יסודות ההיסטוריה של האמנות מתרחקים לעשרות אלפי שנים, כאשר הציוויליזציות העתיקות השתמשו בטכניקות ובאמצעים הזמינים כדי לייצג נושאים בעל משמעות תרבותית. מתוך הדוגמאות הראשונות הללו, צמחה מספר רב של תנועות אמנותיות, כל אחת עם סגנונות ותכנים הייחודיים שלה המשקפים את ההשפעות הפוליטיות והחברתיות של התקופה שלה.
מהו הפוביזם ומהו האמנות הקונספטואלית? לדבר על אמנות זו דיסציפלינה בפני עצמה, ואם אתה חדש בעולם הזה, ייתכן שיש לך שאלות רבות, במיוחד על כל תנועה ועל הסוגים השונים של אמנות.
הסוגים של האמנות המשפיעה, מהתקופה של הרנסנס ועד עליית המודרניזם, הותירו חותם בל יימחה בהיסטוריה.
כשיהיה לנו ברור את המונחים על ההיסטוריה ועל החשיבות של התנועות האמנותיות, תהיה לנו הבנה עמוקה יותר כיצד אמנים מפורסמים כמו ואן גוך, פיקاسو וורהול מהפכו את עולם האמנות.
Kuadros הכינה עבורך רשימה של התנועות החשובות ביותר.
מס' 1 רנסנס איטלקי (1400–1550)
כמה נציגים: דלתות גיברטי, בונרלסקי, דונטלו, בוטיצ'לי, לאונרדו, מיכאל אנג'לו, רפאל.
לקראת סוף המאה ה-14, קבוצה של אנשי מחשבה איטלקים הכריזה כי הם חיים בעידן חדש. העידן החשוך והברברי של "הימי הביניים" הגיע לסיומו; החלה "רינסנצ'יה" ("רנסנס") של למידה, ספרות, אמנות ותרבות. זה היה הלידה של התקופה הידועה כיום כרנסנס. במשך מאות שנים, חוקרים הסכימו שהרנסנס האיטלקי התרחש בצורה זו: בין המאות ה-14 ל-17, צורת חשיבה מודרנית לגבי העולם והמקום של האדם בו החליפה את הרעיונות הישנים. רבים מהישגים המדעיים, האמנותיים והתרבותיים של התקופה הזו חולקים נושאים משותפים, במיוחד האמונה ההומניסטית שהאדם הוא המרכז של היקום שלו.
איטליה במאה ה-15 הייתה שונה מכל מקום אחר באירופה. היא הייתה מחולקת למדינות עיר עצמאיות, כל אחת עם ממשלה משלה. פירנצה, שבה החל הרנסנס האיטלקי, הייתה רפובליקה עצמאית ומרכז בנקאי ומסחרי. הפבירנצים העשירים הראו את כוחם על ידי תמיכה באמנים ובאינטלקטואלים, והפכו את העיר למרכז התרבותי של אירופה והרנסנס.
הרנסנס מחולק לשני חלקים מרכזיים:
במהלך הרנסנס המוקדם, החלו האמנים לדחות את הסגנון הביזנטי של הציור הדתי ושאפו ליצור ריאליזם בהצגת הצורה והמרחב האנושיים. מטרה זו החלה עם צ'ימאבוי וג'וטו, והגיעה לשיאה עם אמנים כמו אנדראה מנטניה ופאולו אוצ'לו. אף על פי שהדת עדיין הייתה חשובה בחיי היומיום, גם נושא המיתולוגיה החל לצמוח. רבים מצביעים על לידת ונוס של בוטיצ'לי כעל הציור הראשון בפאנל של סצנה מיתולוגית.
התקופה הידועה כרנסנס העליון מסמלת את התגשמות המטרות של הרנסנס המוקדם. האמנים הבולטים הם לאונרדו דה וינצ'י, רפאל, טיציאן ומיכאל אנג'לו. הציורים והפרסקו שלהם הם מהיצירות המוכרות ביותר בעולם, כמו הסעודה האחרונה, בית הספר באתונה וציורי התקרה של קפלת סיסטינה של מיכאל אנג'לו.
