Ci sono spesso più in un'immagine di ciò che sembra e molte delle opere d'arte più famose hanno segreti nascosti sotto la superficie. Puoi studiare più e più volte il tuo dipinto preferito e scoprire ancora un nuovo simbolo criptico o dettagli nascosti. Alcuni degli artisti più famosi al mondo lasciano intenzionalmente messaggi segreti nei loro dipinti e alcuni hanno persino suscitato teorie di cospirazione popolari, sia per sovvertire l'autorità, sfidare il pubblico o rivelare qualcosa su se stessi. Centinaia di anni dopo, grazie ai progressi tecnologici, molti di questi messaggi segreti vengono scoperti per la prima volta. Kuadros Volevo rivelare quei misteri per te. Questi sono i famosi dipinti che abbiamo considerato i più enigmatici.
No.1 L'Ultima Cena - Leonardo da Vinci
La famosa rappresentazione di Leonardo da Vinci de Jesús e dei suoi discepoli nell'ultima cena è stata al centro di alcune teorie popolari negli ultimi anni, come descritto nel romanzo del 2003 "The Da Vinci Code" di Dan Brown e l'adattamento e l'adattamento Book cinematografico 2006 con Tom Hanks. Brown propose che il discepolo a destra di Gesù sia in realtà Maria Magdalena travestita da Giovanni Apostolo. Suggerisce anche che la forma "V" che forma tra Gesù e "Giovanni" rappresenta un utero femmina, il che implica che Gesù e Maria Magdalena hanno avuto un figlio insieme. Gli storici dell'arte, tuttavia, sono scettici. L'ultima cena di Da Vinci è importante per la sua composizione espressiva e l'uso della prospettiva, che era un'innovazione in quel momento. Da Vinci allineò le figure e le pareti della stanza dipinte con corde che irradiavano un chiodo sul muro dove viene dipinto l'originale, sopra una sala da pranzo in un monastero a Milano. Molti suggeriscono che l'aspetto di John è femminile semplicemente perché è così che è stato rappresentato. L'esperto Mario Taddei disse a ArtNet.com: "Leonardo ha dovuto copiare le ultime cene davanti a lui, e John sembra una donna". Ma un messaggio segreto molto più convincente è stato scoperto dal tecnico informatico italiano Giovanni Maria Pala. Afferma che Da Vinci ha nascosto le note musicali all'interno di "The Last Change" che, quando letta da sinistra a destra, corrisponde a un inno di 40 secondi che suona come un requiem.
Quando l'abate del monastero si lamentava del fatto che il dipinto stava impiegando troppo tempo, si diceva che l'artista infuriato avesse minacciato di usare il volto dell'abate come modello per il traditore Giuda. Alla fine, Da Vinci ha visitato le carceri di Milano per trovare la faccia del cattivo perfetta per Giuda, che è seduto quinto da sinistra. Gli storici dell'arte professionista affermano che non ci sono prove delle teorie della cospirazione sull'ultima cena esposta in "The Code Da Vinci" e altri libri che affrontano l'argomento; E rifiutano l'identificazione della figura a sinistra di Gesù come seguace Maria Magdalena, invece dell'apostolo Giovanni.
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N.2 Creazione di Adam - Miguel Ángel
"Adam's Creation" è probabilmente il più famoso dei nove pannelli biblici che Miguel Ángel ha dipinto sul tetto della cappella Sistina. Ma sapevi che la scena conteneva un cervello umano? Il messaggio nascosto si trova nel tessuto in cui si può distinguere la forma del cervello. Apparentemente, l'artista lo ha introdotto nel suo affresco perché a quel tempo le autopsie erano vietate dalla chiesa. Si scopre che Miguel Ángel era un esperto di anatomia umana. All'età di 17 anni, aveva un lavoro un po 'inquietante che analizzava i cadaveri del cimitero della chiesa. Pertanto, alcuni credono che gli sarebbe piaciuto presentare questa passione per l'anatomia a uno dei suoi più grandi successi, sul tetto della Cappella Sistina. Secondo gli esperti di neuroanatomia Ian Suk e Rafael Tamargo, il pittore ha collocato alcune illustrazioni accuratamente nascoste di alcune parti del corpo sul tetto della cappella Sistina. E se osservi il sudario che circonda Dio in "La creazione di Adamo", scoprirai che crea un'illustrazione anatomica del cervello umano. Suk e Tamargo credono che Miguel Ángel intendesse che il cervello rappresentasse l'idea che Dio stesse dando ad Adamo non solo alla vita, ma anche alla conoscenza umana.
