L'expressionnisme abstrait est le terme appliqué aux nouvelles formes d'art abstrait développées par des peintres américains comme Jackson Pollock, Mark Rothko et Willem de Kooning dans les années 1940 et 1950. Il se caractérise souvent par des coups de pinceau gestuels ou des marques, et une impression de spontanéité.
Expresionismo abstracto - Les poteaux bleus de Jackson Pollock
Bien que ce soit la désignation acceptée, l'expressionnisme abstrait n'est pas une description précise du corps de travail créé par ces artistes. En fait, le mouvement comprenait de nombreux styles picturaux différents qui varient tant en technique qu'en qualité d'expression. Malgré cette variété, les peintures de l'expressionnisme abstrait partagent plusieurs caractéristiques générales. Elles utilisent souvent des degrés d'abstraction ; c'est-à-dire qu'elles représentent des formes peu réalistes ou, à l'extrême, des formes non extraites du monde visible (non objectives). Elles mettent l'accent sur l'expression émotionnelle libre, spontanée et personnelle, et exercent une liberté considérable de technique et d'exécution pour atteindre cet objectif, avec un accent particulier sur l'exploitation du caractère physique variable de la peinture pour évoquer des qualités expressives (par exemple, sensualité, dynamisme, violence, mystère, lyrisme). Elles montrent une emphase similaire sur l'application intuitive et non étudiée de cette peinture sous une forme d'improvisation psychique semblable à l'automatisme des surréalistes, avec une intention similaire d'exprimer la force de l'inconscient créatif dans l'art. Les artistes montrent souvent une emphase similaire à l'abandon de la composition structurée de manière conventionnelle construite à partir d'éléments discrets et segregables et son remplacement par un seul champ, un réseau ou une autre image unifiée et indifférenciée qui existe dans un espace non structuré. Et enfin, les peintures remplissent de grands toiles pour donner à ces effets visuels mentionnés auparavant à la fois monumentalité et pouvoir absorbant.
Les expressionnistes abstraits avaient leur siège principalement à New York et étaient également connus sous le nom d'école de New York. Le nom évoque leur objectif de faire de l'art qui, bien qu'abstrait, soit également expressif ou émotionnel dans son effet. Ils s'inspiraient de l'idée surréaliste que l'art doit surgir de l'esprit inconscient et de l'automatisme de l'artiste Joan Miró.
Dans la Grande Pomme, un petit groupe d'artistes peu affiliés a créé un corps de travail stylistiquement divers qui a introduit de nouvelles directions radicales dans l'art et a changé l'approche du monde de l'art. Bien qu'il ne s'agisse pas d'une association formelle, les artistes connus invariablement sous le nom de "Expressionnistes abstraits" ou "L'École de New York" partageaient certaines hypothèses communes. Parmi d'autres, des artistes comme Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Lee Krasner, Robert Motherwell, William Baziotes, Mark Rothko, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Richard Pousette-Dart et Clyfford Still ont fait des avancées audacieuses sur le plan formel à la recherche de contenu significatif. En rompant avec les conventions acceptées tant en technique qu'en sujet, les artistes ont créé des œuvres de grande échelle qui se sont érigées comme des reflets de leurs psychés individuelles et, ce faisant, ont tenté d'accéder à des sources internes universelles. Ces artistes valorisaient la spontanéité et l'improvisation, et accordaient une importance maximale au processus.
Expresionismo abstracto - Abstraction de Willem de Kooning
Le travail des expressionnistes abstraits résiste à la catégorisation stylistique, mais peut être regroupé autour de deux inclinations de base : un accent sur le geste dynamique et énergique, en contraste avec une approche réfléchie et cérébrale dans des champs de couleur plus ouverts. Dans tous les cas, les images étaient principalement abstraites.
