説明
アンリ・マティスの作品の研究は、色と形の旅行に私たちを連れて行きます。これは、強度とシンプルさが見事に共存する旅です。 「ひまわりの花瓶」（1898年）は、49x60 cmの一部であり、その実験的才能と絵画を通して自然の本質を捉えるための探求の初期の例です。
「ひまわりの花瓶」を観察することによって得られた第一印象は、暖かさと活力の感覚です。マティスはひまわりを表すことを選択しました。それは、まさにその性質によってエネルギーと生命を象徴し、冷静な背景に際立っている花を象徴しています。興味深いのは、これらの花がそれらを含む花瓶をほぼ溢れているように見えることです。一見、初歩的であると認識されるかもしれませんが、それは視聴者の注意をひまわり自体に集中させるのに役立ちます。単純な花瓶と空間構成の選択は、花が表す色と形の鮮やかなバーストの眺めをそらさないように、マティスの意図的な意図を示唆しています。
色に関しては、ヒマワリの黄金色の色調は、茎の緑と花瓶と調和して対照的に、バランスのとれた心地よい構成を目にします。この作品におけるマティスのテクニックは、その後の生産と比較してまだ財務省ではあるが、すでにクロマティズムについての彼の懸念と色を通して感情を探求したいという彼の欲求をすでに示唆している。この絵画のマティスのブラシストロークは表現力豊かで、ほとんどジェスチャーであり、彼のその後の作品を特徴付けるゆるく抑制されていないアプローチではありませんが、絶え間ない自由と捜索は個人的な表現によって直感的です。
「ひまわりの花瓶」の背景は、主題自体と同じくらい重要です。 1898年、マティスは彼のキャリアの移行期にあり、ポスト - 衝突主義、特に別の色とスポット表現のマスターであるゴッホの作品の影響を受けました。マティスは彼の前任者のテクニックを慎重に研究し、この作品では、前衛主義の色と前衛と後にフービズムを導く原則と浮気し始める構成との鮮やかな使用の微妙な合流があります。
さらに、「ひまわりの花瓶」がマティスのフルワークボディにどのように挿入されるかを考えるのは魅力的です。この作品は、そのすべての強さと繊細さを同時に、現代美術の形と色の関係を再定義するアーティストの到着を発表しているようです。マティスは自然を模倣することに満足していません。それはそれを変換し、再発明し、新しい光の下で視聴者に提示します。この意味で、「ひまわりの花瓶」は、明白なものを超えて見て、平凡な表現に個人的な言語を見つけるマティスの能力の証です。
「ひまわりの花瓶」を通して、私たちは、現代美術の最もエネルギッシュで革新的な動きの1つであるものの1つであるFauvismを垣間見ることができます。この作業はそのスタイルの乱流水に完全に入るわけではありませんが、世界を見る新しい方法の発生を見ることは不可能です。鮮やかなカラーパレット、ブラシストロークの力、およびフォームの単純化は、マティスが今後数年間でより深さを探求し続ける要素です。
最終的に、「ひまわりの花瓶」は、意味と視覚的な美しさが豊富な作品です。それは、マティスが色、形、自然の力とシンプルさを熟考するように私たちを招待する作品です。この作品は、アーティストの才能の初期のデモであるだけでなく、意図の宣言であり、その後の道を見ることであり、20世紀の芸術の最も重要な人物の1つとしてそれを統合することになります。