Il y a souvent plus dans une image que ce qu'il semble, et de nombreuses œuvres d'art les plus célèbres du monde cachent des secrets sous la surface. Vous pouvez étudier votre peinture préférée encore et encore et découvrir un nouveau symbole cryptique ou des détails cachés. Certains des artistes les plus célèbres au monde laissent intentionnellement des messages secrets dans leurs peintures, et certaines ont même éveillé des théories du complot populaires, que ce soit pour subvertir l'autorité, défier le public ou révéler quelque chose sur eux-mêmes. Des centaines d'années plus tard, grâce aux avancées technologiques, beaucoup de ces messages secrets sont découverts pour la première fois. Kuadros a voulu dévoiler ces mystères pour vous. Voici les peintures célèbres que nous considérons comme les plus énigmatiques.
No.1 La Cène - Léonard de Vinci
La célèbre représentation de Léonard de Vinci de Jésus et ses disciples lors de La Cène a été au centre de certaines théories populaires ces dernières années, comme le décrit le roman de 2003 "Le Code Da Vinci" de Dan Brown et l'adaptation cinématographique du livre de 2006 avec Tom Hanks. Brown a proposé que le disciple à droite de Jésus soit en réalité Marie Madeleine déguisée en Jean l'Apôtre. Il suggère également que la forme "V" formée entre Jésus et "Jean" représente un utérus féminin, impliquant que Jésus et Marie Madeleine ont eu un enfant ensemble. Les historiens de l'art, cependant, sont sceptiques. La Cène de Vinci est importante pour sa composition expressive et l'utilisation de la perspective, qui était une innovation à l'époque. De Vinci a aligné les figures et les murs de la pièce peinte avec des cordes qui irradient d'un clou dans le mur où l'original est peint, au-dessus d'une salle à manger dans un monastère à Milan. Beaucoup suggèrent que l'apparence de Jean est féminine simplement parce que c'est ainsi qu'il a été représenté. L'expert Mario Taddei a déclaré à Artnet.com : "Léonard a dû copier les dernières cènes avant lui, et Jean ressemble à une femme". Mais un message secret beaucoup plus convaincant a été découvert par le technicien informatique italien Giovanni Maria Pala. Il affirme que de Vinci a caché des notes musicales dans "La Cène" qui, lues de gauche à droite, correspondent à un hymne de 40 secondes qui sonne comme un requiem.
Lorsque l'abbé du monastère s'est plaint que la peinture prenait trop de temps, on a dit que l'artiste en colère avait menacé d'utiliser le visage de l'abbé comme modèle pour le traître Judas. Finalement, de Vinci a visité les prisons de Milan pour trouver le visage de vilain parfait pour Judas, qui est assis cinquième à partir de la gauche. Les historiens professionnels de l'art affirment qu'il n'y a aucune preuve des théories du complot sur La Cène exposées dans "Le Code Da Vinci" et d'autres livres abordant le sujet ; et ils rejettent l'identification de la figure à gauche de Jésus comme sa suiveuse Marie Madeleine, au lieu de l'apôtre Jean.
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No.2 La Création d'Adam - Michel-Ange
"La création d'Adam" est probablement le plus célèbre des neuf panneaux bibliques que Michel-Ange a peints au plafond de la Chapelle Sixtine. Mais saviez-vous que la scène contenait un cerveau humain ? Le message caché se trouve dans le tissu où l'on peut apparemment distinguer la forme du cerveau. Apparemment, l'artiste l'a introduit dans sa fresque parce qu'à l'époque, les autopsies étaient interdites par l'Église. Il s'avère que Michel-Ange était un expert en anatomie humaine. À 17 ans, il avait un emploi quelque peu macabre à disséquer les cadavres du cimetière de l'église. Par conséquent, certains croient qu'il a voulu présenter cette passion pour l'anatomie dans l'une de ses plus grandes réalisations, au plafond de la Chapelle Sixtine. Selon les experts en neuroanatomie Ian Suk et Rafael Tamargo, le peintre a placé certaines illustrations soigneusement cachées de certaines parties du corps au plafond de la Chapelle Sixtine. Et si vous observez le suaire qui entoure Dieu dans "La création d'Adam", vous constaterez qu'il crée une illustration anatómica du cerveau humain. Suk et Tamargo pensent que Michel-Ange voulait que le cerveau représente l'idée que Dieu donnait à Adam non seulement la vie mais aussi la connaissance humaine.
