Gli inizi dell'Art Nouveau
La nascita dell'Art Nouveau - letteralmente "Arte Nuova" - può essere attribuita a due influenze distinte: la prima fu l'introduzione, intorno al 1880, del movimento britannico Arts and Crafts, che, proprio come l'Art Nouveau, fu una reazione contro il disordinato design e le composizioni di arte decorativa dell'epoca vittoriana.
La seconda fu la moda attuale dell'arte giapponese, in particolare le incisioni su legno, che affascinarono molti artisti europei negli anni 1880 e 1890, inclusi artisti come Gustav Klimt, Emile Gallé e James Abbott McNeill Whistler. Le incisioni giapponesi su blocchi di legno, in particolare, contenevano forme floreali e bulbose, e curve a "frusta", tutti elementi chiave di ciò che eventualmente sarebbe diventato l'Art Nouveau.
Art Nouveau giapponese - L'Onda di Katsushika Hokusai
È difficile individuare le prime opere d'arte che lanciarono ufficialmente l'Art Nouveau. Alcuni sostengono che le linee stampate e fluide e i fondi floreali presenti nei dipinti di Vincent van Gogh e Paul Gauguin rappresentino la nascita dell'Art Nouveau, o forse addirittura le litografie decorative di Henri de Toulouse-Lautrec, come Moulin Rouge: La Goulue (1891).
Tuttavia, la maggior parte punta alle origini delle arti decorative e, in particolare, alla sovraccoperta di un libro dell'architetto e disegnatore inglese Arthur Heygate Mackmurdo per il volume del 1883 Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur: attribuito come la prima rappresentazione di Art Nouveau
Il design del libro mostra steli serpentine di fiori che emettono da un blocco schiacciato nella parte inferiore della pagina, che ricorda chiaramente le incisioni su legno in stile giapponese.
Esposizioni Art Nouveau
L'Art Nouveau fu spesso più appariscente alle esposizioni internazionali durante il suo apice. Il nuovo stile godette della ribalta in cinque fiere particolari: le Expositions Universelles del 1889 e 1900 a Parigi; l'Esposizione di Tervueren del 1897 a Bruxelles, dove l'Art Nouveau fu ampiamente impiegato per mostrare le possibilità dell'artigianato con i legni esotici del Congo Belga; l'Esposizione Internazionale delle Arti Decorative Moderne di Torino del 1902; e l'Esposizione Internazionale dell'Est della Francia del 1909 a Nantes.
In ognuna di queste fiere, lo stile fu dominante in termini di arti decorative e architettura esposte, e a Torino nel 1902, l'Art Nouveau fu davvero lo stile scelto praticamente da tutti i designer e tutte le nazioni rappresentate, escludendo ogni altro.
Poster Esposizione Internazionale dell'Arte Decorativa Moderna
L'Art Nou
veau: una corrente d'arte con mille nomi
Siegfried Bing, un commerciante tedesco e esperto d'arte giapponese residente a Parigi, aprì un negozio chiamato L'Art Nouveau nel dicembre del 1895, che divenne uno dei principali fornitori dello stile in mobili e arti decorative. In breve tempo, il nome del negozio divenne sinonimo di stile in Francia, Gran Bretagna e Stati Uniti. Tuttavia, la grande popolarità dell'Art Nouveau in Europa occidentale e centrale significò che avesse diversi titoli diversi. Nei paesi di lingua tedesca, generalmente era chiamato Jugendstil (stile giovanile), preso da una rivista di Monaco chiamata Jugend che lo rese popolare. Nel frattempo, a Vienna, casa di Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann e degli altri fondatori della Secessione di Vienna, era conosciuto come Sezessionsstil (stile di secessione).
Era anche noto come Modernismo in spagnolo, Modernismo in catalano e Stile Floreale (stile floreale) o Stile Liberty in Italia, quest'ultimo per il negozio di tessuti di Arthur Liberty a Londra, che aiutò a popolarizzare lo stile. In Francia era comunemente chiamato Style Moderne e occasionalmente Style Guimard in onore del suo praticante più famoso là, l'architetto Hector Guimard, mentre nei Paesi Bassi è spesso chiamato Nieuwe Kunst (Arte Nuova).
