Les débuts de l'Art Nouveau
L'avènement de l'Art Nouveau - littéralement "Art Nouveau" - peut être attribué à deux influences distinctes : la première a été l'introduction, autour de 1880, du mouvement britannique Arts and Crafts, qui, tout comme l'Art Nouveau, était une réaction contre le design encombré et les compositions d'art décoratif de l'époque victorienne.
La seconde a été la vogue actuelle de l'art japonais, en particulier les gravures sur bois, qui ont captivé de nombreux artistes européens dans les décennies de 1880 et 1890, y compris des artistes comme Gustav Klimt, Emile Gallé et James Abbott McNeill Whistler. Les gravures japonaises sur blocs de bois, en particulier, contenaient des formes florales et bulbues, ainsi que des courbes en "fouet", tous des éléments clés de ce qui deviendrait finalement l'Art Nouveau.
Art Nouveau japonais - La Vague de Katsushika Hokusai
Il est difficile de désigner les premières œuvres d'art qui ont officiellement lancé l'Art Nouveau. Certains affirment que les lignes estampées et fluides et les fonds floraux que l'on trouve dans les peintures de Vincent van Gogh et Paul Gauguin représentent la naissance de l'Art Nouveau, ou peut-être même les lithographies décoratives d'Henri de Toulouse-Lautrec, comme Moulin Rouge : La Goulue (1891).
Cependant, la plupart pointent vers les origines des arts décoratifs et, en particulier, vers la couverture d'un livre de l'architecte et designer anglais Arthur Heygate Mackmurdo pour le volume de 1883 Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur : attribué comme la première représentation de l'Art Nouveau
Le design du livre montre des tiges serpentines de fleurs émanant d'un bloc aplati au bas de la page, évoquant clairement les gravures sur bois de style japonais.
Expositions Art Nouveau
L'Art Nouveau était souvent plus conspicueux lors des expositions internationales à son apogée. Le nouveau style a occupé le devant de la scène lors de cinq foires particulières : les Expositions Universelles de 1889 et 1900 à Paris ; l'Exposition de Tervuren de 1897 à Bruxelles, où l'Art Nouveau a été largement utilisé pour montrer les possibilités de l'artisanat avec les bois exotiques du Congo belge ; l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs Modernes de Turin de 1902 ; et l'Exposition Internationale de l'Est de la France de 1909 à Nantes.
Lors de chacune de ces foires, le style était dominant en termes d'arts décoratifs et d'architecture exposés, et à Turin en 1902, l'Art Nouveau était vraiment le style choisi par pratiquement tous les designers et toutes les nations représentées, à l'exclusion de tout autre.
Affiche de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs Modernes
L'Art Nou
veau : un courant artistique avec mille noms
Siegfried Bing, un marchand allemand et connaisseur de l'art japonais résident à Paris, a ouvert une boutique appelée L'Art Nouveau en décembre 1895, qui est devenue l'un des principaux fournisseurs du style en meubles et arts décoratifs. En peu de temps, le nom de la boutique est devenu synonyme du style en France, Grande-Bretagne et États-Unis. Cependant, la grande popularité de l'Art Nouveau en Europe occidentale et centrale a signifié qu'il avait plusieurs titres différents. Dans les pays germanophones, il a généralement été appelé Jugendstil (style jeunesse), tiré d'un magazine de Munich appelé Jugend qui l'a popularisé. Pendant ce temps, à Vienne, maison de Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann et d'autres fondateurs de la Sécession viennoise, il était connu sous le nom de Sezessionsstil (style de sécession).
Il était également connu sous le nom de Modernisme en espagnol, Modernisme en catalan et Stile Floreale (style floral) ou Stile Liberty en Italie, ce dernier en raison du magasin de tissus d'Arthur Liberty à Londres, qui a contribué à populariser le style. En France, il était communément appelé Style Moderne et parfois Style Guimard en hommage à son praticien le plus célèbre là-bas, l'architecte Hector Guimard, tandis que dans les Pays-Bas, il était souvent appelé Nieuwe Kunst (Art Nouveau).