קנה העתק של המונה ליזה בחנות המקוונת של Kuadros
מס' 2 בארוק (1600–1750)
כמה נציגים: רובנס, רמברנדט, קראווג'ו, ולאסקז, ארמון ורסאי.
המונח בארוק ככל הנראה נגזר מאיטלקית "barocco", ששימשה בימי הביניים כדי לתאר מכשולים לוגיים. מאוחר יותר, היא החלה לשמש לתיאור רעיונות מורכבים או תהליכי חשיבה מעוותים. מקור נוסף אפשרי הוא פורטוגזית "barroco" (ספרדית "barrueco"), שמתארת פנינה בצורת לא סדירה או לא מושלמת. הבארוק הוא תנועה באמנות ובארכיטקטורה שהתפתחה באירופה מתחילת המאה ה-17 ועד אמצע המאה ה-18. הוא מדגיש תנועה דרמטית ומוגזמת ופרטים ברורים כדי לייצר דרמה, מתח, שפע וגדולה.
הביטויים הראשונים התרחשו באיטליה בעשורים האחרונים של המאה ה-16, בעוד שבאזורים כמו גרמניה ודרום אמריקה הקולוניאלית, הישגים מסוימים של הבארוק לא התרחשו עד המאה ה-18.
האמנים revitalized את אידיאלים של יופי מה רנסנס, המטילים על יצירות אמנות, מוסיקה וארכיטקטורה חדש כהונאה וקישוט. סגנון זה, הידוע כבארוק, התאפיין בטכניקות חדשניות ופרטים מפותחים, והציע שפה ויזואלית שופעת בתקופה יחסית מתונה לאמנות. הבארוק התפשט ברחבי אירופה, המניע על ידי האפיפיור ברומא ורודנים קתוליים באיטליה, צרפת, ספרד ופלנדריה. הוא התפשט עוד יותר באמצעות הוראות דתיות דרך מנזרים ומנזרות.
הסגנון הבארוקי שהופיע היה כאין הסביר וכדיכני. טיפול נאטורליסטי הפך את התמונות הדתיות ליותר נגישות, בעוד שהשפעות דרמטיות ואילוזיוניות עוררו את הדת והעבירו את ההוד האלוהי. התקרות של הכנסיות התפזרו בסצנות מצויירות שהכו את חושים לעבר השמימי.
אף על פי שהנושא והסגנון עשויים להשתנות בין הציורים הבארוקיים, רובם חולקים את הדרמה כאלמנט משותף. בעבודות של אמנים כמו קראווג'ו ו-רמברנדט, העניין בדרמה מתבטא בניגודים אינטנסיביים של אור וצלה.
המאסטר הגדול של האזור הקתולי שנשלט על ידי הספרדים היה הצייר פיטר פאוול רובנס, שקומפוזיציות הדינמיות ודמויות החזקות שלו הן האפיטומינה של הציור הבארוקי. דיוקנאות מעודנים של אנטוני ואן דייק והיצירות המוצקות של יעקב יורדנס בעקבותיו. האמנות בהולנד הושפעה מהטעמים הריאליסטיים של המעמד הבינוני, ולכן ציירים כמו רמברנדט ופרנס הלהוס שמרו על עצמאות מהסגנון הבארוקי בהיבטים חשובים. עם זאת, הבארוק השפיע רבות על אנגליה, במיוחד על הכנסיות והארמונות שעוצבו על ידי סר כריסטופר ורן וסר ג'ון ואן ברוג.
כמו פסלים מהרנסנס, כמו דוד האיקוני של מיכאל אנג'לו, פסלים בארוקיים לעיתים קרובות נועדו לקשט מבנים מפוארים ומצבים גדולים אחרים, כמו פנים כנסיות וגני מלוכה.
הזהרה האחרונה של הבארוק התקיימה בדרום גרמניה ואוסטריה, שבהן אדריכלים מקומיים התרחקו מהדגמים האיטלקיים בשנות ה-1720.
קנה העתק של גברות העמה בחנות המקוונת של Kuadros
מס' 3 ריאליזם (1848–1900)
כמה نציגים: קורוט, קורבה, דאומייה, מילט.