È importante sottolineare che i suoi numerosi detrattori gli diedero anche vari nomi dispregiativi: Style Nouille (stile di noodles) in Francia, Paling Stijl (stile di anguilla) in Belgio e Bandwurmstil (stile di tenia) in Germania, tutti nomi che facevano riferimento in modo giocoso alla tendenza dell'Art Nouveau di utilizzare linee sinuose e fluide.
L'Art Nouveau: concetti, stili e tendenze
L'onnipresenza dell'Art Nouveau alla fine del XIX secolo deve essere spiegata in parte dall'uso che molti artisti fanno di forme popolari e facili da riprodurre, che si trovano nelle arti grafiche. In Germania, artisti di Jugendstil come Peter Behrens e Hermann Obrist stampavano il loro lavoro su copertine di libri e cataloghi di esposizioni, annunci su riviste e manifesti.
Ma questa tendenza non si limitava affatto alla Germania. L'illustratore inglese Aubrey Beardsley, forse la figura più controversa dell'Art Nouveau per la sua combinazione di erotismo e macabro, creò una serie di poster nella sua breve carriera che utilizzavano linee graziose e ritmiche. Le stampe altamente decorative di Beardsley, come The Peacock Skirt(1894), erano sia decadenti che semplici e rappresentano il legame più diretto che possiamo identificare tra l'Art Nouveau e il giapponismo / incisioni Ukiyo-e.
La gonna del pavone di Aubrey Beardsley - Art Nouveau
In Francia, i manifesti e la produzione grafica di Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen e altri hanno popolarizzato lo stile di vita lussuoso e decadente della belle époque, circa l'era tra il 1890-1914, generalmente associata con il sordido quartiere di cabaret di Montmartre a nord di Parigi.
Le loro opere grafiche utilizzarono nuove tecniche cromolitografiche per promuovere tutto, dalle nuove tecnologie come telefoni e luci elettriche a bar, ristoranti, nightclub e persino artisti individuali, evocando l'energia e la vitalità della vita moderna. Nel processo, elevarono presto il manifesto dalle file degli annunci pedonali all'arte elevata.
Architettura modernista dell'Art Nouveau
Oltre alle arti grafiche e visive, qualsiasi discussione seria sull'Art Nouveau deve considerare l'architettura e la grande influenza che ebbe sulla cultura europea. In centri urbani come Parigi, Bruxelles, Glasgow, Torino, Barcellona, Anversa e Vienna, così come in città più piccole come Nancy e Darmstadt, insieme a luoghi dell'Europa orientale come Riga, Praga e Budapest, l'architettura Art Nouveau prevaleva in gran parte, sia in dimensione che in apparenza, ed è ancora visibile oggi in strutture così varie come piccole case a schiera fino a grandi edifici istituzionali e commerciali. Specialmente in architettura, l'Art Nouveau si è manifestato in una grande varietà di linguaggi.
Molti edifici incorporano un uso prodigioso di terracotta e colorati piastrelle. Il ceramista francese Alexandre Bigot, ad esempio, divenne famoso in gran parte grazie alla produzione di ornamenti in terracotta per le facciate e le camini delle residenze e degli edifici residenziali parigini. Altre strutture Art Nouveau, particolarmente in Francia e Belgio, in cui Hector Guimard e Victor Horta furono importanti praticanti, mostrano le possibilità tecnologiche con strutture in ferro unite da pannelli di vetro.
Casa Batlló – Barcellona - Art Nouveau
In molte aree d'Europa, l'architettura residenziale Art Nouveau si caratterizzava per la pietra locale, come la pietra calcarea gialla o un'estetica rurale rocciosa a corso casuale con modanature in legno. E in vari casi veniva utilizzata una pelle scultorea di intonaco bianco, in particolare in edifici Art Nouveau utilizzati per esposizioni, come i padiglioni dell'Esposizione Universale di Parigi del 1900 e il Secession Building di Vienna. Anche negli Stati Uniti, le forme vegetali che adornano i grattacieli di Louis Sullivan, come l'edificio Wainwright e la Borsa di Chicago, vengono spesso conteggiati tra i migliori esempi dell'ampio raggio architettonico dell'Art Nouveau.
