עשר הציורים האבסטרקטיים המפורסמים ביותר

בללא כותרת - האקוורל האבסטרקטי הראשון אנו רואים התפרצות צבע נאה, כפי שניתן לראות ברוב ציוריו, אך השימוש באקוורלים במקום בשמנים נותן גימור שונה באופן ברור שמקנה ליצירה זו עניין וייחודיות די רבה מהיצירות שהוא ייצר בשנת 1910. מהצפייה מקרוב נראה שהציור הושלם במהירות, דבר שהוא טיפוסי לצורת האמנות הזו מכיוון שהצבע מתייבש מאוד מהר. הוא גם עובד בצורה ביטויית, מבלי לדאוג יותר מדי לדיוק, אלא מתמקד יותר בבחירת הצבעים ומילוי הקנבס בצורות שונות ובקוים. זו הייתה יצירה אבסטרקטית ממש, וזו הייתה תופעה שהחלה להתברר יותר ויותר ככל שהוא התקדם בקריירה שלו, כאשר הוא התרחק יותר ויותר מהמציאות בצורות שהוא השתמש בהם.

קנדינסקי התמחה בשמנים אך עשה שימוש באקוורלים מדי פעם. הוא היה מוצא את המדיה הזו קלה לעבודה ותרמה גם ליצירות הסטודיה המהירות, שבהן הוא חיפש להבין את העיצוב ליצירה עתידית. הוא גם השתמש בליתוגרפיות, בעבודות עץ ובטחנות אחרות בתקופות שונות, במיוחד בשלבים המוקדמים של הקריירה שלו כאשר הוא היה במיוחד ניסי.

בעבודתו עם אקוורלים, קנדינסקי הצליח להשלים את הציור הזה תוך שלושה ימים בלבד. עם זאת, למרות למהירותו, קנדינסקי ביצע מספר מחקרים ליצירה זו לפני שהתחיל את ההרכב הסופי. מה שהתרם למהירות שניתן לפרש בללא כותרת היה הבחירה שלו בצבע, שכן קנדינסקי בחר בחוכמה צבעים שהוא ידע שיבטאו במדויק את רגשותיו באותו הזמן. הקווים והצורות שצוירו אף הם תורמים ומדגישים את הכאוס והדחיפות שמורגשים כשצופים בציור הזה.

האבסטרקציה גם מתבטאת בבירור בתוך יצירת אמנות זו דרך הקווים הרפויים והמעורפלים המיוצגים, מה שהעיר עניין משמעותי בקרב הקהל האמנותי באותו הזמן. ללא כותרת קיימת כמעורר משמעותי של תנועת האמנות האבסטרקטית, שכן זו הייתה הפעם הראשונה שמשהו שהיה מנותק וחסר הגבלה התקבל כנושא מתאים בתוכנן של העבודות אז. ללא כותרת
התקופה שבין 1910 ל-1914 נחשבה לשיא של קריירת קנדינסקי ופיסגת ההישגים האמנותיים הגדולים שלו. לכן, ללא כותרת התקיימה כאחת היצירות האמנותיות הראשונות שזרקו בוטות את כל ההפניות לדמויות מוכרות ויצאו מההגבלות שהציבו הקונבנציות של ייצוג האמנות במערב אירופה.

רעיון זה של חופש מוחלט החל לתפוס מקום מרכזי ברוב היצירות שנוצרו על ידי קנדינסקי במהלך תקופה זו.

מס' 2 גיל ההתבגרות # 7 - הילמה אף קלינט

אם כי היא לא מוכרת כמו רבים מהאמנים הגברים בעידן שלה, האמנית השוודית הילמה אף קלינט הייתה חלוצה בתחום האמנות האבסטרקטית וציוריה הרדיקליים מקדימים רבים מהעמיתים הגברים שלה. היא ביקשה מהיצירה הגדולה שלה, שרובו מעולם לא הוצג במהלך חייה, להישאר מוסתרת עד 20 שנה לאחר מותה.

האוסף מייצג את שלבי החיים, כולל ילדות, גיל ההתבגרות, בגרות וזקנה. הם משלבים בין אלמנטים בוטניים ואובייקטים אורגניים מוכרים אשר מתייחסים ללידה ולצמיחה.

הגיל ההתבגרות מס' 7 של הילמה קלינט היא קנבס עצום, בגובה 3 מטרים ורוחב 2 מטרים, צויירה על נייר, על רצפת הסטודיו, ולאחר מכן הודבקה על קנבס.

