Spesso c'è più in un'immagine di quanto sembri, e molte delle opere d'arte più famose del mondo nascondono segreti sotto la superficie. Puoi studiare il tuo dipinto preferito più e più volte e scoprire ancora un nuovo simbolo criptico o dettagli nascosti. Alcuni dei più famosi artisti del mondo lasciano intenzionalmente messaggi segreti nei loro dipinti, e alcuni hanno persino suscitato teorie di cospirazione popolari, sia per sovvertire l'autorità, sfidare il pubblico o rivelare qualcosa su se stessi. Centinaia di anni dopo, grazie ai progressi tecnologici, molti di questi messaggi segreti vengono scoperti per la prima volta. Kuadros ha voluto svelare questi misteri per te. Questi sono i dipinti famosi che abbiamo considerato i più enigmatici.
No.1 L'Ultima Cena - Leonardo Da Vinci
La famosa rappresentazione di Leonardo da Vinci di Gesù e dei suoi discepoli nell'Ultima Cena è stata al centro di alcune teorie popolari negli ultimi anni, come descritto nel romanzo del 2003 "Il Codice Da Vinci" di Dan Brown e nell'adattamento cinematografico del libro del 2006 con Tom Hanks. Brown ha proposto che il discepolo a destra di Gesù sia in realtà Maria Maddalena travestita da Giovanni Apostolo. Suggerisce anche che la forma di "V" che si forma tra Gesù e "Giovanni" rappresenti un utero femminile, implicando che Gesù e Maria Maddalena abbiano avuto un figlio insieme. Tuttavia, gli storici dell'arte sono scettici. L'Ultima Cena di da Vinci è importante per la sua composizione espressiva e l'uso della prospettiva, che era un'innovazione all'epoca. Da Vinci allineò le figure e le pareti della stanza dipinta con corde che si irradiano da un chiodo nel muro dove è dipinto l'originale, sopra un refettorio in un monastero a Milano. Molti suggeriscono che l'aspetto di Giovanni sia femminile semplicemente perché è così che è stato rappresentato. L'esperto Mario Taddei ha detto a Artnet.com: "Leonardo doveva copiare le ultime cene prima di lui, e Giovanni sembra una donna". Ma un messaggio segreto molto più convincente è stato scoperto dal tecnico informatico italiano Giovanni Maria Pala. Affermò che Da Vinci nascose note musicali dentro "L'ultima cena" che, quando vengono lette da sinistra a destra, corrispondono a un inno di 40 secondi che suona come un requiem.
Quando l'abate del monastero si lamentò che il dipinto stava impiegando troppo tempo, si dice che l'artista infuriato abbia minacciato di usare il volto dell'abate come modello per il traditore Giuda. Alla fine, da Vinci visitò le carceri di Milano per trovare il volto villain perfetto per Giuda, che è seduto quinto da sinistra. Storici professionisti dell'arte dicono che non ci sono prove delle teorie di cospirazione sull'Ultima Cena esposte in "Il Codice Da Vinci" e altri libri che trattano l'argomento; e rifiutano l'identificazione della figura a sinistra di Gesù come la sua seguace Maria Maddalena, piuttosto che l'apostolo Giovanni.
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No.2 La Creazione di Adamo - Michelangelo
"La creazione di Adamo" è probabilmente il più famoso dei nove pannelli biblici che Michelangelo dipinse sul soffitto della Cappella Sistina. Ma sapevi che la scena conteneva un cervello umano? Il messaggio nascosto si trova nella tela dove si presume possa essere distinta la forma del cervello. Apparentemente, l'artista lo introdusse nel suo affresco perché a quel tempo le autopsie erano vietate dalla Chiesa. Risulta che Michelangelo fosse un esperto in anatomia umana. A 17 anni, aveva un lavoro abbastanza macabro a dissezionare cadaveri del cimitero della chiesa. Pertanto, alcuni credono che gli sarebbe piaciuto presentare questa passione per l'anatomia in uno dei suoi maggiori successi, sul soffitto della Cappella Sistina. Secondo gli esperti in neuroanatomia Ian Suk e Rafael Tamargo, il pittore collocò alcune illustrazioni accuratamente nascoste di certe parti del corpo sul soffitto della Cappella Sistina. E se osservi il sudario che circonda Dio in "La creazione di Adamo", scoprirai che crea un'illustrazione anatomica del cervello umano. Suk e Tamargo credono che Michelangelo intendesse che il cervello rappresentasse l'idea che Dio stava dotando Adamo non solo di vita, ma anche di conoscenza umana.