L'Arco rimasto della Borsa di Chicago - Art Nouveau
I mobili in stile Art Nouveau e il design d'interni
Proprio come i rinascimenti stilistici vittoriani e il Movimento delle Arti e Mestieri, l'Art Nouveau era intimamente associato alla decorazione d'interni almeno tanto quanto appariscente nelle facciate esterne. Anche come questi altri stili del XIX secolo, gli interni Art Nouveau si sforzarono di creare un ambiente armonioso e coerente che non lasciasse nessuna superficie intatta. Il design dei mobili occupò un posto centrale in questo senso, particolarmente nella produzione di legno intagliato che presentava contorni affilati e irregolari, spesso fatti a mano ma a volte prodotti con macchine. I produttori di mobili crearono pezzi per tutti gli usi immaginabili: letti, poltrone, tavoli e sedie da pranzo, armadi, credenze e candelabri. Le curve sinuose dei design spesso si alimentavano della venatura naturale del legno e, spesso, venivano installate permanentemente come pannelli a parete e modanature.
In Francia, i principali designer dell'Art Nouveau comprendevano Louis Majorelle, Emile Gallé ed Eugène Vallin, tutti con sede a Nancy, e Tony Selmersheim, Édouard Colonna ed Eugène Gaillard, che lavorarono a Parigi, gli ultimi due specificamente per il negozio di Siegfried Bing chiamato L'Art Nouveau, dando successivamente a tutto il movimento il suo nome più comune.
Mobili del designer - Louis Majorelle Art Nouveau
In Belgio, la linea di frustata cervicale e i contorni più angolari e riservati possono essere visti nei design di Gustave Serrurier-Bovy e Henry van de Velde, che ammiravano le opere degli artisti inglesi di Arts & Crafts. Gli italiani Alberto Bugatti e Augustino Lauro erano molto noti per le loro incursioni nello stile lì. Molti di questi designer si muovevano liberamente tra i mezzi, il che spesso li rendeva difficili da categorizzare: Majorelle, ad esempio, produceva i propri design di mobili in legno e aprì una fonderia,
Alberto Bugatti Mobili Art Nouveau
La pittura Art Nouveau e le alte arti
Pochi stili possono affermare di essere rappresentati in quasi tutte le forme di mezzi visivi e materiali in modo così completo come l'Art Nouveau. Oltre a coloro che lavorarono principalmente nella grafica, architettura e design, l'Art Nouveau conta alcuni rappresentanti di spicco nella pittura, come il secessionista di Vienna Gustav Klimt, noto per Hope II e The Kiss (entrambi del 1907-08), e Victor Prouvé in Francia.
La Speranza II di Klimt - Art Nouveau
Ma i pittori di Art Nouveau erano pochi e distanti tra loro: Klimt praticamente non aveva studenti o seguaci (Egon Schiele si mosse verso l'espressionismo) e Prouvé è altrettanto noto come scultore e designer di mobili. Al contrario, si può dire che l'Art Nouveau è stata responsabile, più di qualsiasi altro stile nella storia, nel ridurre il divario tra le arti decorative o applicate agli oggetti utilitari e le belle arti o puramente ornamentali della pittura, della scultura e dell'architettura, arti che tradizionalmente erano state considerate più importanti, espressioni più pure di talento e abilità artistiche, essendo discutibile se quel divario possa essere stato completamente colmato.
Disegno di Victor Prouvé Art Nouveau
La gioielleria e vetri Art Nouveau
La reputazione di lusso dell'Art Nouveau fu anche evidente per il suo sfruttamento da parte di alcuni dei più noti artisti del vetro della storia. Emile Gallé, i Fratelli Daum, Tiffany e Jacques Gruber guadagnarono prima fama, almeno in parte, grazie al loro vetro Art Nouveau e alle sue applicazioni in molte forme utilitarie. Le firme di Gallé e Daum stabilirono la loro reputazione nel design di vasi e arte in vetro, pionierando nuove tecniche in pezzi incisi in acido le cui superfici sinuose e ben formate sembravano fluire tra toni traslucidi senza sforzo.