אף קלינט מפרשת את גיל ההתבגרות שלם פרוח כשעלי מספר צורות הזורמות בחופשיות בגבהים ובצבעים שונים על רקע לילך. הסמל הצהוב המרכזי דומה לפרח, בעוד שהספירלות והצורות הביומורפיות הם סמלים לצמיחה ופוריות.

מס' 3 סנציו - פול קליי

הושלמה בשנת 1922, הציור סנציו הוא גילוי של חוש ההומור והתרבות האפריקאית של פול. הצבעים והצורות הפשוטות, פול עושה שימוש בגוונים שונים של כתום, אדום וצהוב כדי לחשוף דיוקן של אדם מבוגר. השימוש האמנותי של הצורות נותן רושם כוזב של כך שעין אחת נראית כאילו היא מתרוממת. הגבה השמאלית שלו מיוצגת על ידי משולש בעוד שהגבה השנייה מורכבת מקו מעוגל פשוט. הדיוקן נקרא גם ראש של אדם משוגע והוא מחקה בכוונה את העבודות של ילדים בעזרת השימוש בצורות המזויפות עם פרטים פנים מינימליים.

הסתגלות זו לפנים האנושיות מחולקת לפי צבע לריבועים. הריבועים הגיאומטריים שטוחים מפורסמים מתוך מעגל המייצג פני חיה מסתורית ומדגים את התחפושת הרב גונית של ליצן. דיוקן של האמן המופיע סנציו, אפשר לראות כסמל לשינוי במערכת היחסים בין האמנות, האשליה ועולם הדרמה. ציור זה מדגים את העקרונות של האמנות של קליי, שבהם האלמנטים הגרפיים של קו, מישורי צבע ומקום מושקעים מתוך אנרגיה ממוחו של האמן. בעבודותיו הדמיוניות, הוא אהב, לפי דבריו, "להוציא קו לטיול".

מס' 4 הכוכב הכחול - חואן מירו

הציור הכוכב הכחול היה המעבר של מירו בין האמנות הצורנית לאבסטרקטית.

ציור זה ידוע כאחת מהציורים החשובים ביותר בקריירה של מירו. במיוחד, הכחול הבוער בו נעשה שימוש ניתן לראות בכמה מהעבודות העתידיות שלו והשפיע גם על אמנים כמו מארק רותקו וויי קליין.

הכוכב הכחול הוא ציור גדול, אך הוא ציור של שאלות ולא תשובות.

מירו היה הסינתזה הגדולה של עידן של רעיונות מגוונים, כמו שעומד היום, אך הרעיונות האמנותיים אז היו הרבה יותר מורכבים ממה שיש היום.

הציור משלב צבעים מופשטים, צורות קוביסטיות וכוונות סוריאליסטיות ביצירה שהצופה יכול לחקור שוב ושוב. זה בין כל כך הרבה דברים שיש הרבה שאלות ששאלותיהן חלומיות כמו הציור.

אם תבחין בצורה הכחולה בפינה השמאלית העליונה. זהו עוף. סביר להניח שזה קורה, אך איזה עוף לא ברור. בהנחה זה תוך זמן מה, ניתן בהחלט לקבוע שזה צורה דינאמית, אך ניתן גם לטעון שזה עף ימינה, שמאלה או אפילו כלפי מטה אלינו.

החתיכה האדומה הגדולה במרכז התחתון. האם זו רגל? היא בהחלט נראית כל כך יציבה ומחוברת כמו שהחתיכה הכחולה היא דינאמית.

ציור זה הוא אוצר עבור אוהביו. במבט ראשון, זה מתנדנד וקופץ מעט, אבל רגע, זה קופץ כנגד הדמות האלסטית בפינה התחתונה הימנית.

מירו, אמן קאטלוניה שנולד בברצלונה בשנת 1893, כינה את הנוף החלומי שלו סוריאליסטי בשם פנטזיה (הכוכב הכחול) משנת 1927 כתמונה מרכזית, incorporating symbols he would repeatedly use in later years, and even the blazing blue influenced later painters, including Mark Rothko and Yves. Klein.

מס' 5. קומפוזיציה VII - ואסילי קנדינסקי

הציור קומפוזיציה VII של ואסילי קנדינסקי נחשב על ידי רבים מאוהבי האמנות האבסטרקטית, כמו היצירה החשובה ביותר במאה ה-20, אולי אפילו הציור האבסטרקטי החשוב ביותר שנוצר אי פעם.

יצירה זו היא המשך לוגי של קומפוזיציה V ו קומפוזיציה VI . שלוש התצוגות קשורות על ידי האפוקליפסה. אלמנטים כמו המבול והתחייה יכולים להיות מזוהים בעבודה זו. נושא היסוד שלו הוא יום הדין, אך הוא אינו נתפס כאסון אלא כהשתחררות, המעבר מהעולם החומרי לרוחני. לכן, קומפוזיציה VII נבדלת מיתר העבודות בסדרה בזכות צבעיה הבהירים וקווי הניגוד המנצנצים.