Un medico afferma che Michelangelo fosse molto familiare con il cervello umano e che utilizzò la sua conoscenza di neuroanatomia per rappresentare simbolicamente il cervello nella sua "Creazione di Adamo". Altre interpretazioni vanno ancora oltre, questo dipinto va contro l'ideologia religiosa e trasmette il messaggio che tutto nasce dall'uomo, invece del contrario. Che pensiero così sacrilége in effetti. Un'opera d'arte così famosa, eppure stiamo trovando segreti nascosti secoli dopo la sua concezione.
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No.3 La Gioconda - Leonardo Da Vinci
Vale a dire, la Gioconda, il dipinto più famoso tra i dipinti famosi, l'opera più visitata del Museo del Louvre. Questa enigmatica dama ha in realtà più da vedere qui di quel famigerato sorriso mezzo. Innanzitutto, si specula che sia incinta, data la posizione delle braccia sul ventre e il velo attorno alle spalle, che le donne incinte usavano di solito durante il Rinascimento italiano. Ma le scoperte più recenti si trovano nei suoi occhi. Nel 2011, il ricercatore italiano Silvano Vinceti ha affermato di aver trovato lettere e numeri dipinti microscopicamente in essi. Ha detto ad Associated Press che la "L" sul suo occhio destro rappresenta probabilmente il nome dell'artista. Ma il significato della lettera "S" che vedi nel suo occhio sinistro e il numero "72" sotto l'arco nel fondo sono meno chiari. Vinceti crede che la "S" potrebbe riferirsi a una donna della dinastia Sforza che governò Milano, il che significa che la donna nel dipinto potrebbe non essere Lisa Gherardini, come si è sempre creduto. Quanto al "72", Vinceti sostiene che potrebbe riferirsi all'importanza dei numeri sia nel cristianesimo che nell'ebraismo. Ad esempio, "7" si riferisce alla creazione del mondo, e il numero "2" potrebbe riferirsi alla dualità tra uomini e donne.
Ancora più sorprendente, nel 2015, uno scienziato francese che utilizzava tecnologia di luce riflessa ha affermato di aver trovato un altro ritratto di una donna sotto l'immagine che vediamo oggi. Il consenso è che questo fosse la "prima bozza" di da Vinci, e che lo dipinse per creare la sua opera maestra.
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No.4 Caffè Terrazza di Notte - Vincent Van Gogh
Questo dipinto di colorate vedute all'aperto è un'opera pittoresca, la visione di uno spettatore rilassato che gode del fascino del suo ambiente senza alcuna preoccupazione morale. Ricorda l'umore di Van Gogh quando scrisse che "la notte è più viva e più colorata del giorno". A prima vista, il dipinto a olio di Vincent van Gogh del 1888 sembra essere semplicemente ciò che il titolo descrive: una pittoresca terrazza di caffè in una colorata città francese. Ma, nel 2015, l'esperto di Van Gogh, Jared Baxter, propose la teoria che il dipinto sia in realtà la versione dell'artista de "L'Ultima Cena". Uno studio dettagliato mostra una figura centrale con capelli lunghi circondata da 12 individui, uno dei quali sembra scivolare nelle ombre come Giuda. Ci sono anche quelli che sembrano piccoli crocifissi nascosti in tutto il dipinto, incluso uno sopra la figura centrale simile a Gesù.