Il convient de noter que ses nombreux détracteurs lui ont également donné plusieurs noms péjoratifs : Style Nouille (style de nouilles) en France, Paling Stijl (style d'anguille) en Belgique et Bandwurmstil (style de ténia) en Allemagne, tous des noms faisant référence de manière ludique à la tendance de l'Art Nouveau à utiliser des lignes sinueuses et fluides.
L'Art Nouveau : concepts, styles et tendances
L'ubiquité de l'Art Nouveau à la fin du XIXe siècle doit être expliquée en partie par l'utilisation que font de nombreux artistes de formes populaires et faciles à reproduire, que l'on trouve dans les arts graphiques. En Allemagne, des artistes de Jugendstil comme Peter Behrens et Hermann Obrist imprimaient leur travail sur des couvertures de livres et des catalogues d'expositions, des publicités dans des magazines et des affiches.
Mais cette tendance n'était en aucun cas limitée à l'Allemagne. L'illustrateur anglais Aubrey Beardsley, peut-être la figure la plus controversée de l'Art Nouveau en raison de sa combinaison de l'érotique et du macabre, a créé une série d'affiches durant sa brève carrière qui employaient des lignes gracieuses et rythmiques. Les estampes hautement décoratives de Beardsley, comme The Peacock Skirt (1894), étaient à la fois décadentes et simples, et représentent le lien le plus direct que nous puissions identifier entre l'Art Nouveau et le japonisme / gravures Ukiyo-e.
La jupe du paon d'Aubrey Beardsley - Art Nouveau
En France, les affiches et la production graphique de Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen et quelques autres ont popularisé le style de vie luxueux et décadent de la belle époque, approximativement la période entre 1890-1914, généralement associée au sordide quartier de cabaret de Montmartre au nord de Paris.
Leurs œuvres graphiques utilisaient de nouvelles techniques chromolithographiques pour promouvoir tout, des nouvelles technologies comme les téléphones et les lumières électriques jusqu'aux bars, restaurants, clubs nocturnes et même des artistes individuels, évoquant l'énergie et la vitalité de la vie moderne. Dans le processus, ils ont rapidement élevé l'affiche des rangs de la publicité piétonne à l'art élevé.
L'architecture moderniste de l'Art Nouveau
En plus des arts graphiques et visuels, toute discussion sérieuse sur l'Art Nouveau doit considérer l'architecture et la grande influence qu'elle a eue sur la culture européenne. Dans des centres urbains tels que Paris, Bruxelles, Glasgow, Turin, Barcelone, Anvers et Vienne, ainsi que dans des villes plus petites comme Nancy et Darmstadt, ainsi que dans des lieux d'Europe de l'Est comme Riga, Prague et Budapest, l'architecture Art Nouveau a largement prévalu, tant en taille qu'en apparence, et est encore visible aujourd'hui dans des structures aussi variées que de petites maisons mitoyennes jusqu'à de grands bâtiments institutionnels et commerciaux. Particulièrement en architecture, l'Art Nouveau s'est exprimé dans une large variété de langages.
De nombreux bâtiments intègrent une utilisation prodigieuse de la terre cuite et de carrelages colorés. Le céramiste français Alexandre Bigot, par exemple, s'est fait connaître en grande partie grâce à la production de décorations en terre cuite pour les façades et cheminées des résidences et bâtiments d'appartements parisiens. D'autres structures Art Nouveau, en particulier en France et en Belgique, où Hector Guimard et Victor Horta étaient des praticiens importants, montrent les possibilités technologiques avec des structures en fer réunies par des panneaux de verre.
Casa Batlló – Barcelone - Art Nouveau
Dans de nombreuses régions d'Europe, l'architecture résidentielle Art Nouveau se caractérisait par la pierre locale, comme la pierre calcaire jaune ou une esthétique rurale rocheuse de cours aléatoires avec des bordures en bois. Et dans plusieurs cas, une peau sculpturale de stuc blanc a été utilisée, en particulier dans des bâtiments Art Nouveau utilisés pour des expositions, comme les pavillons de l'Exposition Universelle de Paris de 1900 et le bâtiment de la Sécession à Vienne. Même aux États-Unis, les formes végétales qui ornent les gratte-ciels de Louis Sullivan, comme le bâtiment Wainwright et la Bourse de Chicago, sont souvent considérées parmi les meilleurs exemples de l'ample portée architecturale de l'Art Nouveau.