קנדינסקי בנה כל אחת מהקומפוזיציות שלו כך שהצופה יוכל להיכנס לתמונה כאילו הוא מתגלגל בתוכה. הוא עשה את קצה התחתון של הקומפוזיציה כבד יותר, דוחף אותו קדימה, בעוד שהחלק העליון נשאר קל יותר ורחוק יותר מהצופה. אחד הניגודים המרכזיים של האמן, הכחול והצהוב יוצרים את האזור המרכזי של תנועה פעילה פנימה והחוצה.

קנדינסקי בילה חודשים רבים בהכנה לקומפוזיציה VII, אך הוא צייר אותה תוך ארבעה ימים בלבד. האמן ביצע כ-30 מחקרים לציור הזה. חלקם מזכירים את קרוואג'יו או את לאונרדו דה וינצ'י עם המחקרים המפורטים שלהם של קפלי הבד, עלי העצים או איברים אנושיים. בסדרה זו ישנן מספר עבודות המייצגות בעקביות את אותה קו מעוגל, אחרות מציגות את האלמנטים המבניים הבסיסיים של הקומפוזיציה והיו כמה מכשקים מפורטים של הקומפוזיציה. כמו כן, ישנם כ-15 ציורים שונים הקשורים לקומפוזיציה VII: מדובר בסקיצות שמעל לצבע או בעיפרון, אקוורלים, ציורים על זכוכית ומדפיסים.

גבריאל מונטר, שהייתה עדה ליצירת ציור זה, כתבה ביומנה ב-25 בנובמבר 1913 שהקנבס לקומפוזיציה VII הומצא בביתה במורנאו, וקנדינסקי החל לעבוד באותו הלילה. למחרת בבוקר הוא צילם את התמונה הראשונה של הציור ולאחר ארוחת הצהריים צילם את השנייה. הכניסה ליומנה של מונטר ב-28 בנובמבר ציינה שהציור הושלם. עד ה-29 בנובמבר הוא צילם את היצירה המוגמרת. כך נרשם לידתה של יצירת מופת גדולה.

קומפוזיציה VII занимает место
номер 100 בעמוד שלנו של ציורים מפורסמים

מס' 6 קומפוזיציה X - קנדינסקי

מוזכר כאחד מהחברים הראשונים של האמנות האבסטרקטית, ואסילי קנדינסקי לא היה רק צייר רוסי, אלא גם תאורטיקן אמנות. ההשפעה שהוא יצר והשאיר על העולם של האמנות ועל האבסטרקט היה עצום, שכן הוא עשה השותף בצוות האמנות פאלנקס והקבוצה החדשה של האמנים. הוא ארגן תערוכות לעמיתיו לאורך השנים כצייר. הוא יצר יותר מ-600 יצירות לאורך קריירתו, עם ציור משנת 1913 שהשיג מחיר שיא של 41.6 מיליון דולר במכירה פומבית ב-2017.

למרות שיא זה, עבודתו החשובה ביותר הייתה אולי קומפוזיציה X. האחרון בסדרה של 'קומפוזיציות' של חיי. בעבודתו הוא חיפש להשלים את המחקר שלו על טוהר הצורה והביטוי דרך עבודה זו.   מאוד השתמש עד כה בצבע שחור בעבודתו במסר, הוא נמתח שיצירה זו מתקשרת להקוסמוס כמו גם לרגשות קודרים שעוקבים לקראת סיום חייו.

בהתחלה, יצירת קומפוזיציה X הושפעה מהצורות הביומורפיות של הסוריאליזם.

עם זאת, ואסילי קנדינסקי מאוחר יותר השתמש באמנות לצורות אורגניות בציוריו.  זהו סגנון שהוא יישם מאוחר יותר בכל ציוריו.

הסגנון נתן ליצירות שלו יחודיות.  היה קל וכמעט בלתי אפשרי לא לזהות את הציורים שיצר ואסילי קנדינסקי כאשר נחשפו בתערוכות או במקומות אחרים.

בנוסף, קומפוזיציה X נוצרה בצרפת.  כאשר תבחין בציור מקרוב ניתן לראות שהצייר השתמש ברקע שחור.  הסיבה הראשית לשימוש ברקע השחור הייתה שמאפשרת לצבעים בחזית להיות ברורים.