Un medico afferma che Miguel Ángel aveva molta familiarità con il cervello umano e che ha usato la sua conoscenza della neuroanatomia per rappresentare simbolicamente il cervello nella sua "creazione di Adamo". Altre interpretazioni vanno ulteriormente, questo dipinto va contro l'ideologia religiosa e trasmette il messaggio che tutto nasce dall'uomo, altrimenti. Che pensiero sacrilego di fatto. Un'opera d'arte così famosa e stiamo ancora trovando segreti nascosti secoli dopo la sua concezione.
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No.3 La Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Vale a dire, la Mona Lisa, la pittura più famosa tra i dipinti famosi, il lavoro più visitato del Museo del Louvre. Questa enigmatica signora ha davvero altro da vedere qui che questo famigerato mezzo sorriso. In primo luogo, si ipotizza che sia incinta, dato il modo in cui le loro braccia sono posizionate sul ventre e sul velo attorno alle spalle, che le donne in gravidanza usavano durante la rinascita italiana. Ma le scoperte più recenti sono ai loro occhi. Nel 2011, il ricercatore italiano Silvano Vinceti ha dichiarato di aver trovato lettere e numeri dipinti microscopicamente. Ha detto ad Associated Press che la "L" sul suo occhio destro probabilmente rappresenta il nome dell'artista. Ma il significato della lettera "s" che vedi nell'occhio sinistro e il numero "72" sotto il ponte arcuato sullo sfondo è meno chiaro. Vinceti crede che la "S" possa riferirsi a una donna nella dinastia Sforza che governava Milano, il che significa che la donna nel dipinto potrebbe non essere Lisa Gherardini, come lei è stata creduta per molto tempo. Per quanto riguarda "72", Vinceti sostiene che potrebbe essere dovuto all'importanza del numero sia nel cristianesimo che nell'ebraismo. Ad esempio, "7" si riferisce alla creazione del mondo e il numero "2" potrebbe riferirsi alla dualità di uomini e donne.
Ancora più sorprendente, nel 2015, uno scienziato francese che ha usato la tecnologia della luce riflessiva ha affermato di aver trovato un altro ritratto di una donna sotto l'immagine che vediamo oggi. Il consenso è che questa era la "prima bozza" di Da Vinci e che lo dipinse per creare il suo capolavoro.
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N.4 Terrace Coffee di notte - Vincent Van Gogh
Questo dipinto di colorate viste all'aperto è un'opera pittoresca, la visione di uno spettatore rilassato che ama il fascino di ciò che lo circonda senza alcuna preoccupazione morale. Ricorda l'umore di Van Gogh quando ha scritto che "la notte è più vivida e con più colori che il giorno". A prima vista, il dipinto ad olio di Vincent Van Gogh del 1888 sembra essere semplicemente ciò che il titolo descrive: una pittoresca terrazza di caffè in una colorata città francese. Ma, nel 2015, l'esperto di Van Gogh, Jared Baxter, ha proposto la teoria secondo cui la pittura è in realtà la versione dell'artista di "The Last cena". Uno studio dettagliato mostra una figura centrale con capelli lunghi circondati da 12 individui, uno dei quali sembra scivolare nell'ombra come Giuda. C'è anche quello che sembrano essere piccoli crocifissi nascosti in tutto il dipinto, incluso uno sulla figura centrale simile a Gesù.