Un'allusione religiosa non sarebbe troppo fuori luogo per Van Gogh. Prima di dedicarsi alla pittura, il famoso artista olandese desiderava "predicare l'evangelo ovunque", e suo padre, Theodorus van Gogh, era pastore di una chiesa riformata olandese. Al momento di lavorare su Caffè Terrazza di Notte, van Gogh scrisse a suo fratello, Theo van Gogh, spiegando di avere un "enorme bisogno di, devo dire la parola, religione", in riferimento diretto al dipinto.
Van Gogh non ha mai firmato "Caffè Terrazza di Notte". Tuttavia, ha specificamente menzionato il dipinto in tre pezzi di corrispondenza, quindi gli storici dell'arte sono certi che lo abbia dipinto.
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No.5 Il Ritratto di Arnolfini - Jan Van Eyck
L'immagine è appesa alla National Gallery di Londra e rappresenta probabilmente Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua moglie Costanza Trenta. L'identità della coppia si è ridotta a solo alcune possibilità, ma solo loro vivevano a Bruges abbastanza a lungo per conoscere da vicino il pittore. Il primo indizio per il dipinto è l'ambiente, in una casa piuttosto ricca, piena di oggetti e vestiti belli. I simboli nel dipinto sono impossibili da ignorare, anche se non sono di un'unica interpretazione. Né il significato dell'immagine è completamente chiaro. Nel corso dei secoli, è stata interpretata come un ritratto di una coppia di sposi, con simboli estratti da un evento matrimoniale, a cominciare dal simbolo ovvio di fertilità della posizione incinta del corpo di Costanza, che come mostrato era solo un capriccio della moda. Infatti, la coppia alla fine non ebbe figli. Altri simboli di fertilità sono il letto rosso e il tappeto. Le scarpe sul pavimento di legno avevano anche significato come regali di matrimonio comuni per una sposa da parte di uno sposo. Le arance simboleggiano la fertilità e l'amore, la lealtà del cagnolino. Ma se guardi attentamente lo specchio al centro della stanza, vedrai che ci sono due figure che entrano nella stanza. Si crede ampiamente che uno di loro sia destinato a essere lo stesso Van Eyck. Noterai anche che c'è una iscrizione latina in un carattere molto elaborato sulla parete sopra lo specchio, che si traduce come "Jan van Eyck è stato qui. 1434".
Tuttavia, la parte più importante del dipinto, che non è mostrata, è la discrepanza negli anni. Il dipinto, come accennato in precedenza, è datato 1434, mentre Costanza Trenta morì nel 1433. Il dipinto potrebbe anche avere avuto un contesto diverso da quello che era stato completato. Come dimostrato da una radiografia, Jan van Eyck ha fatto vari cambiamenti, e se questi erano correlati a tale avvenimento o meno è oggetto di disputa.
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No.6 Gli Ambasciatori - Hans Holbein Il Giovane
Molto prima che gli occhiali 3D o la ricerca di uova di Pasqua diventassero popolari, i pittori rinascimentali riuscirono a far guardare al loro pubblico le opere da nuovi angoli giocando con la prospettiva. Uno degli esempi più famosi di questa tecnica è il doppio ritratto di Hans Holbein il Giovane, Gli Ambasciatori, che possiede una storia tanto ricca quanto i molti dettagli nascosti nei suoi tratti.
L'interpretazione del dipinto come un'allegoria del tumultuo politico e religioso dell'Inghilterra scismatica di Enrico VIII, in cui si trovano intrappolati gli sfortunati ambasciatori, è stata accettata universalmente per oltre cento anni.
Il dipinto presenta un'illusione piuttosto impressionante alla sua base. Se guardi l'immagine distorta nella parte inferiore del dipinto da destra a sinistra, sembra essere un teschio anamorfico. Gli accademici credono che intenda essere un promemoria che la morte è sempre dietro l'angolo.
Nell'angolo in alto a sinistra, dietro la rigogliosa tenda verde, troverai Gesù in una posa iconica. Alcuni storici dell'arte credono che questo cameo divino sia collegato al teschio memento mori e alluda a un luogo oltre la mortalità. È un simbolo destinato a suggerire che c'è più della morte, cioè, una vita futura attraverso Cristo. Altri credono che l'icona nascosta rappresenti la divisione della chiesa che Enrico VIII stava infliggendo ai suoi compatrioti.
