説明
1900年にアンリ・マティスによって行われた作品である「ノートルダム」の熟考において、現代美術の広大な生地で自分の声を定義し始めたアーティストの見事な移行に没頭します。 49x60 cmの中程度の寸法のキャンバス上のこのオイルは、最初のバコタ展示会が視聴者に深く共鳴する印象を植え付けて以来、有名なパリ大聖堂の親密で活気のある表現を捉えています。
一見、ノートルダムの象徴的な構造がシーンを支配していますが、マティスは明らかに個人的で瞑想的なアプローチを選択します。当時の建築表現にしばしば関連する文字通りの詳細な複製に反して、ここで大聖堂は、薄暗いバランスで吊り下げられていると思われる一連の幾何学的計画とボリュームを通じて明らかにされています。マティスが後に正式に抱きしめるこのファウビズムの初期の導入は、輪郭が単純化され、色が激化する方法で触知可能です。
Matisseの色の選択は特に注目に値します。セルレオスと緑がかったトーンは、空と風景を移動するだけでなく、建築構造自体に染み込んでおり、ほとんど空気のような品質を与えます。この色の選択的使用は、マティスが彼のその後の仕事でクロマティズムに対処する大胆さを予測し、捕らえられた環境の感情的な構成と気分表現に基本的な役割を果たします。
この作品では、人間の存在の概念は、ほとんどエコーがありません。パリの生活は明示的に示されるのではなく、ほのめかします。影と光の領域は、大聖堂を囲む路上での動きと活動を示唆しているようですが、絵に夢の雰囲気を与えるのはこのとらえどころのないダイナミズムです。
おそらく、この作品の最も興味深い要素の1つは、その構成にあります。これは、線と角度が中心点に向かって見て、キャンバスの異なる角に分散するような感情的な図です。このパースペクティブゲームは、アーキテクチャの視覚化だけでなく、一時的な延長そのものを提案しています。ここには、マティスの最大の遺産の1つがあります。同じ絵の空間に共存する構造と感情の可能性です。
アンリ・マティスは、「ノートルダム」を通して、都市だけでなく、見る方法にも窓を提供します。この絵画は、アーティストが大胆に発達し、純粋な主観と崇高な表現の世界に向かって硬直した学問的制限を超えて大胆に発達するという視覚言語の初期の証言です。その中には、半世紀以上にわたり、芸術を通して人生の本質を捉えるための飽くなき検索を定義する最初の色と形のせせらぎがあります。