הריאליזם הוא ייצוג מדויק, מפורט וללא קישוט של הטבע או החיים העכשוויים. הוא דוחה את האידיאוליזציה לטובת תצפית מדויקת של המראות החיצוניים. כפי שכך, הריאליזם כלל מספר רב של זרמים אמנותיים בציוויליזציות שונות. באמנות הוויזואלית, לדוגמה, ניתן למצוא אותו בפסלים יווניים הלניסטיים המייצגים מתאגרפים וזקנות. יצירות מציירים מהמאה ה-17 כמו קראווג'ו, ציירי ג'נר הולנדים, הספרדים חוסה דה ריברה, דייגו ולאסקז ופרנסיסקו דה סורבטן, ואחיי לה נאן בצרפת, ממלאים גישה ריאליסטית. יצירות של סופרי אנגלית מהמאה ה-18 כמו דניאל דפו ו-הנרי פילדינג גם יכולות להיחשב כריאליסטיות.
הריאליזם צמח בצרפת בשנות ה-1850, לאחר מהפכת 1848, שהקנה את "הזכות לעבודה" במדינה. הוא הציג את רעיון האנשים הרגילים, סצנות עכשוויות וסצנות יומיות כנושאים אמנותיים שראויים.
הוא התפשט ברחבי אירופה, מרוסיה של אלכסנדר השני ועד בריטניה של המלכה ויקטוריה, דרך גרמניה של וילהלם הראשון, איטליה של הריסורגימנטו ומעבר לכך. שנת 1855 הייתה משמעותית בהקניית הריאליזם באירופה.
גוסטב קורבה נחשב לדמות המרכזית של הריאליזם. הוא הניח את היסודות לתנועה בשנות ה-1840, על ידי תיאור חקלאים ועובדים מבלי להלל אותם, תוך הצגתם בצורה בולטת וחמורה, מה שגרם למחלוקות.
הסגנון והנושא של קורבה התבססו על עבודות של ציירים מהאסכולה של ברביבון. תיאודור רוסו, שארל-פרנסואה דאוביני, ז'אן-פרנסואה מילט ואחרים התיישבו בכפר הצרפתי ברביבון במטרה לשחזר בנאמנות את האופי המקומי של הנוף.
הריאליזם הציורי מחוץ לצרפת היה מיוצג היטב במאה ה-19 בארצות הברית. הציורים החזקים והביטויים של וינסלו הומר על נושאים ימיים והעבודות של תומס איוקינס הם רשומות כנות ומאוד נצפות של החיים העכשוויים. הריאליזם היה זרם עצמאי באמנות של המאה ה-20, שנבע מהרצון של האמנים להציג דימויים יותר כנים ולא אידיאלים של החיים היומיים או להשתמש באמנות ככלי לביקורת חברתית ופוליטית.
הסצנות הגסות וכמעט העיתונאיות של החיים העירוניים קבוצת "The Eight" (השמונה) נכנסות לקטגוריה הזו. הזרם הגרמניNeue Sachlichkeit (אובייקטיביות חדשה) עבד בסגנון ריאליסטי כדי לבטא את הציניות ואכזבה לאחר מלחמת העולם הראשונה בגרמניה. הריאליזם הסוציאליסטי בברית המועצות השתמש בטכניקות של אידיאוליזציה נאטורליסטית כדי ליצור פורטרטים של עובדים ומהנדסים חסרי פחד.
בנוסף, הריאליזם השפיע ישירות על תנועות אמנות עכשוויות כמו הפוטוריאליזם וההיפר-ריאליזם, מה שמדגים את המורשת המתמשכת והמתפתחת שלו.
קנה העתק של האספניות בחנות המקוונת של Kuadros
מס' 4 אימפרסיוניזם (1865–1885)
כמה נציגים: מונה, מנֶה, רנואר, פיסרו, קאסאט, מוריסו, דגה.
האימפרסיוניזם הצרפתי הוא תנועה חשובה שהתפתחה בעיקר בצרפת בסוף המאה ה-19 ותחילת ה-20. התכונה הבולטת ביותר שלו הייתה הניסיון לתעד באופן מדויק ואובייקטיבי את המציאות הוויזואלית במונחים של אפקטים של אור וצבע משתנים. האמנים האימפרסיוניסטים הראו צורת חדשה להביט ולייצג את העולם, ונסוגו מייצוגים ריאליסטיים לטובת רשמים חולפים מהסביבה שלהם, לרוב בחוץ. במוזיקה, ניסו להעביר רעיון או אפקט דרך שטף של צליל במקום מבנה פורמלי נוקשה.