I Fratelli Daum e Tiffany sfruttarono anche le possibilità artistiche del vetro per fini utilitaristici, come schermi di lampade e utensili da scrivania. Sia Tiffany che Jacques Gruber, che si erano formati a Nancy con i Fratelli Daum nella gioielleria, così come René Lalique, Louis Comfort Tiffany e Marcel Wolfers, crearono alcuni dei pezzi più pregiati del cambio di secolo, producendo tutto, dai pendenti a collane, bracciali e spille, assicurando così che l'Art Nouveau sarebbe stato sempre associato al fine- lusso di siècle, nonostante la speranza che la sua onnipresenza potesse renderlo universalmente accessibile.
L'identità aziendale nell'Art Nouveau
L'Art Nouveau balzò alla ribalta contemporaneamente con l'espansione della vendita al dettaglio per attrarre un pubblico davvero massiccio. Occupò un posto di rilievo in molti dei principali grandi magazzini urbani fondati alla fine del XIX secolo, inclusi La Samaritaine a Parigi, Wertheim's a Berlino e Magasins Reunis a Nancy.
Inoltre, fu commercializzato aggressivamente da alcuni dei punti vendita di design più famosi dell'epoca, iniziando con il negozio L'Art Nouveau di Siegfried Bing a Parigi, che rimase un baluardo della diffusione dello stile fino alla sua chiusura nel 1905 poco dopo la morte di Bing. Il suo non era lontano dall'essere l'unico negozio in città specializzato in interni e mobili Art Nouveau.
Nel frattempo, Liberty & Co. era il principale distributore degli oggetti dello stile in Gran Bretagna e Italia, dove, di conseguenza, il nome Liberty divenne quasi sinonimo dello stile.
Liberty & Co - Art Nouveau
Molti designer dell'Art Nouveau divennero famosi lavorando esclusivamente per questi rivenditori prima di muoversi in altre direzioni. L'architetto Peter Behrens, ad esempio, progettò praticamente tutto, da teiere a copertine di libri, manifesti pubblicitari, interni di padiglioni espositivi, utensili e mobili, e alla fine divenne il primo designer industriale quando nel 1907 assunse la direzione di tutto il lavoro di design per AEG, la General Electric tedesca.
L'influenza dell'Art Nouveau sulla cultura: ciò che è venuto dopo
Se l'Art Nouveau conquistò rapidamente l'Europa negli ultimi cinque anni del XIX secolo, gli artisti, i designer e gli architetti lo abbandonarono con la stessa rapidità nella prima decade del XX secolo.
Sebbene molti dei suoi praticanti avessero fatto della dottrina "la forma deve seguire la funzione" il centro del loro ethos, alcuni designer tendevano a essere lussuosi nell'uso della decorazione, e lo stile cominciò a essere criticato per essere troppo elaborato. In un certo senso, man mano che lo stile maturava, iniziò a tornare agli stessi abitudini che aveva disprezzato, e un numero crescente di oppositori cominciò a sostenere che, invece di rinnovare il design, aveva semplicemente cambiato il vecchio con il superficialmente nuovo. Anche utilizzando nuovi metodi di produzione in massa, l'artigianato intensivo coinvolto in gran parte del design dell'Art Nouveau impedì che diventasse realmente accessibile a un pubblico di massa, come i suoi esponenti avevano inizialmente sperato. In alcuni casi, come a Darmstadt, le leggi internazionali sui diritti d'autore lasche impedirono anche agli artisti di beneficiare economicamente dei loro design.
