Description
C'est l'une des peintures les plus importantes de l'Europe du Nord. Dans ce document, Rogier a combiné de manière exquise l'héritage gothique des modèles stylisés avec un nouveau sens du naturalisme. Cependant, il ne s'est pas lié à reproduire le monde qui l'entourait, mais l'artiste a manipulé les détails pour créer un programme de symboles complexes. Par exemple, le jardin fermé dans ce tableau fait référence à la pureté de la Vierge, tandis que les figures sculptées d'Adam et d'Eva dans les bras du trône symbolisent le rôle du Christ et de Marie dans la rédemption de l'humanité du péché original. Rogier aurait pu modéliser les caractéristiques de San Lucas par lui-même.
Le thème est tiré d'une légende d'origine grecque du VIIe siècle, selon lequel San Lucas a été le premier à dessiner un portrait de la Vierge Marie. Les artistes considéraient Lucas comme le patron de leur art. Rogier van der Weyden a mis l'action dans un lodge ouvert. À gauche, au pied d'un trône, la vierge est assise, nourrissant l'enfant Jésus. Le trône, qui fait allusion à son statut futur de reine du ciel, est décoré de figures sculpturales d'Adam et Eva, indiquant que le Christ et la Vierge expoient son péché d'origine. Face à la Vierge, San Lucas s'est agenouillée respectueusement tout en cherchant à capturer son apparence. L'artiste parvient à transmettre la révérence tremblante de Lucas et sa concentration dans son dessin. Derrière San Lucas, nous ne pouvons voir qu'un taureau et un livre, les deux attributs traditionnels de l'apôtre. Deux figures qui envisagent le paysage des remparts représentent peut-être Joaquín et Ana, les parents de la Vierge.
Cette peinture est censée être la première qui a fait dans ce bureau. La scène est basée sur la croyance traditionnelle selon laquelle Saint Luc avait peint la Vierge Marie et l'enfant Jésus de la vie, bien que Luke ait été en vie longtemps après qu'elle et le bébé Messie soient allées.
Il y en a plus dans cette peinture que ce qui est observé dans le premier cas. Pour commencer, ce n'est peut-être pas San Lucas qui peint Maria, mais Weyden lui-même. "Lucas", par rapport aux deux figures de gauche, est peint plus détaillé et réaliste. Dispersée à la peinture, il y a plusieurs symboles avec une signification religieuse: le trône derrière la Vierge, les figures humaines du bras du trône le plus proche du spectateur et un taureau derrière le peintre. Le premier signifie l'état futur de Mary, la seconde représente son destin de libérer l'homme du péché d'origine d'Adam et d'Eva, et le troisième est le symbole personnel de Saint-Lucas. De plus, les images X-Ray révèlent que Weyden a fait plusieurs critiques juste en dessous du produit fini, y compris les changements dans les mains et l'expression faciale.
Saint-Luc était l'un des quatre évangélistes, les hommes qui sont attribués à avoir écrit les quatre évangiles qui constituent la majeure partie du Nouveau Testament. Des quatre livres, l'interprétation de Luc de la vie et du ministère de Jésus est écrite avec la plus grande approche de sa nature divine et d'un autre monde. Thématiquement, sa version de l'Évangile se concentre principalement sur le pardon et la miséricorde. Ce n'est qu'à Lucas que la parabole du fils prodigue et le lavage des pieds de la femme.
Actuellement, quatre versions de l'équipe de San Lucas dessinant la Vierge sont connues dans le monde entier. L'un se trouve dans l'ermitage d'État, les trois autres se trouvent au Boston Museum of Fine Arts, aux États-Unis, à l'Alte Pinakothek à Munich, en Allemagne, et au Greeningemuseum à Brujas, en Belgique. La peinture de l'ermitage avait été divisée en deux parties. La moitié droite, qui représente San Lucas, a été acquise en 1850 de la collection de King Guillermo II des Pays-Bas, qui avait épousé une fille de Tsar Pablo I, Anna Pavlovna. La moitié gauche, avec la représentation de la Vierge et de l'enfant, a été achetée en 1884 à l'antiquité parisienne Antoine Baer. Il provient de la collection de la reine Elizabeth II d'Espagne, qui a vécu en France.
Cette peinture a fait l'objet de plusieurs restaurations. En 1854, Feodor Tabuntsov a sauvé la pièce qui représente San Lucas (ajoutant des renforts en bois à l'arrière du panneau pour éviter la déformation). Puis, en 1867, Alexander Sdorov a transféré la même moitié du panneau sur la toile. En 1884, après l'acquisition de l'autre moitié de la peinture, le même restaurateur l'a transféré du panneau à la toile et l'a rejoint à nouveau avec la première partie.
Après la rencontre des deux moitiés de la peinture, San Lucas dessinant la Vierge a presque récupéré son apparence originale. Presque - parce qu'il n'avait pas la partie supérieure de la composition et avait deux extensions de restauration - en haut de la moitié avec San Lucas et en bas de la moitié avec la Vierge. Il est possible d'imaginer la partie supérieure perdue de la peinture en la comparant aux trois autres versions connues.