Un'allusione religiosa non sarebbe troppo fuori posto per Van Gogh. Prima di dedicare la sua attenzione alla pittura, il famoso artista olandese aveva desiderato "predicare il Vangelo ovunque", e suo padre, Theodorus Van Gogh, era un pastore di una chiesa rinnovata olandese. Al momento di lavorare al Cafe Terrace di notte, Van Gogh scrisse a suo fratello, Theo Van Gogh, e spiegò che aveva un "enorme bisogno, devo dire la parola, religione", con riferimento diretto al dipinto.
Van Gogh non ha mai firmato "Café Terrace di notte". Tuttavia, ha menzionato specificamente la pittura in tre pezzi di corrispondenza, quindi gli storici dell'arte sono fiduciosi.
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No.5 Il ritratto di Arnolfini - Jan van Eyck
L'immagine è appesa alla National Gallery di Londra e probabilmente rappresenta Giovanni di Nicolao Arnolfini e sua moglie Costanza Treanta. L'identità della coppia è stata ridotta solo da poche possibilità, ma solo vivevano in streghe per incontrare da vicino il pittore. La prima chiave per dipingere è l'ambiente, in una casa piuttosto ricca, piena di bellissimi oggetti e vestiti. I simboli nel dipinto sono impossibili da ignorare, sebbene non abbiano una singola interpretazione. Né il significato dell'immagine è completamente chiaro. Nel corso dei secoli, è stato interpretato come un ritratto di una coppia appena sposata, con simboli estratti da un evento di nozze, a partire dall'ovvio simbolo della fertilità della posizione incinta del corpo di Constance, che come mostrato era solo una moda capriccio. In effetti, la coppia finalmente non aveva figli. Altri simboli di fertilità sono il letto rosso e il tappeto. Le scarpe che giacevano sul pavimento di legno avevano anche un significato come regali di nozze comuni per la ragazza di un ragazzo. Le arance simboleggiano la fertilità e l'amore, la lealtà del cucciolo. Ma se guardi attentamente allo specchio al centro della stanza, vedrai che ci sono due figure che entrano nella stanza. Si ritiene ampiamente che uno di loro sia destinato a essere Van Eyck stesso. Noterà anche che esiste un'iscrizione latina in un atto molto elaborato sul muro sullo specchio, che si traduce come "Jan van Eyck era qui. 1434".
Tuttavia, la parte più importante del dipinto, che non è mostrata, è la discrepanza negli anni. Il dipinto, come accennato in precedenza, era datato nel 1434, mentre Costanza Thirty morì nel 1433. Il dipinto avrebbe potuto anche avere un contesto diverso da quello che era finito. Come ha dimostrato una radiografia, Jan van Eyck ha apportato diverse modifiche e se questi erano correlati a tale evento o non sono soggetti a controversie.
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No.6 The Ambassadors - Hans Holbein the Young
Molto prima che gli occhiali 3D o la ricerca di uova di Pasqua diventassero popolari, i pittori del Rinascimento sono riusciti a guardare i pezzi di nuovi angoli che giocano con la prospettiva. Uno degli esempi più famosi della tecnica è il doppio ritratto di Hans Holbein il giovane, gli ambasciatori, che ha una storia ricca come i molti dettagli nascosti nei suoi colpi.
L'interpretazione della pittura come un'allegoria del tumulto politico e religioso dell'Inghilterra scismatica di Enrique VIII, in cui le disgrazie sono intrappolate, è stata universalmente accettata per più di cento anni.
Il dipinto presenta un'illusione abbastanza impressionante alla sua base. Se guardi l'immagine storta nella parte inferiore della vernice da destra a sinistra, sembra essere un cranio anamorfico. Gli accademici credono che sia destinato a ricordare che la morte è sempre dietro l'angolo.
Nell'angolo in alto a sinistra, dietro la tenda verde ed esuberante, troverai Gesù in una posa iconica. Alcuni storici dell'arte credono che questo cameo divino sia legato al cranio Memento Mori e che alluda a un luogo oltre la mortalità. È un simbolo destinato a suggerire che c'è più della morte, cioè una vita futura attraverso Cristo. Altri credono che l'icona nascosta rappresenti la divisione della chiesa che Enrique VIII stava infliggendo i suoi compatrioti.