בתחילת העשור של 1860, האמנות של מנֶה שיקפה אסתטיקה חדשה שתהיה כוח מנחה בעבודת האימפרסיוניסטים, שבה חשיבות הנושא המסורתי צומצמה וההדף עבר למניפולציית הצבע, הטון והמרקם.
ב-1874, קבוצת אמנים בשם "חברה אנונימית לציירים, פסלים, חקיתיים וכו'" ארגנה תצוגה בפריז ששחררה את התנועה שנקראת אימפרסיוניזם. חברי היסוד שלה כללו את קלוד מונה, אדגר דגה וקומיל פיסרו. הציור של מונה אימפרסיה, זריחה (1872) העניק להם את השם הראשוני המזלזל "אימפרסיוניסטים" על ידי העיתונאי לואי לירוי. האמנים קיבלו במהרה את השם כהגדרת כוונתם להעביר בדיוק את "הרשמים הוויזואליים". בעוד שהמבקרים השמרניים ביקרו את עבודותיהם על המראה הבלתי מושלם והסקיצי, סופרים יותר פרוגרסיביים היללו אותם על תיאוריהם של החיים המודרניים.
מאז ההקנייתו, האימפרסיוניזם הוגדר על ידי תכונות כמו מכחולים רפויים, צבעים ייחודיים, ייצוגים של נושאים יומיומיים, דגש על האור וקומפוזיציות בהשראת צילום.
באמצע העשור של 1885, הקבוצה האימפרסיוניסטית החלה להתפרק כאשר כל צייר רדף אחרי האינטרסים והעקרונות האסתטיים שלו. עם זאת, הם ביצעו מהפכה בהיסטוריה של האמנות, והניחו את הבסיס הטכני לאמנים פוסט-אימפרסיוניסטים כמו צזאן, דגה, גוגן, ואן גוך וג'ורז' סורה, ששחררו את הציור המערבי מטכניקות וגישות מסורתיות.
מורשת ונוכחות האימפרסיוניזם כיום
כנקודת מוצא של המודרניזם, האימפרסיוניזם השפיע על הרבה תנועות מאוחרות. הפוסט-אימפרסיוניסטים אימצו את המכחול הרפוי שלהם; האמנים האקספרסיוניסטים הא абסטרקטיים מצאו השראה בגישה הבלתי קונבנציונלית של מנֶה; ורבים מהאמנים הע contemporaneous ממשיכים לעבוד בסגנון ניאו-אימפרסיוניסטי.
קנה העתק של אישה עם מטריה בחנות המקוונת של Kuadros
מס' 5 פוסט-אימפרסיוניזם (1885–1910)
כמה נציגים: ואן גוך, גוגן, צזאן, סורה.
הפוסט-אימפרסיוניזם הוא מונח בשימוש כדי לתאר את התגובה בשנות ה-1880 נגד האימפרסיוניזם. הוא היה מנוהל על ידי פול צזאן, פול גוגן, וינסנט ואן גוך וג'ורג'ס סורה. הפוסט-אימפרסיוניסטים דחו את הדאגה של האימפרסיוניזם להציג את האור והצבע באופן ספונטני ולאטורלי.
אמנים אלה, למעט ואן גוך, היו צרפתיים ורובם החלו כאימפרסיוניסטים; כל אחד מהם עזב את הסגנון כדי ליצור אמנות אישית מאוד.
כמו האימפרסיוניסטים, הם שם דגש על האומנותיות של התמונה. הם האמינו שהצבע יכול להיות בלתי תלו מבראשית או קומפוזיציה כסיפור רגשי ואסתטי. גם האימפרסיוניזם וגם הפוסט-אימפרסיוניזם כוללים כמה מהיצירות המפורסמות ביותר של אמנות מודרנית, כמו הליליות של מונה והלילה המזוהר של ואן גוך.