Les premiers expressionnistes abstraits ont eu deux précurseurs notables : Arshile Gorky, qui a peint des formes biomorphiques suggestives en utilisant une application de peinture liquide, délicatement linéaire et libre, et Hans Hofmann, qui a utilisé des coups de pinceau dynamiques et fortement texturés dans des œuvres abstraites mais de composition conventionnelle. Une autre influence importante sur l'expressionnisme abstrait naissant a été l'arrivée sur les côtes américaines à la fin des années 1930 et au début des années 1940 d'un grand nombre de surréalistes et d'autres artistes européens d'avant-garde qui fuyaient l'Europe dominée par les nazis. Ces artistes ont énormément stimulé les peintres natifs de New York et leur ont donné un aperçu plus intime de l'avant-garde de la peinture européenne. En général, on considère que le mouvement expressionniste abstrait a commencé avec les peintures réalisées par Jackson Pollock et Willem de Kooning à la fin des années 1940 et au début des années 1950.
Expresionismo abstracto - Un an le coton de Arshile Gorky
Expresionismo abstracto - Tel est le chemin des Étoiles de Hans Hofmann
Types d'Expressionnisme Abstrait
Malgré la diversité du mouvement expressionniste abstrait, trois approches générales peuvent être distinguées. L'une, "la peinture d'action", se caractérise par une manipulation lâche, rapide, dynamique ou percutante de la peinture en coups de pinceau amples ou coupés et par des techniques en partie dictées par le hasard, comme faire couler ou renverser la peinture directement sur la toile. Jason Pollock a pratiqué pour la première fois la peinture d'action en versant des peintures commerciales sur des toiles brutes pour construire des pelotes de peinture complexes et entremêlées dans des motifs linéaires excitants et suggestifs. De Kooning a utilisé des coups de pinceau extrêmement vigoureux et expressifs pour créer des images riches en couleurs et en textures. Kline a utilisé des traits noirs puissants et larges sur une toile blanche pour créer des formes remarquablement monumentales.
Le terme intermédiaire dans l'expressionnisme abstrait est représenté par plusieurs styles variés, allant des images les plus lyriques et délicates et des formes fluides des peintures de Guston et Frankenthaler jusqu'aux images presque calligraphiques, percutantes et clairement structurées de Motherwell et Gottlieb.
La troisième approche, la moins émotionnellement expressive, était celle de Rothko, Newman et Reinhardt. Ces peintres utilisaient de grandes surfaces, ou champs, de couleur plate et de peinture fine et diaphane pour obtenir des effets calmes, subtils, presque méditatifs. Le peintre de champs de couleur était Rothko, dont la plupart des œuvres consistent en des combinaisons à grande échelle de zones rectangulaires de couleurs solides et de bords doux qui tendent à briller et résonner.
Dans l'expressionnisme abstrait, il y avait deux grandes regroupements : les soi-disant peintres d'action, qui attaquaient leurs toiles avec des coups de pinceau expressifs ; et les peintres de champ de couleur qui remplissaient leurs toiles avec de grandes zones d'une seule couleur.
Les peintres d'action étaient dirigés par Jackson Pollock et Willem de Kooning, qui travaillaient de manière spontanée et improvisée, utilisant souvent de grands pinceaux pour faire des marques gestuelles de balayage. Pollock plaçait sa toile au sol et dansait autour d'elle en versant de la peinture de la boîte ou en la traînant avec le pinceau ou un bâton. De cette manière, les peintres d'action ont directement mis sur la toile leurs impulsions internes.
Le deuxième groupe comprenait Mark Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still. Ces artistes étaient profondément intéressés par la religion et le mythe et ont créé des compositions simples avec de grandes zones de couleur destinées à produire une réponse contemplative ou méditative chez le spectateur. Dans un essai écrit en 1948, Barnett Newman a déclaré : « Au lieu de faire des cathédrales avec le Christ, l'homme ou la 'vie', nous les faisons avec nous-mêmes, avec nos propres sentiments. » Cette approche de la peinture s'est développée vers 1960 dans ce que l'on a appelé la peinture de champ de couleur, caractérisée par des artistes utilisant de grandes zones de plus ou moins une seule couleur plate.