L'arc restant de la Bourse de Chicago - Art Nouveau
Le mobilier de style Art Nouveau et le design d'intérieur
Tout comme les renaissances stylistiques victoriennes et le Mouvement des Arts et Métiers, l'Art Nouveau était intimement associé à la décoration intérieure autant qu'à la proéminence des façades extérieures. Comme ces autres styles du XIXe siècle, les intérieurs Art Nouveau s'efforçaient également de créer un environnement harmonieux et cohérent qui ne laissait aucune surface intacte. Le design mobilier occupait une place centrale dans ce sens, en particulier dans la production de bois sculpté qui présentait des contours aigus et irréguliers, souvent faits à la main mais parfois produits à la machine. Les fabricants de meubles produisaient des pièces pour toutes les utilisations imaginables : lits, fauteuils, tables et chaises de salle à manger, armoires, buffets et chandeliers. Les courbes sinueuses des designs s'inspiraient souvent du grain naturel du bois et étaient souvent installées de façon permanente en tant que panneaux muraux et corniches.
En France, les principaux designers de l'Art Nouveau incluaient Louis Majorelle, Emile Gallé et Eugène Vallin, tous basés à Nancy, et Tony Selmersheim, Édouard Colonna et Eugène Gaillard, qui travaillaient à Paris, les deux derniers spécifiquement pour la boutique de Siegfried Bing appelée L'Art Nouveau, donnant ensuite à tout le mouvement son nom le plus commun.
Mobilier du designer - Louis Majorelle Art Nouveau
En Belgique, la ligne sinueuse et les contours plus angulaires et réservés peuvent être vus dans les designs de Gustave Serrurier-Bovy et Henry van de Velde, qui admiraient les œuvres des artistes anglais de Arts & Crafts. Les Italiens Alberto Bugatti et Augustino Lauro étaient très connus pour leurs incursions dans le style là-bas. Beaucoup de ces designers circulaient librement entre les médias, ce qui les rendait souvent difficiles à catégoriser : Majorelle, par exemple, fabriquait ses propres designs de meubles en bois et ouvrait une fonderie,
Alberto Bugatti Meubles Art Nouveau
La peinture Art Nouveau et les hautes arts
Peu de styles peuvent prétendre être représentés dans presque toutes les formes de médias visuels et de matériaux de manière aussi complète que l'Art Nouveau. En plus de ceux qui ont principalement travaillé dans les graphiques, l'architecture et le design, l'Art Nouveau compte quelques représentants éminents dans la peinture, comme le secessionniste viennois Gustav Klimt, connu pour Hope II et The Kiss (tous deux de 1907-08), et Victor Prouvé en France.
L'Espérance II de Klimt - Art Nouveau
Mais les peintres de l'Art Nouveau étaient peu nombreux et éloignés les uns des autres : Klimt n'avait pratiquement pas d'élèves ou de disciples (Egon Schiele allait vers l'expressionnisme), et Prouvé est également connu comme sculpteur et designer de meubles. En revanche, on peut dire que l'Art Nouveau était responsable, plus que tout autre style dans l'histoire, de réduire l'écart entre les arts décoratifs ou appliqués aux objets utilitaires et les beaux-arts ou purement ornementaux de la peinture, de la sculpture et de l'architecture, arts qui avaient traditionnellement été considérés comme plus importants, expressions plus pures de talent et de compétences artistiques, il est discutable que cet écart ait été complètement comblé.
