Il y a souvent plus dans une image de ce qu'elle semble, et bon nombre des œuvres d'art les plus célèbres ont des secrets cachés sous la surface. Vous pouvez étudier votre peinture préférée encore et encore tout en découvrant un nouveau symbole cryptique ou des détails cachés. Certains des artistes les plus célèbres du monde laissent intentionnellement des messages secrets dans leurs peintures, et certains ont même suscité des théories du complot populaires, soit pour renverser l'autorité, défier le public ou révéler quelque chose sur eux-mêmes. Des centaines d'années plus tard, grâce aux avancées technologiques, bon nombre de ces messages secrets sont découverts pour la première fois. Kuadros Je voulais révéler ces mystères pour vous. Ce sont les peintures célèbres que nous avons considérées comme la plus énigmatique.
No.1 Le dernier souper - Leonardo da Vinci
La célèbre représentation de Leonardo da Vinci de Jesús et de ses disciples dans la dernière souper a été au centre de certaines théories populaires ces dernières années, comme décrit dans le roman de 2003 "The Da Vinci Code" de Dan Brown et l'adaptation et l'adaptation Livre cinématographique 2006 avec Tom Hanks. Brown a proposé que le disciple à droite de Jésus soit en fait Marie Madeleine déguisée en Jean-l'apôtre. Il suggère également que la forme "V" qui se forme entre Jésus et "Jean" représente une utérus féminine, ce qui implique que Jésus et Marie Madeleine avaient un enfant ensemble. Les historiens de l'art, cependant, sont sceptiques. Le dernier dîner de Da Vinci est important pour sa composition expressive et l'utilisation de la perspective, qui était une innovation à l'époque. Da Vinci a aligné les figures et les murs de la pièce peinte avec des cordes qui rayonnent un clou sur le mur où l'original est peint, au-dessus d'une salle à manger dans un monastère à Milan. Beaucoup suggèrent que l'apparence de John est féminine simplement parce que c'est ainsi qu'elle était représentée. L'expert Mario Taddei a déclaré à Artnet.com: "Leonardo a dû copier les derniers dîners avant lui, et John ressemble à une femme." Mais un message secret beaucoup plus convaincant a été découvert par le technicien informatique italien Giovanni Maria Pala. Il affirme que Da Vinci a caché des notes de musique dans "la dernière souper" qui, lors de la lecture de gauche à droite, correspondent à un hymne de 40 secondes qui ressemble à un requiem.
Lorsque l'abbé monastère s'est plaint que la peinture prenait trop de temps, il a été dit que l'artiste enragé avait menacé d'utiliser le visage de l'abbé comme modèle pour le traître Judas. En fin de compte, Da Vinci a visité les prisons de Milan pour trouver le visage de méchant parfait pour Judas, qui est cinquième de la gauche. Les historiens professionnels de l'art disent qu'il n'y a aucune preuve des théories du complot sur le dernier dîner exposées dans "The Code da Vinci" et d'autres livres qui traitent du sujet; Et ils rejettent l'identification de la figure à gauche de Jésus comme son disciple Marie Madeleine, au lieu de l'apôtre Jean.
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N ° 2 Création d'Adam - Miguel Ángel
"Adam's Creation" est probablement le plus célèbre des neuf panneaux bibliques que Miguel Ángel a peint sur le toit de la chapelle Sixtine. Mais saviez-vous que la scène contenait un cerveau humain? Le message caché se trouve dans le tissu où la forme du cerveau peut être distinguée. Apparemment, l'artiste l'a présenté sa fresque car à cette époque, les autopsies étaient interdites par l'église. Il s'avère que Miguel Ángel était un expert en anatomie humaine. À 17 ans, il avait un emploi quelque peu effrayant disséquant des cadavres du cimetière de l'église. Par conséquent, certains croient qu'il aurait aimé présenter cette passion pour l'anatomie à l'une de ses plus grandes réalisations, sur le toit de la chapelle Sixtine. Selon les experts en neuroanatomie Ian Suk et Rafael Tamargo, le peintre a placé des illustrations soigneusement cachées de certaines parties du corps sur le toit de la chapelle Sixtine. Et si vous observez le linceul qui entoure Dieu dans "la création d'Adam", vous constaterez qu'il crée une illustration anatomique du cerveau humain. Suk et Tamargo croient que Miguel Ángel voulait que le cerveau représente l'idée que Dieu donnait à Adam non seulement la vie, mais aussi avec la connaissance humaine.