Un médecin dit que Michel-Ange était très familier avec le cerveau humain et qu'il a utilisé sa connaissance de la neuroanatomie pour représenter symboliquement le cerveau dans sa "Création d'Adam". D'autres interprétations vont encore plus loin, cette peinture va à l'encontre de l'idéologie religieuse et transmet le message que tout naît de l'homme, plutôt que l'inverse. Quelle pensée si sacrilège en effet. Une œuvre d'art si célèbre, et pourtant nous découvrons des secrets cachés des siècles après sa conception.
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No.3 La Joconde - Léonard de Vinci
À savoir, la Joconde, la peinture la plus célèbre parmi les peintures célèbres, l'œuvre la plus visitée du musée du Louvre. Cette dame énigmatique a en réalité plus à voir ici que ce fameux demi-sourire. Tout d'abord, il est spéculé qu'elle est enceinte, étant donné la façon dont ses bras sont placés sur son ventre et le voile autour de ses épaules, que les femmes enceintes avaient l'habitude de porter au cours de la Renaissance italienne. Mais les découvertes les plus récentes concernent ses yeux. En 2011, le chercheur italien Silvano Vinceti a affirmé avoir trouvé des lettres et des chiffres peints de manière microscopique dans ses yeux. Il a dit à l'Associated Press que le "L" sur son œil droit représente probablement le nom de l'artiste. Mais la signification de la lettre "S" que l'on voit dans son œil gauche et le chiffre "72" sous le pont arqué à l'arrière-plan sont moins clairs. Vinceti croit que le "S" pourrait faire référence à une femme de la dynastie Sforza qui a régné sur Milan, ce qui signifie que la femme peinte pourrait ne pas être Lisa Gherardini, comme cela a longtemps été pensé. Quant au "72", Vinceti soutient que cela pourrait être dû à l'importance des nombres dans le christianisme ainsi que dans le judaïsme. Par exemple, "7" se réfère à la création du monde, et le nombre "2" pourrait faire référence à la dualité des hommes et des femmes.
Encore plus surprenant, en 2015, un scientifique français utilisant une technologie de lumière réfléchissante a affirmé avoir trouvé un autre portrait d'une femme sous l'image que nous voyons aujourd'hui. Le consensus est que cela représentait le "premier brouillon" de de Vinci, qu'il a peint pour créer sa maîtrise.
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No.4 Café Terrasse La Nuit - Vincent Van Gogh
Cette peinture de vues colorées en plein air est une œuvre pittoresque, la vision d'un spectateur détendu qui profite du charme de son environnement sans aucune préoccupation morale. Cela rappelle l'état d'esprit de Van Gogh lorsqu'il a écrit que "la nuit est plus vivante et pleine de couleurs que le jour". À première vue, la peinture à l'huile de Vincent van Gogh de 1888 semble être simplement ce que le titre décrit : une terrasse de café pittoresque dans une ville française colorée. Mais, en 2015, l'expert de Van Gogh, Jared Baxter, a proposé la théorie selon laquelle la peinture est en réalité la version de l'artiste de "La Cène". Une étude détaillée montre une figure centrale avec des cheveux longs entourée de 12 individus, dont l'un semble glisser dans l'ombre comme Judas. Il y a aussi ce qui semble être de petits crucifix cachés dans toute la peinture, y compris un sur la figure centrale semblable à Jésus.
Une allusion religieuse ne serait pas trop déplacée pour Van Gogh. Avant de consacrer son attention à la peinture, le célèbre artiste hollandais avait souhaité "prêcher l'évangile partout", et son père, Theodorus van Gogh, était pasteur d'une église réformée hollandaise. Au moment de travailler sur Café Terrasse La Nuit, Van Gogh a écrit à son frère, Theo van Gogh, et lui a expliqué qu'il avait un "besoin immense de, je dois dire le mot, religion", en référence directe à la peinture.