L'expressionnisme abstrait s'est développé dans le contexte de sources et d'inspirations diverses et superposées. Beaucoup des jeunes artistes avaient commencé dans les années 1930. La Grande Dépression a produit deux mouvements artistiques populaires, le régionalisme et le réalisme social, aucun d'eux ne satisfaisant le désir de ce groupe d'artistes de trouver un contenu riche en signification et avec une odeur de responsabilité sociale, mais libre de provincialisme et de politique explicite. La Grande Dépression a également impulsé le développement de programmes gouvernementaux d'aide, y compris la Works Progress Administration (WPA), un programme d'emploi pour les Américains sans emploi auquel de nombreux membres du groupe ont participé et qui a permis à tant d'artistes d'établir une carrière.
Mais c'est l'exposition et l'assimilation du modernisme européen qui ont préparé le terrain pour l'art américain le plus avancé. Il y avait plusieurs endroits à New York pour voir de l'art d'avant-garde d'Europe. Le Museum of Modern Art a ouvert ses portes en 1929, et là, les artistes ont vu une collection en pleine croissance acquise par le directeur Alfred H. Barr, Jr. Ils ont également été exposés à des expositions temporaires innovantes de nouveaux travaux, y compris le Cubisme et l'Art Abstrait (1936), l'Art Fantastique, le Dadaïsme, le Surréalisme (1936-1937) et des rétrospectives de Matisse, Léger et Picasso, entre autres.
Un autre forum pour voir l'art le plus avancé était le Musée d'Art Vivant d'Albert Gallatin, qui a été hébergé à l'Université de New York de 1927 à 1943. Là, les expressionnistes abstraits ont vu le travail de Mondrian, Gabo, El Lissitzky et d'autres. Le précurseur du Solomon R. Guggenheim Museum, le Musée de la Peinture Non Objective, a ouvert ses portes en 1939. Même avant cette date, sa collection de Kandinsky avait été exposée publiquement plusieurs fois. Les leçons du modernisme européen ont également été diffusées par l'enseignement. L'expatrié allemand Hans Hofmann (1880–1966) est devenu le professeur d'art moderne le plus influent des États-Unis, et son impact a atteint à la fois artistes et critiques.
La crise de la guerre et ses séquelles sont clés pour comprendre les préoccupations des expressionnistes abstraits. Ces jeunes artistes, préoccupés par le côté sombre de l'homme et anxieusement conscients de l'irrationalité et de la vulnérabilité humaines, voulaient exprimer leurs préoccupations dans un nouvel art de signification et de substance. Les surréalistes européens ont ouvert de nouvelles possibilités avec leur accent sur le fait de toucher l'inconscient. Une ressource surréaliste pour se libérer de l'esprit conscient était l'automatisme psychique, dans lequel le geste automatique et l'improvisation sont libérés.
Au début, les expressionnistes abstraits, à la recherche d'un thème intemporel et puissant, se sont tournés vers le mythe primitif et l'art archaïque pour s'inspirer. Rothko, Pollock, Motherwell, Gottlieb, Newman et Baziotes ont cherché l'expression dans des cultures anciennes ou primitives. Leurs premières œuvres présentent des éléments pictographiques et biomorphiques transformés en code personnel. La psychologie junguienne a également été convaincante dans son affirmation de l'inconscient collectif. La franchise de l'expression était primordiale, et était mieux réalisée sans préméditation. Dans une lettre célèbre au New York Times (juin 1943), Gottlieb et Rothko, avec l'aide de Newman, ont écrit : “Pour nous, l'art est une aventure dans un monde inconnu de l'imagination qui est libre de fantasmes et s'oppose violemment au sens commun. Il n'existe pas de bonne peinture sur rien. Nous affirmons que le sujet est critique”.