La figura a sinistra de Gli Ambasciatori è Jean de Dinteville, l'ambasciatore francese in Inghilterra. Stava per compiere 30 anni al momento di questo doppio ritratto. Il suo amico e compagno diplomatico Georges de Selve, a destra nella foto, aveva solo 25 anni all'epoca e aveva già servito come ambasciatore francese nella Repubblica di Venezia in più occasioni.
Il ritratto a olio su rovere fu realizzato per essere appeso nei corridoi della casa di Dinteville. Tuttavia, la National Gallery ha esposto il sorprendente dipinto di Holbein fin dal 1890. Per oltre 125 anni, è stata una delle esposizioni più preziose del museo di Londra.
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No.7 La Nascita di Venere - Sandro Botticelli
La nudità nel famoso dipinto di Botticelli è stata piuttosto innovativa per la fine del XV secolo. Ma non è dove finisce l'audacia dell'artista. Alcuni storici dell'arte credono che il guscio di conchiglia su cui Venere sta cavalcando le onde dell'oceano sia in realtà destinato a simboleggiare i genitali femminili e quindi alludere alla fertilità, creando una scena di nascita che riflette le origini oceaniche di Venere mentre si connette simbolicamente con la nascita umana.
Venere, dea dell'amore, si trova con modestia nella conchiglia marina, trascinata a riva da Zefiro, dio del vento occidentale. Lì, una delle Ore, dee delle stagioni, è pronta con un mantello per vestire la divinità appena nata. La quarta figura che accompagna Zefiro è destinata a essere un'Aura (ninfe del vento) o Chloris, una ninfa associata alla primavera e ai fiori in fiore come quelli che scorrono nella immagine.
L'ispirazione cristiana era dominante nell'arte del Medioevo, quindi raramente si descriveva la nudità. Tuttavia, l'emergere dell'umanesimo portò a un rinnovato interesse nei miti dell'antica Roma, portando con sé una resurrezione dei nudi.
Durante questo periodo del primo Rinascimento, la pittura su pannelli di legno era di moda. Ma la popolarità della tela era in aumento, specialmente nelle regioni umide dove il legno tendeva a deformarsi. Poiché la tela era più economica del legno, il suo stato percepito era un po' più basso, quindi era riservata a opere che non erano destinate a grandi esposizioni pubbliche. Il dipinto si distingue come la prima opera su tela in Toscana.
La nascita di Venere era destinata a essere appesa in una stanza. La nudità del pezzo acquisisce un tono più sensuale quando sai che era destinata a essere appesa sopra un letto matrimoniale. Questo luogo e la sua audace rappresentazione contribuirono a far sì che La nascita di Venere fosse nascosta alla vista del pubblico per circa 50 anni. Il dipinto ha un pezzo accompagnatorio. Anche se fu completato quattro anni prima della sua sorella, La Primavera può essere vista come una sorta di seguito de La nascita di Venere. Mentre il secondo rappresenta l'arrivo di Venere in un mondo al limite della fioritura, il primo mostra il mondo in fiore attorno alla figura materna ora vestita. Si dice che la coppia di dipinti avesse l'intento di comunicare come "l'amore trionfa sulla brutalità".
Botticelli chiese di essere sepolto ai piedi della sua Venere. Non il dipinto, detto ciò. Voleva mentire eternamente accanto alla sua ispirazione terrena, Simonetta Cattaneo di Vespucci. Chiamata la donna più bella di Firenze, così come la donna più bella del Rinascimento, Simonetta è stata la musa che ha ispirato molte delle opere di Botticelli, inclusi La nascita di Venere e La Primavera. Quando morì nel 1510, Botticelli fu sepolto vicino a questa nobile sposata, per cui si specula avesse un amore non corrisposto.