מס' 7 קונברגציה - ג'קסון פולוק

קונברגציה —ציור בשחור ולבן שעליו פולוק שפך צבעים ראשוניים— משקף את המשבר של מלחמת הקוריאה.  זהו אחד מהיצירות המתחילות שלו, וגם ניתן לומר שזה יכול להיות הציור המפורסם ביותר של אקספרסוניסט אבסטרקטי.  בשנת 1964, אביב מיני עשה פאזל של הציור, אשר שווק כ"פאזל הכי קשה בעולם", ומאות אלפי אמריקאים קנו אותו.

בשנת 1951, פולוק אמר: "נראה לי שהצייר המודרני לא יכול לבטא את זמנו, את המטוס, את הפצצה האטומית, את הרדיו, בצורות הישנות של הרנסנס או בכל תרבות עבר אחרת. כל תקופה מוצאת את הטכניקה שלה.” פולוק מצא את הטכניקה שלו בציורי בתים ודליפות, והשתמש בה כדי להביע את זמנו.

בגודל 237 x 394 סנטימטרים, קונברגציה היא אחת מהציורים הכי שאפתניים של פולוק .  הוא ידוע בזכות הברק הוויזואלי שלו ובזכות הכוונת רגשות עמוקים בצופה.  אם כי העבודות של ג'קסון נשארות קשות לפיצוח אפילו לאנשי אמנות, ציוריו נחשבים לביטוי של חופש ביטוי.  קונברגציה, שהיא דוגמת מופת בהקשר הזה, נותרת אחת מהיצירות המתחילות המפורסמות שלו.

מס' 8 אלגיה לרפובליקה הספרדית - רוברט מאדרוול

אם כי רוברט מאדרוול היה בן 21 בלבד כאשר פרצה מלחמת האזרחים הספרדית, הזוועות השפיעו עליו הרבה בשנים שלאחר מכן. זה הוביל אותו ליצור סדרה של יותר מ-200 ציורים בתגובה לכך. סדרת 'אלגיה לרפובליקה הספרדית' משמשת כמגוון של הנצחות על הסבל האנושי, כמו גם "סמלים אבסטרקטיים ושיריים עבור המחזור הבלתי נמנע של חיים ומוות".

בנוגע לאלגיות, מאדרוול הצהיר: "לאחר תקופה של ציורן, גיליתי את השחור כאחד מהנושאים שלי, ואיתו, הלבן הנבדל, תחושה של חיים ומוות שהיא בעיני ספרדית מאוד. הם באופן עקרוני השחור הספרדי של המוות בניגוד לזה של אור השמש המהבהבת כמו מטיס."

האלגיות שלו מהוות מדיטציה אבסטרקטית מורחבת על החיים והמוות. לאורך הסדרה, הקנבסים הלבנים האופקיים מחולקים בקצב על ידי שתי או שלוש רצועות אנכיות שנDraw באקראי ומנוקדות במרווחים שונים על ידי צורות קיומיות. הציורים עשויים לרוב להיות מושלמים לחלוטין בלבן ושחור, הצבעים של אבל וזוהר, מוות וחיים. מאדרוול העיר לגבי שארט השפעות הללו כמטפורה להבנתו את החוויה של להיות חי.

אלגיה לרפובליקה הספרדית מתארת מעבר מהודר בין האורגני לגיאומטרי, מהאקראי והמכוון. כמו אמנים אקספרסוניסטים אבסטרקטיים אחרים, מאדרוול נמשך לצ principle הסוריאליסטי של האוטומטיזם — של שיטות שנמלטו מכוונת המודע של האמן — ומסלולו נושאים הרבה רגשות, אך הנחתה באופק מסויים של מידה כללית של חוסן. למעשה, מאדרוול ראה את העיצוב הזה של צבע וצורה כלב של האמנות האבסטרקטית, שטען כי "הוא מלבֵּש כלים אחרים כדי להחיש את זה, את ריתמוס, את המרחקים המרחביים ואת מבנה הצבע".

מס' 9 איריס שחור – ג'ורג'יה אוקיף

ציור פרחים מונומנטלי זה הוא אחד מהיצירות המוקדמות של אוקיף. על ידי הגדלת את עלי הכותרת הרבה מעבר לפרופורציות של גודל אמיתי, הוא מחייב את הצופה להתמקד בפרטים הקטנים שעלולים לפספס. כאשר ציורים מקבוצה זו הוצגו לראשונה בשנת 1924, גם אלפרד סטיגליץ, בעלה וסוחר האמנות שלה, הופתע מהעוז שלה.

