説明
20世紀のモダニズムの基本的な柱の1つであるアンリ・マティスは、「1912年」の作品「虹彩の花瓶」にその消えないマークを残しています。この50x60 cmの塗料では、マティスは、その鮮やかなカラーパレットと、単純化された形状と定義された輪郭の大胆な使用を特徴とする紛れもないフォービストスタイルを表示します。
作品の構成は、空間組織と色の調和における習得を示しています。視聴者の目はすぐに作品の中心に引き付けられます。そこでは、青い色の半円形の容器には、背景のオレンジ色のシンプルさと魅力的なコントラストを生み出す青と紫のトーンで描かれた虹彩ブーケがあります。この優れた色と中央人物のこの対立は、深さとダイナミズムを生み出すために、マティスが色を操作するために持っていたスキルを強調しています。
詳細な観察は、マティスの感情の二重性、つまり色の青々としたエネルギーと自然の穏やかな熟考を明らかにしています。虹彩容器は、視点が描写されているよりも微妙に提案されているテーブルにしっかりと置かれており、美の対象であるだけでなく、観察者に色と形の相互作用を探求するよう招待するアプローチポイントを表しています。虹彩の茎は、ほぼ概略的なシンプルさで描かれており、詳細な表現の代わりにフォームの本質に私たちを連れて行きます。
「虹彩の花瓶」では、マティスは故意に人間のキャラクターの存在を省き、死んだ自然を自分自身のために話させます。これは孤立したケースではなく、彼の作品の繰り返しの特徴であり、色と形を通してオブジェクトと生命そのものの純粋な本質を捉えようとしました。マティスが追求するのは、塗装されたオブジェクトと観客の間の親密な相互作用であるため、顔や人物はありません。
この絵画におけるマティスのテクニックは、19世紀のリアリズムの制限と恐ろしいパレットの芸術を解放しようとする動きである、彼のフォービズムとの探求を明らかにしています。 「花瓶」は、特定の根底にある静けさをあきらめることなく、マティスの検索をカプセル化して、激しい、ほぼお祝いの視覚的な調和を達成します。しかし、背景のオレンジの活力は圧倒されません。代わりに、それはガラスと虹彩の形と色が浮かぶ穏やかな海として機能します。
マティスがどのようにして視覚体験を蒸留して、普通が例外的かつ象徴的なものに変換されるように視覚的な経験を蒸留したかを反映せずに、この作業を観察することは不可能です。この虹彩のグラスは、容器内の花の表現ではありません。それは色のお祝いであり、形の瞑想であり、その最も重要な小学校の状態での美へのオマージュです。
ヘンリ・マティスは、彼の「1912年の虹彩の花瓶」を通して、まだ共鳴している芸術的原則の宣言を強調しています。したがって、この絵画は、視覚的な喜びだけでなく、芸術の変容力の永続的な証言にもなります。