Dessin de Victor Prouvé Art Nouveau
La bijouterie et la verrerie Art Nouveau
La réputation de luxe de l'Art Nouveau était également évidente par son exploitation par certains des artistes du verre les plus connus de l'histoire. Emile Gallé, les frères Daum, Tiffany et Jacques Gruber ont d'abord trouvé la renommée, au moins en partie, grâce à leur verre Art Nouveau et à leurs applications dans de nombreuses formes utilitaires. Les signatures de Gallé et Daum ont établi leur réputation dans les designs de vases et d'art en verre, pionniers de nouvelles techniques dans des pièces gravées à l'acide dont les surfaces sinueusement courbées et bien formées semblaient couler entre des tons translucides sans effort.
Les frères Daum et Tiffany ont également exploité les possibilités artistiques du verre à des fins utilitaires, comme des écrans de lampes et des fournitures de bureau. Tant Tiffany que Jacques Gruber, qui s'étaient formés à Nancy avec les frères Daum en bijouterie, ainsi que René Lalique, Louis Comfort Tiffany et Marcel Wolfers, ont créé certaines des pièces les plus prisées du tournant du siècle, produisant de tout, des boucles d'oreilles aux colliers, bracelets et broches, s'assurant ainsi que l'Art Nouveau serait toujours associé au luxe de la fin du siècle, malgré l'espoir que son ubiquité pourrait le rendre universellement accessible.
L'identité d'entreprise dans l'Art Nouveau
L'Art Nouveau a pris son essor au même moment que la vente au détail s'est élargie pour attirer un public véritablement massif. Il a occupé une place de choix dans de nombreux grands magasins urbains établis à la fin du XIXe siècle, y compris La Samaritaine à Paris, Wertheim's à Berlin et Magasins Reunis à Nancy.
De plus, il a été commercialisé de manière agressive par certains des points de vente de design les plus célèbres de l'époque, commençant par la boutique L'Art Nouveau de Siegfried Bing à Paris, qui est restée un bastion de la diffusion du style jusqu'à sa fermeture en 1905, peu après la mort de Bing. Ce n'était pas la seule boutique de la ville spécialisée dans les intérieurs et meubles Art Nouveau.
Pendant ce temps, Liberty & Co. était le principal distributeur d'objets de style en Grande-Bretagne et en Italie, où, en conséquence, le nom de Liberty est devenu presque synonyme de style.
Liberty & Co - Art Nouveau
De nombreux designers Art Nouveau sont devenus célèbres en travaillant exclusivement pour ces détaillants avant de se diriger vers d'autres directions. L'architecte Peter Behrens, par exemple, a conçu pratiquement tout, des théières aux couvertures de livres, des affiches publicitaires, des intérieurs de pavillons d'exposition, des ustensiles et des meubles, et est finalement devenu le premier designer industriel lorsqu'en 1907 il a été chargé de tout le travail de conception pour AEG, l'équivalent allemand de General Electric.
L'influence de l'Art Nouveau sur la culture : ce qui est venu après
Si l'Art Nouveau a rapidement envahi l'Europe au cours des cinq dernières années du XIXe siècle, les artistes, designers et architectes l'ont abandonné tout aussi rapidement dans la première décennie du XXe siècle.
Bien que de nombreux praticiens aient fait de la doctrine "la forme doit suivre la fonction" le cœur de leur éthique, certains designers avaient tendance à être luxuriants dans l'utilisation de la décoration, et le style a commencé à être critiqué pour être trop élaboré. En un sens, à mesure que le style a mûri, il a commencé à revenir aux mêmes habitudes qu'il avait méprisées, et un nombre croissant d'opposants ont commencé à affirmer que, au lieu de renouveler le design, il avait simplement remplacé l'ancien par ce qui était superficiellement nouveau. Même en utilisant de nouvelles méthodes de production de masse, l'artisanat intensif impliqué dans une grande partie du design Art Nouveau a empêché qu'il devienne réellement accessible à un public de masse, comme ses partisans l'avaient initialement espéré. Dans certains cas, comme à Darmstadt, les lois internationales laxistes sur le droit d'auteur ont également empêché les artistes de bénéficier financièrement de leurs designs.