הם חלקו את עבודותיהם עם הציבור דרך תצוגות עצמאיות בפריז. בשנת 1910, מבקר האמנות רוג'ר פריי ייצר את המונח "פוסט-אימפרסיוניזם" עם התצוגה שלו "מנֶה והפוסט-אימפרסיוניסטים". פריי האמין שהיופי של האמנות נטוע בתפיסה. "האמנות היא ביטוי ומדרבן לחיים דמוניים במקום שכפול של החיים האמיתיים," הסביר ב"מאמר באסתטיקה".
הפוסט-אימפרסיוניסטים האמינו שיצירת אמנות לא צריכה להתמקד בסגנון, תהליך או גישה אסתטית, אלא להדגיש את הסימבוליזם, ולהעביר מסרים מעמקי התודעה של האמן.
לעיתים הם הציגו ביחד, אך בניגוד לאימפרסיוניסטים, שהחלו כקבוצה מאוחדת, הם ציירו בעיקר לבד. צזאן צייר מבודד באיקס-אן-פרובנס; גוגן התיישב בטהיטי בשנת 1891; ואן גוך צייר בשדה בארל. גם גוגן וגם ואן גוך דחו את האובייקטיביות של האימפרסיוניזם לטובת ביטוי רוחני יותר אישי.
"צבע! איזה שפה עמוקה ומסתורית, שפת החלומות." - פול גוגן
בניגוד לאימפרסיוניסטים שחיפשו לתפוס את השפעת האור הטבעי, הפוסט-אימפרסיוניסטים השתמשו בפלטת צבעים מלאכותית כדי לתאר את תפיסותיהם על העולם. צבעים רוויים וצללים רב צבעוניים בולטים בציורים שלהם, מראים את הגישה החדשנית שלהם.
הפוסט-אימפרסיוניזם התרחק מהגישה הנאוטורלית ופנה לתנועות כמו הקוביסטיות والפוביזמוס, שחיפשו לעורר רגשות דרך הצבע והקו.
קנה העתק של הלילה המזוהר בחנות המקוונת של Kuadros
מס' 6 פוביזם ואקספרסיוניזם (1900–1935)
ציור המונח על גסים, צבעים שמקפצים מהעמוד וטונים אנטינאטורליסטים: הפוביזם והאקספרסיוניזם הם שני מהרבדים שעניינים אלה חיוית. אז, מה ההבדל ביניהם, אם אפשר לתארם באותה דרך? קודם נבהיר את הפוביזם ואת האקספרסיוניזם בפני עצמם.
פוביזם
כמה נציגים: מatisse, דה רן, סיניאק
הפוביזם תפס את הסצנה האמנותית בין 1905 ל-1910, מאופיין בצבעים אינטנסיביים ובמכחולים נועזים. בחלק מהמקרים, האמנים גילו את הצבע ישירות מהטובה. הצבעים לא היו צריכים להיות נאמנים את הטבע; הם יכולים היו להשתנות כדי להציג רגש. הם בחרו בנושאים פשוטים ובשל כך, הציורים נראו כמעט אבסטרקטיים. המבקר האמנותי לואי ווקסלס טבע את המונח לאחר שתיאר את עבודתו של אנרי מatisse ואנדרה דה רן כ"les fauves" או "החיות" במהלך תערוכה ב-Salon d’Automne בפריז ב-1905. עבודתו הייתה מלאה בצבעים אנטינאטורליסטיים וכתמי צבע פראיים על הבד. זה היה התחלה של הפוביזם.
האמנים הפוביסטים היו מאוד מעוניינים בתיאוריה המדעית של הצבע מהמאה ה-19. ספציפית, עם השימוש בצבעים משלימים, הם הבינו כיצד לגרום לצבעים להיראות יותר מבריקים ואמוריים תוך שילוב תיאוריות אלו.
הציור של מatisse "אישה עם כובע" הוקע על ידי הצבעים האנטינאטורליסטיים בפרצופה של האישה. פול סיניאק מפורסם על פונטיליזם שלו והיה המדריך של מatisse. הפונטיליזם היא טכניקה שבה ממקמים נקודות קטנות של צבעים ראשיים יחד; כשמרחקים, הם מתאחדים לתמונה אחת. זה ניתן להקבלה לפיקסלים על מסך מחשב.
מלבד מatisse ודה רן, אמנים פוביסטיים נוספים חשובים כוללים את ג'ורג' ברק, ראול דופי, ג'ורג' רואו ומוריס דה ולמינק.
