설명
Claude Monet의 "Flower Vase"(1882)는 자연의 임시 아름다움에 대한 생생한 반사로 제시되며, 인상주의를 정의하는 미학에 충실합니다. 빛과 색상에 중점을 둔 Monet 은이 그림에서 생명과 색상의 용기가되는 꽃병의 본질을 포착하여 내러티브 요소 복합체에 의지하지 않고 장면에 시청자를 몰입 할 수있는 뛰어난 능력을 강조합니다.
작곡을 관찰 할 때, 우리는 주로 따뜻하고 빛나는 색조의 다양한 꽃을 갖춘 섬세한 꽃병을 발견합니다. 비록 그들이 현실의 표현이지만, 모네의 인상주의 기술과 조화를 이루고 살아있는 것처럼 보인다. 이것은 느슨하고 자유로운 브러시 스트로크로 나타나서 색상이 거의 자발적으로 혼합 될 수 있습니다. 하부 영역에서 밝고 어둡고 부드러운 효과는 꽃의 생생한 색상 폭발이 시청자의 시선을 사로 잡아 부인할 수없는 눈에 띄는 것임을 보장합니다.
색상의 경우, Monet은 풍부하고 다양한 팔레트를 사용합니다. 여기서 노란색, 장미 및 라일락은 묵상을 불러 일으키는 게임에서 얽혀 있습니다. 각 톤이 선택되고 배치되는 방식은 근본적입니다. 그것은 꽃을 충실하게 표현할뿐만 아니라 그 아름다움을 축하합니다. 빛은 또 다른 특성이됩니다. 왜냐하면 꽃잎을 재생하고 반영하여 작품에 깊이와 역 동성을주는 그림자를 만듭니다.
고전적인 디자인을 가진 꽃병은 자연이 일상 생활과 대화하는 곳인 예술가 자신의 집에서 친밀한 맥락을 제안합니다. 모네는 종종 그의 워크숍에서 꽃을 그렸다. 이 작품은 그의 경력 과정에서 탐구 된 일련의 삶에 속할뿐만 아니라 Monet이 즉각적인 시각적 경험을 포착하는 데 관심이 있었을 때, 인상파 운동을 정의한 검색입니다.
"꽃병"의 본질은기만적인 단순성을 통해 감정과 감탄을 불러 일으킬 수있는 능력에 있습니다. 인간 캐릭터는 존재하지 않아 꽃이 스스로 말할 수있게되어 삶의 아름다움과 일시적인 일에 대한 시각적 명상이됩니다. 이 측면은 모네의 비전과 일치하며, 그 순간에 가장 큰 영감의 원천과 일시적인 관찰을 발견했습니다.
미술사에서의 위치를 고려할 때, 작품은 기술이 상당히 진화했을 때 모네의 성숙한 단계에 배치됩니다. 동식물과 자연 요소를 탐구하는이 시대의 비슷한 그림은 인상적인 비용으로 "꽃의 꽃병"을 차지하는 곳을 강조합니다. 이 작품은 모네의 색과 빛에 대한 새로운 관심에 대한 증언으로, Fauvism과 다른 현대 예술의 발전을 포함하여 뒤따른 예술적 움직임을 깊이 공명 할 것입니다.
요약하면, "꽃 꽃병"은 꽃 배열의 단순한 표현 이상입니다. 기술과 감정의 조합을 통해 시청자와 공명하는 것은 시각적 탐구입니다. Monet은 아름다움이 가장 간단한 세부 사항에 있다는 것을 상기시켜줍니다. 예술과 자연의 인식과 관련이있는 교훈입니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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