説明
Pierre-Auguste Renoirの作品は、自然の美しさと技術的な習熟の岐路にあり、印象派の本質をカプセル化しています。ルノワールは主に人間の姿と日常生活のシーンの表現で知られていましたが、この花でいっぱいの花瓶は、花の構成の静けさでさえ、光と色を捕らえる能力を探求するように誘います。
塗料は、花が顕著に充電される可能性のあるニュートラルな背景に対して配置されたセラミックの花瓶を示しています。花はさまざまな鮮やかな色で配置されています。赤とピンクのトーンが支配的で、白と黄色のニュアンスが散らばっています。小さなゆるくてエネルギッシュなブラシストロークによって達成されるこの色の多様性は、新鮮さとダイナミズムの感覚を提供し、まるで呼吸のように花が生きているという幻想を生み出します。
ルノワールは、穏やかな日に日光を呼び起こす温かいパレットを使用します。この作品の色管理は基本です。アーティストは、花びらの影と光に現れる微妙なコントラストを使用しています。このコントラストは、花の3次元性を強調するだけでなく、周囲の自然との差し迫ったつながりを示唆しています。
構成に関しては、花瓶が中心にあり、視聴者の注意を引き付けますが、厳格に配置されていません。花瓶と花には、ほとんど有機的な動きがあります。これは、一部には、自然で流動的な花の花の原因であり、開口部の成長状態にあるように思われ、視聴者を感覚体験に招待します。ソフトとオフの背景は、気を散らさないが、メインオブジェクトを効果的にフレーム化する意図的なコントラストです。
Renoirがこの作品を作成したコンテキストを考慮することは興味深いことです。 1870年代の初めに、ルノワールの芸術は進化し、「花の花瓶」は、日常の表現への彼の最大の献身への前奏曲として見ることができます。 。ルノワールは一般的に人間のモデルに命を吹き込むために光の使用に関連していますが、ここでは自然を祝うための同じテクニックを提供し、花で飾られた花瓶のシンプルさの美しさを見つけます。
審美的には、「花瓶」と同じように、同じ自然の要素を提示する他の改修作品と、パリの生活の肖像画と対話します。この作品は、色と光の探求に対する関心の証であり、「セーヌ川の海岸の少女たち」または「ラックの昼食」（ラックの昼食」のように、その後の作品で本物の特徴になる要素の要素です。 1881）。
この作品は、その改装された習得の中で、ルノワールが花の単純な構成で、光の評価、形、そして人生の短命の美しさのより深い問題を探求するための車両を見つけたことを思い出させます。 「花瓶」は印象派の古典的な代表であるだけでなく、視聴者にこの美しさを最も純粋な形で熟考するように誘い、現在の瞬間を記録しようとする芸術的伝統の本質を捉えて、描いた花のようにつかの間のように捉えています。
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