אקספרסיוניזם
כמה נציגים: מונק, קנדינסקי, קלé
האקספרסיוניזם הוא מונח כללי לכל יצירת אמנות שמעוותת את המציאות כדי להתאים לרגשות הפנימיים, לתפיסות או לרעיונות של האמן. בקיצור, זו אמנות שמביעה מציאות פנימית בעולם החיצוני. ישנן תכונות ייחודיות של האקספרסיוניזם: צבעים אינטנסיביים ולא טבעיים, צבעים מוחלים בכמויות גדולות תוך יצירת מרקם על הבד.
האקספרסיוניזם בא "מבפנים", היה השתקפות של רגשות האמן יותר מאשר ייצוג של סצנה. שני אמנים אקספרסיוניסטים משפיעים היו אמיל נולדה ואדווארד מונק.
התורמים המרכזיים לתנועה האקספרסיוניסטית כוללים אמנים כמו וסילי קנדינסקי, פול קלé, מקס בקמן, ארנסט לודוויג קינשר ואחרים.
קנה העתק של הצעקה בחנות המקוונת של Kuadros
הפוביזם יכול להתפרס כאת תת-קטגוריה של האקספרסיוניזם. הם משתמשים בטכניקות דומות ומסווגים באותן תכונות; ההבדל האמיתי הוא בטבע הייחודי של הפוביזם בהשוואה למקדש האקספרסיוניזם.
משהו שניתן לראותו כפוביסטי עשוי גם להיות חלק ממדינת האקספרסיוניזם, אך לא כל האקספרסיוניזם הוא פוביזם. הפוביזם הוא קצת יותר פראי, אך עם נושא יותר פשוט.
מס' 7 קוביזם (1905–1920)
כמה נציגים: פבלו פיקאסו, ג'ורג' קראק
הקוביזם הוא סגנון של אמנות חזותית מאוד משפיעה מהמאה ה-20, שנוצר בעיקר על ידי פבלו פיקאסו וג'ורג' קראק בפריז בין 1907 ל-1914. הסגנון הקוביסטי הדגיש את השטח הפלאי והדו-ממדי של התמונה, דוחה את הטכניקות המסורתיות של פרספקטיבה, סקיצה, דגמים וחושך-אור, ולא מאשר את הישנות העתיקה שעל פיה האמנות צריכה לחקות את הטבע. הקוביסטים האמינו שהמסורות של האמנות המערבית הוצאו, וכדי ל revitalizar את עבודותיהם, הם פנו לאנרגיה המביעה של האומנות מתרבויות אחרות, במיוחד האמנות האפריקאית.
הקוביזם מקבל את שמו מהערות המבקר לואי ווקסלס, שתיאר בזלזול את עבודתו של קראק ב-1908 כאחד שמורכב מקוביות. בציור של קראק, הנפחים של הבניינים, הצורות הצילינדריות של העצים ושיטת הצבע מפתחים את הנופים של פול צזאן, שהשפיע עמוקות על הקוביסטים בשלב הפיתוח הראשון שלהם (עד 1909). עם זאת, היה לס דמוארצות אביניון, שצוייר על ידי פיקאסו ב-1907, ששינה את הסגנון החדש; בעבודה זו, צורות של חמש נשים עירומות הופכות לדמויות חדות ומפורקות.
הקוביזם התפתח בשתי שלבים נפרדים: הקוביזם האנליטי והקוביזם הסינתטי. הקוביזם האנליטי (1908–1912) הוא מאופיין יותר במוגבלות ומשלב קווים ושטחים עם גוונים מאוחדים. הקוביזם הסינתטי (1912–1914) מתאפיין עם צורות יותר פשוטות וצבעים יותר בהירים, שמכילים אלמנטים אמיתיים משולבים, כמו עיתונים. הכנסת אובייקטים אמיתיים ישירות לאמנות הייתה תחילתו של אחד הרעיונות החשובים ביותר באמנות המודרנית.
אם כי מייחסים לפיקאסו וקראק את ההקמה של השפה הוויזואלית הזו, היא אומצה והורחבה על ידי הרבה ציירים, בהם פרננד שלז´ר, רוברט וסוניה דלואן, חואן גריס ואחרים. הקוביזם השפיע גם עמוקות על הפיסול והארכיטקטורה של המאה ה-20.