Van Gogh n'a jamais signé "Café Terrasse La Nuit". Cependant, il a mentionné spécifiquement la peinture dans trois pièces de correspondance, donc les historiens de l'art sont confiants qu'il l'a peinte.
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No.5 Le Portrait d'Arnolfini - Jan Van Eyck
L'image est accrochée à la National Gallery de Londres et représente probablement Giovanni di Nicolao Arnolfini et sa femme Costanza Trenta. L'identité du couple a été réduite à seulement quelques possibilités, mais ils sont les seuls à avoir vécu à Bruges suffisamment longtemps pour connaître intimement le peintre. La première clé de la peinture est l'environnement, dans un foyer assez riche, rempli d'objets et de vêtements magnifiques. Les symboles dans la peinture sont impossibles à ignorer, bien qu'ils n'aient pas qu'une seule interprétation. Le sens de l'image n'est pas non plus complètement clair. Au fil des siècles, elle a été interprétée comme un portrait d'un couple de jeunes mariés, avec des symboles tirés d'un événement de mariage, à commencer par l'évident symbole de fertilité de la position de grossesse du corps de Costanza, qui en réalité n'était qu'une mode de l'époque. En effet, le couple n'a finalement pas eu d'enfants. D'autres symboles de fertilité sont le lit rouge et le tapis. Les chaussures qui se trouvaient sur le sol en bois avaient également une signification en tant que cadeaux de mariage communs pour une mariée d'un marié. Les oranges symbolisent la fertilité et l'amour, la fidélité du petit chien. Mais si vous regardez attentivement le miroir au centre de la pièce, vous verrez qu'il y a deux figures entrant dans la pièce. On croit largement que l'un d'eux est censé être le propre Van Eyck. Vous remarquerez également qu'il y a une inscription latine dans une écriture très élaborée sur le mur au-dessus du miroir, qui se traduit par "Jan van Eyck était ici. 1434".
Cependant, la partie la plus importante de la peinture, qui n'est pas visible, est la discordance dans les années. La peinture, comme mentionnée précédemment, a été datée de 1434, tandis que Costanza Trenta est décédée en 1433. La peinture aurait également pu avoir un contexte différent de celui qu'elle avait à l'époque de son achèvement. Comme l'a montré une radiographie, Jan van Eyck a fait plusieurs changements, et si ces changements étaient liés à une telle occurrence ou non est sujet à débat.
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No.6 Les Ambassadeurs - Hans Holbein le Jeune
Longtemps avant que les lunettes 3D ou la recherche d'œufs de Pâques ne deviennent populaires, les peintres de la Renaissance ont réussi à amener leur public à regarder les pièces sous de nouveaux angles en jouant avec la perspective. L'un des exemples les plus célèbres de cette technique est le double portrait de Hans Holbein le Jeune, Les Ambassadeurs, qui possède une histoire aussi riche que les nombreux détails cachés dans ses coups de pinceau.
L'interprétation de la peinture comme une allégorie du tumulte politique et religieux de l'Angleterre schismatique d'Henri VIII, où se trouvent piégés les malheureux ambassadeurs, a été universellement acceptée pendant plus d'un siècle.
La peinture présente une illusion assez impressionnante à sa base. Si vous regardez l'image tordue au bas de la peinture de droite à gauche, elle semble être un crâne anamorphique. Les universitaires pensent que cela vise à être un rappel que la mort est toujours à portée de main.
Dans le coin supérieur gauche, derrière le rideau vert et luxuriant, vous trouverez Jésus dans une pose emblématique. Certains historiens de l'art pensent que ce caméo divin est lié au crâne memento mori et qu'il fait allusion à un lieu au-delà de la mortalité. C'est un symbole destiné à suggérer qu'il y a plus que la mort, c'est-à-dire une vie future à travers le Christ. D'autres pensent que l'icône cachée représente la division de l'église que Henri VIII infligeait à ses compatriotes.
