説明
1933年にピエール・ボナードによって作られた「典型的な花瓶と空の花瓶」の絵画は、色と光、その複雑な構成に特に注意を払うことを特徴とする偽りとポストの衝突主義の伝統の一部です。これらの流れの最も顕著な指数の1つであるボナードは、叙情的な喜びで共鳴する日常生活を捉え、しばしば単純な要素を彼の芸術の中心に変えます。
この特定の作業では、注意はシーンの主人公になる2つの花瓶に焦点を当てています。ピンク、黄色、紫の間にある色合いの色合いは、鮮やかなanemoniesで満たされた花瓶は、空の花瓶とは大幅に対照的であり、その目的は単なる功利主義以上のものであると思われます。この花瓶の二重性は、生命そのものの完全性と空虚さに関する反映として解釈できます。色と生命のバーストを提供する花の存在は、空の花瓶の孤独と緊張して見られ、満腹とコンテンツの欠如の間の対話を示唆しています。
構成はバランスが取れていますが、ボナードのテクニックに典型的な特定の自発性にも従います。完全な花瓶は、単なる機能的な方法で表されていないテーブルに囲まれています。代わりに、表面は化合物のように感じられ、ほとんど絵の空間があり、視覚的なダンスに色と形状が流れます。最も中立的な背景の前の花の暖かい色の相互作用は、視聴者が親密さと暖かさの感覚を体験するように促し、家の親密さを示唆しています。
技術レベルでは、ボナードは彼の作品の光と深さを操作する彼の能力で認められています。 「Anemoniesと空の花瓶のある花瓶」では、常に現実を再現しようとするわけではなく、感情を呼び起こそうとする色の見事な使用を見ることができます。影と明かりが基本的な役割を果たし、ゆるく決定的なブラシストロークを使用すると、顔料がほとんど動いているように感じ、瞬間と環境の一時性を捉えます。
この作品では、多くの場合、親密さの画家と考えられているボナードが、個人的で普遍的に感じる環境を作ることができたことは驚くべきことです。絵画には人間の人物は存在しませんが、家庭生活の影響と共有された経験のアイデアは強く共鳴します。表現されているものの性質とアーティストによって選ばれた均一性は、単純な死んだ性質を感情的で審美的な存在の探求に変えます。
したがって、「典型的な花瓶と空の花瓶」は、単に容器内の花の表現ではありません。それは、人間の状態、はかないものの美しさ、そして日常の意味に関する審美的な反射です。彼の特徴的なスタイルを通して、ボナードは視聴者に、作品だけでなく、彼自身の充実と空虚の瞬間を止めて熟考するように誘い、したがって、彼の芸術の本質と芸術の人間について話す能力をカプセル化します。
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