האיריס השחור של ג'ורג'יה אוקיף הוא דוגמא לאחת מעבודות רבות שלה בנושא הפרחים ובייחוד על איריס, פרח רווי סימבולוגיה. עם זאת, ב-Black Iris III, המטרה של אוקיף לא הייתה להתייחס לסימבולוגיה הזו או להוסיף אותה, אלא לגרום לצופה להתמקד ולראות את הפרח ולשקול את הדרכים השונות שבהן אנשים רואים. זה הופך כך למדיטציה מעמיקה על האומניות של הסתכלות, לא רק לאומנות אלא לחיים. במאמר זה, סינגולרט פורסם עבור הסימבוליזם שהוטלה בציור של אוקיף, כמו גם את כוונותיה שלה בבריאת Black Iris III.

ג'ורג'יה אוקיף הייתה עסוקה בנושא ציור איריס במשך שנים רבות, במיוחד האיריס השחור, שהיה קשה יותר למצוא וזמין רק במשך כמה שבועות בשנה בניו יורק. האיריס הוא סמל מוכר בעולם המערבי: במיתולוגיה היוונית, האלת איריס מגלמת את הקשת ואת הקישור בין השמיים לארץ; בנצרות האיריס מסמל את התשוקה של ישו ואת התחייה, כמו גם את הסבל של מרים. מצד שני, לינדא נוכלין, היסטוריונית אמנות, הפכה את האיריסים של אוקיף לסימן פמיניסטי על ידי תיאורם כ"מטפורה מורפולוגית" של האיברים הנשיים, משקפת "את האחדות בין הנשיות לבין הסדר הטבעי". תיאור של נוכלין של Black Iris III ואיריסים אחרים של אוקיף העביר אותן בהיסטוריה של האומניות וההיסטוריה של הפמיניזם ואמנות הפמיניזם.

עם זאת, אוקיף דחתה את התיאור הזה, וטענה: "אף אחד לא רואה פרח, באמת, הוא כל כך קטן. אין לנו זמן, וכדי לראות לוקח זמן כמו שיש זמן לקחת חבר. אם הייתי יכולה לצייר את הפרח בדיוק כמו שאני רואה אותו, אף אחד לא היה רואה את מה שאני רואה כי אני הייתי מצייר אותו קטן כפי שהפרח קטן. לכן, אמרתי: אני אצייר את מה שאני רואה, מה שהפרח הוא בשבילי, אבל אני אצייר אותו גדול ואני אעשה אותך מופתע על כך שתייחס זמן כדי לראות אותו. אני אגרום לכך שנ אפילו הניו-יורקרים העסוקים ייקחו את הזמן לראות את מה שאני רואה בפרחים. עשיתי זאת כדי שאתה תיתן את הזמן לראות את מה שראיתי וכאשר תתן את הזמן לציין את הפרח שלי, שמת את כל הקשרים שלך עם הפרחים על הפרח שלי וכתבת על הפרח שלי כאילו אני חשבתי וראיתי מה שאתה חושב ורואה על הפרח, ואני לא.

מס' 10 חילופי - ויליאם דה קונינג

בשנת 1955, וילם דה קונינג השלים את היצירה חילופי. הוא היה ממוקד הרבה זמן בהכנת מחקרים על דמויות שקשורות נשים שהחלה בשנת 1948. אלה קשורים לתצוגה האישית שלו בשנת 1953, ציורים בנושא נשים, אשר נפתחה בעיר ניו יורק באותה עת. חלק מהכותרות של עבודות אלו כוללות אישה I, אישה III ואישה V, כמו גם שתי נשים עם נוף טבעי.

בשנת 1955, דה קונינג הפסיק לצייר דמויות אנושיות והמשיך להשתמש בייצוגים אבסטרקטיים של הארכיטקטורה והקהילות בעיר ניו יורק.

וילם דה קונינג השתמש בסימונים גסטואלים מהירים על קנבס. התמונה מראה אישה יושבת על כיסא, אך הנשים מופיעות רק כמסה של מקור. כאשר הגיע למתן שמות לציורים שלו, הוא העדיף תמיד לקשר לאזור שבו חי. חילופי קיבלה את השם מהסביבה, מרכז ניו יורק, המקום שבו הוא חי בתקופה זו.

מלכתחילה הציור נמכר על ידי האמן בשנת 1955 ב-4,000 דולר.

לאחר מכן הוא נמכר על ידי קרן דייוויד גפן לקנת' ג. גריפין ב-300 מיליון דולר בספטמבר 2015, ממקם אותה במקום השני ברשימת הציורים היקרים ביותר, רק אחרי Salvator Mundi של לאונרדו די וינצ'י, שנמכר ב-450.3 מיליון דולר בנובמבר 2017.

CUADROS ©, ציור מפורסם על הקיר שלך.