説明
ポール・ゴーギンによる「花瓶のオナグラス」（1885年）は、後年の著者の芸術的制作を特徴付ける、より個人的で独特のスタイルでのポスト・インプレッション主義の移行のパラダイム的な例として建てられています。この絵では、ゴーギャンは色と形の印象的な組み合わせを表示し、視聴者に自然の単なる表現を超越する感覚体験を提供します。
組成を観察するとき、私たちは、毎日のように見えるが、激しい色飽和の視覚的なシナリオに変わる環境に含まれる作品の中心を占める花瓶を見つけます。 rib骨で表される花は、花瓶の中で踊るように見えるように配置されており、花びらは、暗い背景と大幅に対照的な黄色とオレンジ色の範囲を示しています。ゴーギャンの典型的な色の使用は、花の現実だけでなく、人生のはかない美しさに反映する感情的な負担を呼び起こします。
補完的な色の戦略的使用は、作業の深さを強化します。背景の濃い緑と上部にほのめかされている青は、花瓶を組み立てるだけでなく、花の素晴らしさに集中することに貢献します。このアプローチは、視覚的な外観だけでなく、自然に対する観察者の内部経験の感覚も捉えることを目的として共鳴します。 Gauguinの目に見えるように官能的なブラシストロークは、視聴者が彼の最も純粋な存在で自然の瞬間を中断したかのように、捕らえられた静けさの瞬間だけでなく、即時性の感覚にもアピールします。
興味深いことに、この作品は、ゴーギャンが忠実な表現から、印象派を特徴付ける性質へと移行し始め、代わりにより主観的な表現を求めている文脈にあります。これは、いくつかの形のほぼ抽象的なシンプルさと、非自然的な色の使用で見ることができます。活気に満ちた感情的なパレットの選択は、彼のキャリアの中でその後の探求の前奏曲です。象徴性と感情へのこのアプローチは、特にタヒチでの彼の時代に、異なる文化との接触が芸術的な真正性のために彼の探求を養うことで、その後の作品でより明白になります。
「花瓶の中の存在」は伝統的な意味でのキャラクターを提示しませんが、自然そのものの存在は主人公になります。花は空間を飾るだけでなく、最も生の状態で生、死、美しさの熟考を招きます。これは、肉体と精神の間でガウギンが知覚した相互接続を覚えている視覚的な対話です。
この作品を通じて、ゴーギンは彼自身の芸術的進化だけでなく、アーティストの内部を表現するための車両として色と形を使用する現代美術におけるその後の影響も予想しています。 「花瓶のosagras」は、色の使用と感情的な状態を呼び起こす方法の彼の習熟の証拠として、そして美しさがシンプルで日常に存在することを思い出させるものです。塗装された花ごとに、ゴーギンは芸術の歴史だけでなく、後者が人間の経験において意味することの認識において、消えないマークを残します。
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