説明
20世紀初頭の芸術の文脈では、カジミール・マレヴィッチは抽象的な芸術の発展に影響を与える不可欠な人物として浮上しています。彼の遅い作品の1つである「Man in the Supreme Landscape」（1930）は、アーティストの移行と進化、および彼の至上主義者の理想の永続性を正確に例示しています。
「至上主義者の風景の中の男」を分析するとき、私たちは比ur的な要素と至上主義の基本原則と混合する構成に直面しています。これは、1915年にマレビッチ自身が設立した芸術運動です。 （1915）、この1930年の写真は、宇宙に浮かぶ基本的な幾何学的形状に限定されず、中央の人間の人物を導入し、抽象化の価値を放棄することなく表現への関心への回帰を示しています。
絵画は、詳細を個別化する顔と体で立っている人間を提示します。これは、至上主義の規範を満たす景観内の人間自体の普遍性を強調しています。赤、青、白などの平らで明るい色は、地平線と空の均一性とは対照的であり、視覚的超越に向けて意図的な行進をします。
絵画の背景は、栽培領域とミニマリストの建築構造の両方を象徴するオーバーラップと長方形の形で構成された、特定の参照なしで風景を呼び起こします。これらの色と形状の意図的な使用は、個人と彼の環境の間の対話を確立し、マレビッチが彼の作品を通して対処する人類と近代性の間の絶え間ない二元論を指します。
絵画の中心で堅牢に立つキャラクターは、周囲の形のダイナミズムと動きに気づかないように思われ、熟考またはおそらく辞任の態度を強調しています。均一に整列した手足を備えた人間のしっかりした地位は、彼を生きている記念碑のように見せます。現在の物質性とより高い意識の領域の両方に固定されています。
この写真は、当時のソビエトロシアの社会政治的変容に関するマレヴィッチの反省としても機能します。それは公然と宣伝ではありませんが、スプレマティストの文脈の中で人間の姿を使用することは、スピードで形成された共産主義体制の下での個人の役割に関する瞑想を示唆し、芸術と社会の伝統的な構造に挑戦します。
「至上主義者の風景の中の男」は、カジミール・マレヴィッチの創造的な心への窓であるだけでなく、個人と集団、抽象的な幾何学、形成、純粋な色、そして純粋な色と形のバランスの私たち自身の解釈への開かれた扉でもあります。本質的な意味。マレヴィッチは、この作品を通して、時間と空間を超越できる普遍的な言語としての芸術の理解について瞑想するように私たちを招待します。
この重要な作品は、おそらくその前身ほど有名ではありませんが、計り知れない意味的な富を持ち、現代人と視覚的および精神的存在の最も基本的な要素内でのアイデンティティの絶え間ない探求との間の継続的な対話を開きます。
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