La figure à gauche des Ambassadeurs est Jean de Dinteville, l'ambassadeur français en Angleterre. Il allait avoir 30 ans au moment de ce double portrait. Son ami et compagnon diplomatique Georges de Selve, à droite sur la photo, n'avait que 25 ans à l'époque et avait déjà servi comme ambassadeur français en République de Venise à plusieurs reprises.
Le portrait à l'huile sur chêne a été fait pour être accroché dans les couloirs de la maison de Dinteville. Cependant, la National Gallery a exposé l'hallucinante peinture de Holbein depuis 1890. Pendant plus de 125 ans, elle est devenue l'une des expositions les plus précieuses du musée de Londres.
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No.7 La Naissance de Vénus - Sandro Botticelli
La nudité dans la célèbre peinture de Botticelli était assez innovante à la fin du XVe siècle. Mais ce n'est pas là que s'arrête l'audace de l'artiste. Certains historiens de l'art pensent que la coquille de saint Jacques sur laquelle Vénus chevauche les vagues de l'océan symbolise en réalité les organes génitaux féminins et fait ainsi allusion à la fertilité, créant une scène de naissance qui reflète les origines océaniques de Vénus tout en se connectant symboliquement à la naissance humaine.
Vénus, déesse de l'amour, se trouve décente dans la coquille marine, étant tirée sur la plage par Zéphyr, dieu du vent d'ouest. Là, l'une des Horae, déesses des saisons, est prête avec un manteau pour habiller la divinité nouvellement née. La quatrième figure que Zéphyr porte est censée être une Aura (nynphes du vent) ou Chloris, une nymphe associée au printemps et aux fleurs en fleur comme celles qui coulent à travers l'image.
L'inspiration chrétienne était dominante dans l'art du Moyen Âge, donc la nudité était rarement décrite. Cependant, l'émergence de l'humanisme a conduit à un intérêt renouvelé pour les mythes de l'ancienne Rome, et avec cela une résurrection des nus.
Au cours de cette période de la Haute Renaissance, la peinture sur panneaux de bois était à la mode. Mais la popularité de la toile était en augmentation, surtout dans les régions humides où le bois avait tendance à se déformer. Comme la toile était moins chère que le bois, son statut perçu était un peu plus bas, si bien qu'elle était réservée aux œuvres qui n'étaient pas destinées à de grandes expositions publiques. La peinture se distingue comme la première œuvre sur toile en Toscane.
La Naissance de Vénus était destinée à être accrochée dans une chambre. La nudité de la pièce prend une tonalité plus sensuelle lorsque vous savez qu'elle était destinée à être accrochée au-dessus d'un lit matrimonial. Cet endroit et sa représentation audacieuse ont contribué à ce que La Naissance de Vénus soit cachée au regard du public pendant environ 50 ans. La peinture a une pièce accompagnante. Bien qu'elle ait été complétée quatre ans avant sa sœur, Le Printemps peut être vue comme une sorte de suite de La Naissance de Vénus. Alors que la seconde représente l'arrivée de Vénus dans un monde sur le point de fleurir, la première montre le monde en fleur autour de la figure maternelle maintenant habillée. Il est dit que cette paire de peintures avait l'intention de communiquer comment "l'amour triomphe de la brutalité".
Botticelli a demandé à être enterré aux pieds de sa Vénus. Pas la peinture, cela dit. Il voulait mentir éternellement par son inspiration terrestre, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Surnommée la plus belle femme de Florence, ainsi que la plus belle femme de la Renaissance, Simonetta a été la muse qui a inspiré plusieurs des œuvres de Botticelli, y compris La Naissance de Vénus et Le Printemps. Quand elle est morte en 1510, Botticelli a été enterré près de cette noble mariée, pour qui on spécule qu'il avait un amour non partagé.