L'associazione dell'Art Nouveau con le esposizioni contribuì presto alla sua rovina. Per cominciare, la maggior parte degli edifici della fiera erano strutture temporanee che furono demolite immediatamente dopo la chiusura dell'evento. Ma ciò che è più importante, le esposizioni in sé, sebbene celebrate con il pretesto di promuovere l'istruzione, la comprensione internazionale e la pace, tendevano a nutrire la rivalità e la competizione tra le nazioni a causa della natura intrinsecamente comparativa della mostra. Molti paesi, inclusi Francia e Belgio, considerarono l'Art Nouveau come potenziale candidato al titolo di "stile nazionale", di fronte ad accuse di origini straniere o sfumature politiche sovversive dell'Art Nouveau, ad esempio in Francia, fu associato in vari modi con designer belgi e commercianti tedeschi, e talvolta era lo stile utilizzato negli edifici socialisti, tornando così l'opinione pubblica contro di esso. Con alcune eccezioni notevoli in cui godette di un cerchio impegnato di sponsor locali dedicati, nel 1910 l'Art Nouveau era scomparso dallo scenario del design europeo quasi completamente.
Dalla Wiener Werkstätte all'Art Deco
La morte dell'Art Nouveau iniziò in Germania e Austria, dove designer come Peter Behrens, Josef Hoffmann e Koloman Moser iniziarono ad adottare un'estetica più sobria e più severamente geometrica già nel 1903. Quell'anno, molti designer precedentemente associati alla Secessione di Vienna fondarono il collettivo noto come Wiener Werkstätte, la cui preferenza per forme marcatamente angolari e lineari ricordava un'estetica più precisa, di ispirazione industriale, che omise qualsiasi riferimento aperto alla natura.
Questa oggettivazione delle qualità di design realizzate a macchina fu sottolineata nel 1907 da due eventi chiave: l'installazione di Behrens come capo di tutto il design aziendale di AEG, dagli edifici ai prodotti e alla pubblicità, rendendolo il primo designer industriale del mondo; e la fondazione del Werkbund tedesco, l'alleanza formale tra industriali e designer che cercava sempre più di definire un sistema di tipologie di prodotti basato sulla standardizzazione. Combinato con un nuovo rispetto per il classicismo, e ispirato in parte dall'Esposizione Universale di Chicago del 1893 e con la benedizione ufficiale del movimento City Beautiful negli Stati Uniti, questa estetica ispirata alle macchine si svilupperebbe eventualmentec dopo la Prima Guerra Mondiale, nello stile che ora chiamiamo tardivamente Art Deco.
Il suo carattere nettamente commerciale si espresse in modo più succinto nell'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes di Parigi nel 1925, l'evento che, negli anni '60, gli darebbe il nome all'Art Deco. Combinato con un nuovo rispetto per il classicismo, ispirato in parte dall'Esposizione Universale di Chicago nel 1893 e con la benedizione ufficiale del movimento City Beautiful negli Stati Uniti, questa estetica ispirata alle macchine si svilupperebbe eventualmentec dopo la Prima Guerra Mondiale, nello stile che ora chiamiamo tardivamente Art Deco.
Influenze postmoderne dell'Art Nouveau
Nonostante la sua breve vita, l'Art Nouveau sarebbe stata influente negli anni '60 e '70 per i designer che desideravano liberarsi dall'estetica restrittiva, austera, impersonale e sempre più minimalista che prevaleva nelle arti grafiche. Le qualità lineari di flusso libero e incontrollate dell'Art Nouveau divennero un'ispirazione per artisti come Peter Max, la cui evocazione di un'esperienza alternativa psichedelica e onirica ricorda il mondo estetico immaginativo, evanescente e di flusso libero dei primi secoli.
Riconosciuto fin da subito come un passo importante nello sviluppo del modernismo sia nell'arte che nell'architettura, oggi l'Art Nouveau è inteso meno come un ponte di transizione tra periodi artistici e più come un'espressione dello stile, dello spirito e del pensiero intellettuale di un certo arco temporale, incentrato intorno al passaggio al secolo, nel 1900. Nella sua ricerca di stabilire un'estetica veramente moderna, l'Art Nouveau è diventato il linguaggio visivo definitorio di un momento fugace dell'epoca.
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