L'association de l'Art Nouveau avec les expositions a également contribué rapidement à sa ruine. Pour commencer, la plupart des bâtiments de la foire étaient des structures temporaires qui ont été démolies immédiatement après la clôture de l'événement. Mais ce qui est plus important, les expositions elles-mêmes, bien qu'elles aient été célébrées sous le prétexte de promouvoir l'éducation, la compréhension internationale et la paix, avaient tendance à alimenter la rivalité et la concurrence entre les nations en raison de la nature comparativement intrinsèque de l'exposition. De nombreux pays, y compris la France et la Belgique, considéraient l'Art Nouveau comme des candidats potentiels au titre de "style national", devant les accusations d'origines étrangères ou de nuances politiques subversives de l'Art Nouveau, par exemple en France, qui était diverses fois associée à des designers belges et des marchands allemands, et parfois était le style utilisé dans des bâtiments socialistes, revenant ainsi l'opinion publique contre lui. Avec quelques exceptions notables où il a bénéficié d'un cercle engagé de sponsors locaux dévoués, en 1910 l'Art Nouveau avait presque complètement disparu du paysage du design européen.
Du Wiener Werkstätte à l'Art Déco
La mort de l'Art Nouveau a commencé en Allemagne et en Autriche, où des designers comme Peter Behrens, Josef Hoffmann et Koloman Moser ont commencé à adopter une esthétique plus sobre et de plus en plus géométrique dès 1903. Cette année-là, de nombreux designers auparavant associés à la Sécession viennoise ont fondé le collectif connu sous le nom de Wiener Werkstätte, dont la préférence pour des formes nettement angulaires et rectilignes évoquait une esthétique plus précise, d'inspiration industrielle, omettant toute référence ouverte à la nature.
Cette objectivation des qualités de design fabriquées par machine a été soulignée en 1907 par deux événements clés : l'installation de Behrens en tant que chef de tout le design corporate d'AEG, allant des bâtiments aux produits et à la publicité, faisant de lui le premier designer industriel au monde ; et la fondation du Werkbund allemand, l'alliance formelle entre industriels et designers qui tentait de plus en plus de définir un système de types de produits basé sur la standardisation. Associé à un nouveau respect pour le classicisme, et inspiré en partie par l'Exposition Universelle de Chicago en 1893 et sous l'égide officielle du mouvement City Beautiful aux États-Unis, cette esthétique inspirée des machines se développerait finalement après la Première Guerre mondiale, dans le style que nous appelons aujourd'hui tardivement Art Déco.
Son caractère spécifiquement commercial s'est exprimé de manière plus succincte lors de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes à Paris en 1925, l'événement qui, dans les années 1960, lui donnerait son nom à l'Art Déco. Associé à un nouveau respect pour le classicisme, inspiré en partie par l'Exposition Universelle de Chicago en 1893 et sous l'égide officielle du mouvement City Beautiful aux États-Unis, cette esthétique inspirée des machines se développerait finalement après la Première Guerre mondiale, dans le style que nous appelons aujourd'hui tardivement Art Déco.
Influences postmodernes de l'Art Nouveau
Malgré sa brève existence, l'Art Nouveau sera influent dans les décennies de 1960 et 1970 pour les designers désirant se libérer de l'esthétique restrictive, austère, impersonnelle et de plus en plus minimaliste qui prévalait dans les arts graphiques. Les qualités linéaires fluides et incontrôlées de l'Art Nouveau sont devenues une source d'inspiration pour des artistes comme Peter Max, dont l'évocation d'une expérience alternative psychédélique et onirique rappelle le monde esthétique imaginatif, éphémère et fluide du début du siècle.
Reconnu depuis le début comme un pas important dans le développement du modernisme tant dans l'art que dans l'architecture, aujourd'hui l'Art Nouveau est compris moins comme un pont de transition entre les périodes artistiques et plus comme une expression du style, de l'esprit et de la pensée intellectuelle d'un certain cadre temporel, centré autour du tournant du siècle, vers 1900. Dans sa quête pour établir une esthétique véritablement moderne, l'Art Nouveau est devenu le langage visuel définitoire d'un moment fugace de l'époque.
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