Descrizione
Nella "processione flagellante", dipinta nel 1793, Francisco Goya ci immerge in un universo palpitante di fervore religioso e angoscia emotiva, in cui l'atto di flagellazione è presentato come rituale sia potente che inquietante. Questo capolavoro è un riflesso del contesto socio-religioso della Spagna del XVIII secolo, un momento in cui la devozione estrema e le pratiche penitenziali erano profondamente radicate nella cultura spagnola. Goya, noto per la sua acuta capacità di osservare e il suo stile innovativo, usa questo lavoro per offrire critiche implicite alla violenza spirituale che possono indurre credenze dogmatiche.
La composizione del dipinto è sia dinamica che tesa. Al centro dell'opera, un gruppo di flagellanti marcia in una processione, le loro cifre sono raggruppate in un fragile equilibrio, creando un senso di unità nella loro disperazione. I corpi allungati, avvolti in abiti scuri, sembrano muoversi in una coreografia di dolore e devozione. Goya fa affidamento su una tavolozza terrena che enfatizza la gravità dell'atto, contrastando il nero dei vestiti con lo sfondo cupo, che amplifica l'atmosfera della solennità e della sofferenza. L'uso dei toni non solo fornisce un senso di realtà austera, ma evoca anche la gravità dell'atto di flagellazione.
I volti dei flagellanti, sebbene parzialmente oscurati, irradiano un leggero brillantezza che accenna a diverse emozioni: disperazione, fervore e, possibilmente, una trance religiosa. Questo uso di luce e ombra è caratteristico nel lavoro di Goya, che trova nel Chiaroscuro un potente strumento per rimuovere lo spettatore dal banale e immergerlo nella psiche collettiva del suo tempo. Inoltre, la disposizione dei personaggi suggerisce un movimento in avanti, come se il gruppo fosse in un viaggio inesorabile al proprio dolore legittimo, simboleggiando una dimensione di sacrificio che è intrisa di una significativa ambivalenza.
Un aspetto interessante della "processione flagelante" è l'eco della tradizione di maestri di arte barocca, in cui la rappresentazione della sofferenza e della devozione era comune, ma Goya qui introduce uno stile più personale e critico che prefigura il suo famoso approccio per ritrarre la notte della ragione e della follia. Il suo interesse per le lotte umane e la tragica condizione diventa evidente in questo lavoro, che serve tanto a uno specchio delle pratiche del tempo come un preludio alle sue future critiche all'oppressione, che culminerà in opere notevoli quanto "disastri della guerra . "
Attraverso questo dipinto, lo spettatore può percepire l'usura emotiva e fisica che gli individui soffrono in nome della religione. Goya, sebbene un profondo intenditore della tradizione artistica che lo ha preceduto, inizia a forgiare il proprio percorso, spingendo a contemplare oltre la semplice immagine ed entrare nel turbolento mare delle emozioni umane. Pertanto, la "processione flagelante" è posizionata non solo come una semplice rappresentazione di un rituale specifico, ma come una riflessione sulla natura della sofferenza e sulla ricerca umana di rimborso, questioni universali che trascinano il loro tempo e continuano a risuonare oggi. Goya, attraverso il suo aspetto acuto, ci costringe a confrontarsi non solo all'atto, ma alle motivazioni e alle conseguenze dietro ogni flagellazione sulla strada per la fede.
KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.
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