説明
1904年に作成されたアンリ・マティスによる「ノートルダム」は、フランスの教師の初期の時代の象徴的な例であり、後にフォーヴィズム中の彼のキャリアを定義する活気に満ちたゆるいスタイルに進化しました。この67 x 60 cmの絵画は、パリの雄大なノートルダム大聖堂を表しており、街の忙しい生活とは大幅に対照的な静けさの瞬間に捉えられています。
その構成に関しては、Matisseは綿密で構造化されたアプローチを採用しています。大聖堂は中心的な人物として立っており、視覚的にキャンバスを支配しています。わずかに高い視点を通して、マティスは視聴者を招待して、ノートルダムの印象的なアーキテクチャだけでなく、都市環境との相互作用も観察するように勧めています。大聖堂を囲む木は、それを詳細に説明するのではなく、自然を示唆する柔らかくびまんだブラシストロークで表されています。この葉の治療は、石の直線と曲線がより明確に描写されるゴシック構造の詳細とは対照的です。
「ノートルダム」の色は、分析に値する別の側面です。 Matisseが使用するパレットは、青と緑のトーンに支配されており、穏やかで瞑想的な雰囲気を作り出しています。これらの色は、午後と夕暮れの間の日の瞬間を示唆しています。そこでは、光が穏やかに薄くなり始めます。この作品におけるマティスのテクニックは、詳細な詳細よりも瞬間の感覚と雰囲気を捉えようとする絵画用途で、印象派の特定のエコーを保持していることに注意する必要があります。しかし、その後のよりフラットな色の領域へのその後の関心に向けて明らかな移行があります。これは、そのフォービスタ時代の前奏曲です。
絵画には、周囲の環境の前にある大聖堂の記念碑性と堅実さをさらに強調する人間の姿はありません。人々の不在は、都市の景観を普遍化しようとする試みとして解釈される可能性があり、視聴者が特定の人物の気を散らすことなく現場に投影できるようにします。
「ノートルダム」がマティスの初期の作品のコーパス内でどのようにあるかを観察することは興味深いです。彼のキャリアを通じて、マティスは、ポイントリズムからファウビズムの活気に満ちた非自然主義的な色の使用に至るまで、さまざまなテクニックとスタイルを経験しました。ただし、このような作品では、カラーとシェイプコントロールを通して象徴的な場所の本質を捉えるためのマティスの明確な意図を見ることができます。これは、その学術トレーニングとイノベーションの環境の両方を反映する中間ステップです。
「ノートルダム」は、単に建築の記念碑の表現ではなく、その場所に関するマティスの主観的な解釈です。人間の姿の構成、色、不在を通して、マティスは、視聴者が止めて熟考するように誘う時代を超越した感情と静けさの感覚を伝えることができます。この絵画は、後に彼の作品を特徴付ける大胆さの前奏曲であり、シンプルさと熟考において美しさとバランスを見つける彼の能力の証です。
要約すると、アンリ・マティスの「ノートルダム」は、20世紀の最も影響力のある画家の一人の芸術的進化を理解するための基本的な部分です。微妙な色と形状の管理により、この作品は建築的マイルストーンを祝うだけでなく、マティスが晩年に展開する色合いの輝きとスタイルの自由を予見する内省的なビジョンも提供します。