny"는 "인상, 일출"또는 "물 백합"과 같은 현대적인 작품과 일치하며, 여기서 접근 방식이 분위기를 포착하고 정확한 사진 표현보다 순간이 더 많습니다. 이런 의미에서,이 작품은 또한 기술적, 개념적 진화의 예이며, 일상의 반복되는 주제 인 빛과 스테이션의 변화에 대한 지속적인 관심을 보여줍니다.
페인트가 두꺼운 층으로 적용되는 충전 기술의 사용은이 풍경에서 독특하여 시청자의 인식에 영향을 미치는 질감을 만듭니다. "Giverny의 Meadow"에서 Monet은 들판을 그릴뿐만 아니라 느슨하고 표현력있는 브러시 스트로크를 통해 시청자에게 환경을 경험하고 바람의 부드러운 호흡을 느끼고 자연과 내장 방식으로 자연과 연결하도록 초대합니다.
Monet의 유산은이 작품에서 공명하며 그의 기술적 숙달뿐만 아니라 자연 세계에 대한 그의 사랑도 반영합니다. "Giverny의 초원"의 묵상은 우리에게 휴식을 제공합니다. 그것은 단순하게 빛과 생명의 복잡성을 드러내는 풍경에 우리를 몰입시킵니다. 이 그림은 단순한 예술 작품이 아닙니다. 그것은 환경의시에 대한 Monet의 비전, 우리의 존재를 구성하는 맹렬한 순간의 아름다움을 감상하기위한 요구입니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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