המשמעות החופשית שהחלה עם הקוביזם היתה to be > consequences> רחבות על תנועות כמו דאדא וסוריאליזם, כמו גם אמנים שלחמו על ידי הפשטה בכל רחבי הגלובוס.
מס' 8 דאדא וסוריאליזם (1917–1950)
דאדא
כמה נציגים: הוגו בל, מרסל דושאן, אמי הנינגס, האנס ארפ, ראול האוסמן, האנה הוך, פרנסיס פיקאביה, ג'ורג' גרוז
דאדא היה תנועה אמנותית לתצוגה אירופית עם מרכזים בציריך ובניו יורק. צמחה כתגובה ישירה לטבח, הפרופגנדה והטירוף של מלחמת העולם הראשונה. קבוצות עצמאיות המחוברות ברעיונות משותפים צמחו בברלין, בפריז ובמקומות נוספים. הם לא שיתפו סגנון אוניברסלי, אלא היו מחוברות על ידי הדחייה של האידיאליזם והקונבנציות האמנותיות והאינטלקטואליות המטושטשות.
השם "דאדא", שהיה נבחר באקראי מתוך מילון בשנת 1916, משמעותו "סוס נדנדה" בצרפתית או "כן, כן" ברומנית וברוסית. אך לשם תנועה, הוא בעצם לא אומר דבר. עייפים מהתרבות שבנתה את השחיטה של מלחמת העולם הראשונה, הדאדיסטים אתגרו את כל הקונבנציות, חוגגים את המקריות והאבסורד.
שורש הדאדא נמצא בקבוצות האמנותיות לפני המלחמה. מונח "אנטי-אמנות", פרימורסור לדאדא, היה מטבע על ידי מרסל דושאן סביב 1913 כדי לתאר עבודות המאחדים את הגבלות האמנות שלנו.
תנועת דאדא כללה מפגשים ציבוריים, הדגמות ופרסומי מגזינים אמנות וספרות. אמנות, פוליטיקה ותרבות היו נושאים שנדונו לעיתים קרובות בכמה מדיות.
סוריאליזם
כמה נציגים: מקס ארנסט, אנדרה מסון, סלבדור דאלי, רנה מגريت
הסוריאליזם היה אחת מהתנועות החשובות והמרדניות של המאה ה-20. הוא צמח בשנות ה-1920 ונתן אלטרנטיבה רדיקלית לאופני החשיבה ההגיוניים והפורמליים של הקוביזם. זו הייתה תנועה ספרותית, פילוסופית ואמנותית שחקרה את המוח, ותמכה באי-רציונליות, בשירה ובמהפכניות.
בניגוד לדאדא, מהם צמחה בדרכים רבות, הוא שם דגש על דחיית המסורות הקודמות. אנדרה ברטון, המנהיג של קבוצת משוררים ואמנים חדשה בפריז, הגדר את הסוריאליזם במניפסט הסוריאליסטי שלו (1924) כ-"אוטומטיזם פסיכי טהור, באמצעותו נובעת לבטא... את פעולתו האמיתית של החשיבה."
ניתן להבחין בכמה חוטים בהופעה הוויזואלית של הסוריאלизм. אמנים כמו מקס ארנסט ואנדרה מסון העדיפו את האוטומטיזם, שבו יש לדכא את השליטה המודעת ולהשאיר לתת לסובינציה לשלוט. בניגוד לכך, סלבדור דאלי ורנה מגייט רדפו אחרי תחושה מזויפה של מתח ריאלי שבו הסצנות הייצוגיות אינן בסדר כלשהו. גרסה שלישית הייתה שילוב של אלמנטים שאינם קשורים, תוך הקמת מציאות מחוץ לגבולות הרגילים.
הסוריאליזם התפתח בפריז, אך השפעתו התפשטה באמצעות מגזינים ותערוכות בינלאומיות. עם התפרצות מלחמת העולם השנייה, מרכז הפעילות הסוריאליסטית הועבר לניו יורק. אף על פי שהתנועה איבדה קוהרנטיות לאחר המלחמה, היא שימרה השפעה חזקה על האמנות העכשווית.