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No.8 Autoritratto - Rembrandt
Rembrandt dipinse, disegnò e incise così tanti autoritratti nella sua vita che i cambiamenti nel suo aspetto ci invitano a valutare il suo stato d'animo confrontando un'immagine con l'altra. Tale lettura biografica è incoraggiata dal modo in cui l'artista affronta direttamente lo spettatore. Rembrandt dipinse questo autoritratto nel 1659, dopo aver subito un fallimento finanziario nonostante tanti anni di successo. La sua spaziosa casa in Sint-Anthonisbreestraat e altre proprietà erano state messe all'asta l'anno precedente per soddisfare i suoi creditori. In questo lavoro tardivo, gli occhi incavati che fissano quelli dello spettatore sembrano esprimere forza e dignità interne. Tuttavia, interpretare i dipinti sulla base della biografia di un artista è pericoloso, particolarmente con un artista la cui vita è stata idealizzata nella misura in cui lo è stata quella di Rembrandt. La luce che illumina così efficacemente la testa accentua anche la spalla sinistra di Rembrandt e, in misura minore, le sue mani unite, ampiamente eseguite.
Nel 2001, l'artista britannico David Hockney e il fisico americano Charles Falco annunciarono di aver trovato prove che Rembrandt e altri Maestri Antichi dipendevano ampiamente dall'uso di lenti e specchi curvi per creare le loro scene e ritratti reali. E nell'agosto 2016, due ricercatori nel Regno Unito, l'artista Francis O'Neil e la fisica Sofia Palazzo Corner, pubblicarono uno studio nel Journal of Optics che spiegava come Rembrandt potrebbe aver usato combinazioni di specchi curvi e lenti per creare i suoi famosi autoritratti. Gli ricercatori vedono molti dettagli negli autoritratti di Rembrandt che supportano la loro teoria, inclusa la luce intensa al centro dei ritratti e l'oscurità relativa ai bordi, che si vede anche nei riflessi proiettati da specchi curvi.
Gli artisti utilizzano costantemente nuovi pigmenti e oli per produrre colori più vibranti, luminosi e interessanti. Rembrandt van Rijn non fu diverso. Il vecchio maestro olandese aveva tecnica, creatività e lavoro meticoloso per lui. Aveva anche chimica. Una nuova analisi delle sue opere mostra che usò un composto raro in alcuni dei suoi dipinti: un minerale di carbonato di piombo chiamato plumbonacrita, Pb5 (CO3) 3O (OH). Conoscere la composizione della palette dell'artista aiuterà i conservatori a scoprire come preservare meglio le sue opere d'arte nel tempo.
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No.9 Bacco - Caravaggio
Il dipinto di Bacco di Caravaggio contiene tutte le festicciole associate con il libertino mitologico che bolle sotto la sua superficie. È questa sensazione di tempesta sotto la calma che la rende un'opera d'arte così potente. Bacco, dio del vino, è generalmente rappresentato ubriaco; Il Bacco di Caravaggio è sereno e autonomo. Spesso lo si vede montare un carro trionfale trainato da tigri, leopardi o capre; nella versione di Caravaggio, la processione Baccica sta per iniziare o è appena terminata. O forse questo Bacco ha piani completamente diversi.
La prima volta che fu scoperto qualcosa di nascosto in questo lavoro fu nel 1922, un restauratore d'arte stava pulendo la tela di quest'opera del 1595. Con la rimozione dell'accumulo di sporcizia accumulata per secoli, divenne visibile un ritratto nascosto. Nella giara di vino di cristallo nell'angolo in basso a sinistra, un minuscolo Caravaggio si siede nel piccolo riflesso di luce sulla superficie del vino.
Oggi, quasi un secolo dopo, i ricercatori lo confermano. Non sembra essere troppo nascosto, ma grazie alla tecnologia moderna chiamata riflettografia, gli esperti d'arte nel 2009 furono in grado di scoprire che l'immagine di un uomo è realmente nascosta nella giara di vino nell'angolo in basso a sinistra. E potrebbe essere lo stesso Da Caravaggio. "Caravaggio dipinse una persona in posizione verticale, con un braccio teso verso una tela su un cavalletto. Sembra essere un ritratto di se stesso mentre dipingeva," ha detto l'esperta Mina Gregori al The Telegraph.
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