La figura sul lato sinistro degli ambasciatori è Jean de Dinteville, l'ambasciatore francese in Inghilterra. Stavo per compiere 30 anni al momento di questo doppio ritratto. Il suo amico e partner diplomatico Georges de Selve, nella foto a destra, aveva solo 25 anni in quel momento e aveva già servito più volte come ambasciatore francese nella Repubblica di Venezia.
Il ritratto di olio di quercia fu fatto appendere nelle sale della casa di Dinteville. Tuttavia, la National Gallery ha esposto la pittura allucinante di Holbein dal 1890. Per più di 125 anni, è stata una delle mostre più preziose del Museo di Londra.
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No.7 La nascita di Venere - Sandro Botticelli
La nudità nel famoso dipinto di Botticelli fu piuttosto innovativa entro la fine del XV secolo. Ma non è qui che finisce l'audacia dell'artista. Alcuni storici dell'arte credono che il guscio di Vieira in cui Venere sta cavalcando le onde dell'oceano sia effettivamente destinato a simboleggiare i genitali femminili e quindi si riferiscono alla fertilità, che crea una scena di nascita che riflette le origini oceaniche di Venere mentre si connette simbolicamente alla nascita umana.
Venere, dea dell'amore, è pudica nel guscio di Marina, che viene trascinata sulla riva da Zephyr, Dio del vento occidentale. Lì, una delle volte, le dee delle stazioni, è pronta con uno strato per vestire la divinità neonato. La quarta figura che Zephyr trasporta è destinata ad essere un'aura (ninfe del vento) o cloris, una ninfa associata a primavera e fiori in fiore come quelli che scorrono attraverso l'immagine.
L'ispirazione cristiana era dominante nell'arte del Medioevo, quindi raramente descriveva la nudità. Tuttavia, l'emergere dell'umanesimo ha portato a un rinnovato interesse per i miti dell'antica Roma e con essa una risurrezione di nudi.
Durante questo periodo della prima rinascita, la vernice su pannelli di legno era di moda. Ma la popolarità della tela stava aumentando, specialmente nelle regioni umide in cui il legno tendeva a deformarsi. Dato che la tela era più economica del legno, il suo stato percepito era un po 'più basso, quindi era riservato a opere che non erano destinate a grandi mostre pubbliche. Il dipinto si distingue come il primo lavoro su tela a La Toscana.
La nascita di Venus era destinata ad appendere in una stanza. La nudità del pezzo acquisisce un tono più sensuale quando sai che era destinato a appendere a un letto matrimoniale. Questo luogo e la sua audace rappresentazione hanno contribuito alla nascita di Venere nascosta dal punto di vista del pubblico per circa 50 anni. La vernice ha un pezzo di accompagnamento. Sebbene sia stato completato quattro anni prima di sua sorella, Primavera Può essere visto come una specie di sequel di El Birth of Venere. Mentre il secondo rappresenta l'arrivo di Venere in un mondo ai margini della fioritura, il primo mostra il mondo in fiore intorno alla figura materna ora vestita. Si dice che la coppia di dipinti intesi a comunicare come "l'amore trionfi sulla brutalità".
Botticelli chiese di essere sepolti ai piedi della sua Venere. Non dipingere, sì. Volevo mentire per sempre per la sua ispirazione terrena, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Chiamata la donna più bella di Firenze, così come la donna più bella del Rinascimento, Simonetta è stata la musa che ha ispirato molte opere di Botticelli, tra cui la nascita di Venere e primavera. Quando morì nel 1510, Botticelli fu sepolto vicino a questo nobile sposato, per il quale si ipotizza che ospitasse un amore non corrisposto.