מס' 9 אקספרסיוניזם אבסטרקטי (1940–1950)
כמה נציגים: ג'קסון פולוק, ווילם דה קונינג, פרנס קלין
ה"אקספרסיוניזם האבסטרקטי" היה תנועה שהתפתחה בניו יורק בעשורים של 1940 ו-1950. אף על פי שהמונח לא היה אידיאלי, הוא כלל אמנים שמילאו את הבדים שלהם בשדות של צבעים וצורות אבסטרקטיות, וכמו גם את אלה שתקפו את הבדים שלהם עם אקספרסיוניזם גס. כולם היו מחויבים לאמנות כביטוי של האני, מתוך רגשות עמוקים ונושאים אוניברסליים.
התנועה כללה סגנונות ציור שונים רבים. אמנים, כמו ג'קסון פולוק ווילם דה קונינג, היו מאופיינים על ידי טיפול קומפקטי ודינמי בצבע. אחרים, כמו מרק רותקו, השתמשו באזוריים גדולים של צבע שטוח כדי להשיג אפקטים עדינים ומדיטטיביים.
אף על פי שהתנועה הוצגה בעיקר כשתהי בידי אמנים גברים, היו כמה אקספרסיוניסטיות מופשטות חשובות שהופיעו במהלך תקופה זו.
מס' 10 אמנות פופ (1960)
כמה נציגים: אנדי וורהול, רוי ליכטנשטין, ג'יימס רוזנקוויסט, קלס אולסונבורג
האֱמנות הפופ החלה עם אמנים מניו יורק כמו אנדי וורהול, רוי ליכטנשטין, ג'יימס רוזנקוויסט וקלס אולדנברג, שנשאו השראה מציורים פופולריים והיו חלק מתופעה בינלאומית. זה היה מרד נגד הגישות השליטות של האמנות והתרבות ודעות המסורתיות מה שצריך להיות האמנות. האמנים הצעירים הרגישו שלימודיהם בבית הספר לאמנות ורוב מה שראו במוזיאונים לא היה קשור לחייהם.
בשנת 1957, האמן הפופ ריצ'רד המילטון הוציא את תכוני האמנות הפופ במכתב: "האמנות הפופ היא: פופולארית, זמנית, ברורה, בעלות נמוכה, ייצור המוני, צעירה, חכמה, סקסית, פרעית, מפורסמת, ועוד.".
הפופ הביאה את האמנות לאזורים נושאים חדשים ופיתחה שיטות חדשות להציג אותה, וניתן לראות בה כאחת מההופעות הראשונות של הפוסט-מודרניזם.
מס' 11 פוסטמודרניזם (1970–)
כמה נציגים: גרהארד ריכטה, סינדי שרמן, אנסלם קיפר, פרנק גארי, זאהה חדיד
מרילין בשמיים של ג'יימס גיל
המונח "אֱמנות פוסטמודרניסטית" מתייחס לקטגוריה רחבה של אמנות עכשווית שנוצרה משנות 1970 ואילך. החותם הבולט הוא הדחייה של האסתטיקה שביסס את ההנחה הקודמת שלה, את האמנות המודרנית. אחד הערכים שהודחו הוא הרעיון שה"אמן" הוא משהו "מיוחד" שצריך להיות מופרד מהטעם הפופולרי.
בראשיתם, הפוסטמודרניזם סירב להכיר את הסמכות של כל סגנון או הגדרה של מה צריכה להיות האמנות. המושג של התרבות הגבוהה בתרבות הפופולרית, בין האמנות לחיים היומיומיים, הופך מאוד מתפורר. הוא הציג עידן חדש של חירות והרגשה ש"הכל בסדר".
לעיתים מבעד גישות סגנוניים שונים, האמנות הפוסטמודרניסטית עשויה גם ללוות או להעביר רעיונות בא irsure על סגנונות מהעבר. הפוסטמודרניסטים רואים את העמדה התיאורטית שלהם כלפי אופיינית ודמוקרטית.
בשנות ה-1980 וה-1990, הפוסטמודרניזם הפך להיות הפילוסופיה הלא רשמית של תנועת "פוליטיקה של זהויות".
KUADROS ©, ציור מפורסם על קירך.