Expresionismo abstracto - Roues d'Adolph Gottlieb
L'Expressionnisme abstrait à son apogée : la peinture d'action
En 1947, Pollock a développé une technique radicalement nouvelle, versant et gouttant de la peinture diluée sur une toile brute placée au sol (au lieu des méthodes traditionnelles de peinture où le pigment est appliqué avec un pinceau sur une toile tendue placée sur un chevalet). Les peintures étaient complètement non objectives. Dans leur sujet (ou leur apparent manque de sujet), leur échelle (énorme) et leur technique (sans pinceau, sans châssis, sans chevalet), les œuvres ont marqué de nombreux spectateurs. De Kooning développait également sa propre version d'un style gestuel très chargé, alternant entre le travail abstrait et de puissantes images figuratives iconiques. D'autres collègues, y compris Krasner et Kline, étaient également engagés dans la création d'un art de geste dynamique où chaque centimètre d'une image est complètement chargé. Pour les expressionnistes abstraits, l'authenticité ou la valeur d'une œuvre repose dans sa franchise et son immédiateté d'expression. Une peinture est censée être une révélation de l'authentique identité de l'artiste. Le geste, la "signature" de l'artiste, est la preuve du processus réel de création de l'œuvre. C'est en référence à cet aspect de l'œuvre que le critique Harold Rosenberg a inventé le terme "peinture d'action" en 1952 : "À un moment donné, la toile a commencé à apparaître à un peintre américain après l'autre comme une scène dans laquelle agir, plutôt que comme un espace dans lequel reproduire, redessiner, analyser ou 'exprimer' un objet, réel ou imaginaire. Ce qui allait se trouver sur la toile n'était pas une peinture mais un événement."
L'Expressionnisme Abstrait à son apogée : le champ de couleur
Une autre voie résidait dans le potentiel expressif de la couleur. Rothko, Newman et Still, par exemple, ont créé un art basé sur des champs simplifiés, de grande taille et dominés par la couleur. L'impulsion était généralement réflexive et cérébrale, avec des moyens picturaux simplifiés pour créer une sorte d'impact élémentaire. Rothko et Newman, entre autres, ont parlé d'un objectif d'atteindre le "sublime" plutôt que le "beau", se souvenant d'Edmund Burke dans une impulsion vers la vision grandiose et héroïque par opposition à un effet apaisant ou réconfortant. Newman a décrit son réductionnisme comme un moyen de "nous libérer des accessoires obsolètes d'une légende désuète et vieillie... nous libérer des entraves de la mémoire, de l'association, de la nostalgie, de la légende et du mythe qui ont été les dispositifs de la peinture de l'Europe occidentale".
Pour Rothko, les rectangles aux bords doux de couleur luminescente devraient provoquer chez les spectateurs une expérience presque religieuse, provoquant même des larmes. Comme avec Pollock et les autres, l'échelle contribuait à la signification. Pour l'époque, les œuvres étaient de grande échelle. Elles étaient destinées à être vues dans des environnements relativement proches, de sorte que le spectateur se visualise pratiquement enveloppé dans l'expérience de se confronter à l'œuvre. Rothko a dit : "Je peins en grand pour être intime." La notion est vers le personnel (expression authentique de l'individu) plutôt que vers le grandiose.
L'Expressionnisme Abstrait : son impact
L'expressionnisme abstrait a eu un grand impact sur la scène artistique américaine et européenne au cours des années 1950. En fait, le mouvement a marqué le passage du centre créatif de la peinture moderne de Paris à la ville de New York dans les décennies d'après-guerre. Au cours des années 1950, les adeptes les plus jeunes du mouvement ont de plus en plus suivi l'exemple des peintres de champ de couleur et, en 1960, leurs participants s'étaient généralement éloignés de l'expressivité très chargée des peintres d'action.
Pendant cette période, les œuvres ont été largement vues dans des expositions itinérantes et à travers des publications. À la suite de l'expressionnisme abstrait, les nouvelles générations d'artistes, tant américains qu'européens, ont été profondément marquées par les avancées réalisées par la première génération et ont créé leurs propres expressions importantes basées sur ceux qui ont ouvert la voie.
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