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No.8 Autoportrait - Rembrandt
Rembrandt a peint, dessiné et gravé tant d'autoportraits au cours de sa vie que les changements dans son apparence nous invitent à évaluer son état d'esprit en comparant une image à une autre. Une telle lecture biographique est encouragée par la façon dont l'artiste confronte directement le spectateur. Rembrandt a peint cet autoportrait en 1659, après avoir subi un échec financier en dépit de tant d'années de succès. Sa spacieuse maison sur la Sint-Anthonisbreestraat et d'autres possessions avaient été vendues aux enchères l'année précédente pour satisfaire ses créanciers. Dans cette œuvre tardive, les yeux enfoncés qui se plongent dans ceux du spectateur semblent exprimer force et dignité internes. Cependant, interpréter des peintures sur la base de la biographie d'un artiste est dangereux, en particulier avec un artiste dont la vie a été idéalisée dans la mesure où cela a été fait pour Rembrandt. La lumière qui illumine si efficacement la tête accentue également l'épaule gauche de Rembrandt et, dans une moindre mesure, ses mains jointes, largement exécutées.
En 2001, l'artiste britannique David Hockney et le physicien américain Charles Falco ont annoncé qu'ils avaient trouvé des indications que Rembrandt et d'autres vieux maîtres dépendaient largement de l'utilisation de lentilles et de miroirs courbés pour créer leurs scènes et portraits réalistes. Et en août 2016, deux chercheurs au Royaume-Uni, l'artiste Francis O'Neil et la physicienne Sofia Palazzo Corner, ont publié une étude dans le Journal of Optics expliquant comment Rembrandt aurait pu utiliser des combinaisons de miroirs courbés et de lentilles pour créer ses célèbres autoportraits. Les chercheurs voient de nombreux détails dans les autoportraits de Rembrandt qui soutiennent leur théorie, y compris la forte lumière au centre des portraits et la relative obscurité sur les bords, qui se voit aussi dans les reflets projetés par des miroirs courbés.
Les artistes utilisent constamment de nouveaux pigments et huiles pour produire des couleurs plus vives, lumineuses et intéressantes. Rembrandt van Rijn n'était pas différent. Le vieux maître hollandais avait technique, créativité et minutie pour lui. Il avait aussi de la chimie. Une nouvelle analyse de ses œuvres montre qu'il a utilisé un composé rare dans certaines de ses peintures : un minéral de carbonate de plomb appelé plumbonacrita, Pb5 (CO3) 3O (OH). Connaître la composition de la palette de l'artiste aidera les conservateurs à découvrir comment mieux préserver ses œuvres d'art au fil du temps.
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No.9 Bacchus - Caravaggio
La peinture de Bacchus de Caravaggio contient toutes les frasques associées au libertin mythologique qui bouillonne sous sa surface. C'est ce sentiment de tempête sous le calme qui en fait une œuvre d'art si puissante. Bacchus, le dieu du vin, est généralement montré ivre ; Le Bacchus de Caravaggio est serein et autonome. Il est souvent vu montant un char triomphal tiré par des tigres, des léopards ou des chèvres ; dans la version de Caravaggio, la procession bachique est sur le point de commencer ou s'est terminée. Ou peut-être que ce Bacchus a des projets complètement différents.
La première fois qu'on a découvert quelque chose de caché dans ce travail, c'était en 1922, lorsqu'un restaurateur d'art nettoyait la toile de cette œuvre de 1595. En faisant disparaître l'accumulation de saleté accumulée pendant des siècles, un portrait caché est devenu visible. Dans la jarre de vin en cristal dans le coin inférieur gauche, un petit Caravaggio est assis dans le petit reflet de lumière à la surface du vin.
Aujourd'hui, près d'un siècle plus tard, les chercheurs le confirment. Il ne semble pas être trop caché, mais grâce à la technologie moderne appelée réfléchographie, les experts en art ont pu découvrir en 2009 que l'image d'un homme est vraiment cachée dans la jarre de vin au coin inférieur gauche. Et cela pourrait être le même Caravaggio. "Caravaggio a peint une personne en position verticale, avec un bras tendu vers une toile sur un chevalet. Cela semble être un portrait de lui-même alors qu'il peignait", a déclaré l'experte Mina Gregori au Telegraph.
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