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No.8 auto -portrait - Rembrandt
Rembrandt ha dipinto, disegnato e registrato così tanti auto -portrai nella sua vita che cambia nel loro aspetto ci invitano a valutare il loro umore confrontando un'immagine con un'altra. Tale lettura biografica è incoraggiata dal modo in cui l'artista affronta direttamente lo spettatore. Rembrandt dipinse questo auto -portrait nel 1659, dopo aver subito un fallimento finanziario nonostante così tanti anni di successo. La sua spaziosa casa nella Sint-Anthonisbreestraat e in altri beni erano state messe all'asta l'anno precedente per soddisfare i loro creditori. In questo lavoro tardivo, gli occhi affondati che sono bloccati in quelli dello spettatore sembrano esprimere forza e dignità interne. Tuttavia, interpretare i dipinti sulla base della biografia di un artista è pericoloso, in particolare con un artista la cui vita è stata idealizzata nella misura in cui Rembrandt ha fatto. La luce che illumina la testa in modo così efficace accentua anche la spalla sinistra di Rembrandt e, in misura minore, le sue mani insieme, ampiamente eseguite.
Nel 2001, l'artista britannico David Hockney e il fisico americano Charles Falco hanno annunciato di aver trovato indicazioni che Rembrandt e altri vecchi insegnanti dipendevano in gran parte dall'uso di lenti curve e specchi per creare le loro scene e ritratti reali. E nell'agosto 2016, due ricercatori nel Regno Unito, l'artista Francis O'Neil e la fisica Sofia Palazzo Corner, hanno pubblicato uno studio sul Journal of Optics che spiegava come Rembrandt avrebbe potuto usare combinazioni di specchi e occhiali curvi per creare il loro famoso sé - ritratti. . I ricercatori vedono molti dettagli negli auto -portrai di Rembrandt che supportano la loro teoria, tra cui una forte luce al centro dei ritratti e l'oscurità relativa ai bordi, che si vede anche nei riflessi proiettati da specchi curvi.
Gli artisti usano costantemente nuovi pigmenti e oli per produrre colori più vibranti, luminosi e interessanti. Rembrandt van Rijn non era diverso. Il vecchio insegnante olandese aveva una tecnica, creatività e lavoro approfondito per lui. Aveva anche chimica. Una nuova analisi delle sue opere mostra che ha usato un raro composto in alcuni dei suoi dipinti: un minerale di carbonato di piombo chiamato Plumbonacrita, PB5 (CO3) 3 ° (OH). Conoscere la composizione della tavolozza dell'artista aiuterà gli ambientalisti a scoprire come preservare meglio le loro opere d'arte nel tempo.
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No.9 Bacco - Caravaggio
La pittura Bacco di Caravaggio contiene tutta la follia associata al libertino mitologico che bolle sotto la sua superficie. È questa sensazione di tempesta sotto calma che lo rende un'opera d'arte così potente. Baco, il dio del vino, di solito è mostrato ubriaco; Il Bacco di Caravaggio è sereno e autonomo. Si vede spesso cavalcare un'auto trionfale che giace da tigri, leopardi o capre; Nella versione di Caravaggio, la processione bacca sta per iniziare o è finita. O forse questo baccano ha piani completamente diversi.
La prima volta che qualcosa nascosto fu scoperto in questo lavoro fu nel 1922, un ristoratore d'arte stava pulendo la tela di questo lavoro del 1595. Quando l'accumulo di terra scompare per secoli, un ritratto nascosto divenne visibile. Nella brocca di vino di vetro nell'angolo in basso a sinistra, un piccolo caravaggio si trova nel piccolo riflesso della luce sulla superficie del vino.
Oggi, quasi un secolo dopo, i ricercatori lo confondono. Non sembra essere troppo nascosto, ma grazie alla moderna tecnologia chiamata Reflectography, gli esperti di arte nel 2009 sono stati in grado di scoprire che l'immagine di un uomo è davvero nascosta nella brocca del vino in basso a sinistra. E può essere lo stesso DA Caravaggio. "Caravaggio ha dipinto una persona in verticale, con un braccio esteso verso una tela in un cavalletto. Sembra essere un ritratto di se stesso mentre dipinge", ha detto l'esperta Mina Gregori al Telegraph.
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KUADROS ©, una famosa vernice sul muro.