Un médecin dit que Miguel Ángel connaissait très bien le cerveau humain et qu'il a utilisé sa connaissance de la neuroanatomie pour représenter symboliquement le cerveau dans sa «création d'Adam». D'autres interprétations vont encore plus loin, ce tableau va à l'encontre de l'idéologie religieuse et transmet le message que tout est né de l'homme, sinon. Quelle pensée de facto sacrilège. Une œuvre d'art aussi célèbre, et nous trouvons toujours des secrets cachés des siècles après sa conception.
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No.3 La Mona Lisa - Leonardo da Vinci
À savoir, la Mona Lisa, la peinture la plus célèbre parmi les peintures célèbres, l'œuvre la plus visitée du Louvre Museum. Cette dame énigmatique a vraiment plus à voir ici que ce infâme à moitié sourire. En premier lieu, on suppose qu'il est enceinte, compte tenu de la façon dont leurs bras sont placés sur le ventre et le voile autour des épaules, que les femmes enceintes utilisaient pendant la renaissance italienne. Mais les résultats les plus récents sont dans leurs yeux. En 2011, le chercheur italien Silvano Vinneti a déclaré qu'il avait trouvé des lettres et des chiffres peints au microscope. Il a déclaré à Associated Press que le "L" sur son œil droit représente probablement le nom de l'artiste. Mais la signification de la lettre "S" que vous voyez dans votre œil gauche et le nombre "72" sous le pont arqué en arrière-plan sont moins clairs. Vinneti croit que les «S» pourraient se référer à une femme de la dynastie Sforza qui a gouverné Milan, ce qui signifie que la femme dans la peinture n'est peut-être pas Lisa Gherardini, comme on le croit depuis longtemps. Quant à "72", Vinneti fait valoir que cela pourrait être dû à l'importance des nombres à la fois dans le christianisme et dans le judaïsme. Par exemple, "7" fait référence à la création du monde, et le nombre "2" pourrait se référer à la dualité des hommes et des femmes.
Encore plus surprenant, en 2015, un scientifique français qui a utilisé la technologie de lumière réfléchie a affirmé avoir trouvé un autre portrait d'une femme sous l'image que nous voyons aujourd'hui. Le consensus est que c'était le "premier projet" de Da Vinci, et qu'il l'a peint pour créer son chef-d'œuvre.
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N ° 4 Café en terrasse la nuit - Vincent Van Gogh
Cette peinture de vues en plein air colorées est une œuvre pittoresque, la vision d'un spectateur détendu qui apprécie le charme de son environnement sans aucune préoccupation morale. Rappelez-vous l'humeur de Van Gogh quand il a écrit que "la nuit est plus vive et avec plus de couleurs que la journée". À première vue, la peinture à l'huile de Vincent Van Gogh de 1888 semble être simplement ce que le titre décrit: une terrasse de café pittoresque dans une ville française colorée. Mais, en 2015, l'expert de Van Gogh, Jared Baxter, a proposé la théorie selon laquelle la peinture est en fait la version de l'artiste de "The Last Supper". Une étude détaillée montre une figure centrale aux cheveux longs entourés de 12 individus, dont l'un semble glisser dans l'ombre comme Judas. Il y a aussi ce qui semble être de petits crucifix cachés tout au long du tableau, y compris un sur la figure centrale similaire à Jésus.
Une allusion religieuse ne serait pas trop déplacée pour Van Gogh. Avant de consacrer son attention à la peinture, le célèbre artiste néerlandais avait souhaité "prêcher l'Évangile partout", et son père, Theodorus van Gogh, était un pasteur d'une église néerlandaise rénovée. Au moment de travailler au Cafe Terrace la nuit, Van Gogh a écrit à son frère, Theo Van Gogh, et a expliqué qu'il avait un "énorme besoin, je dois dire le mot, la religion", avec une référence directe au tableau.
Van Gogh n'a jamais signé "Café Terrace la nuit". Cependant, il a spécifiquement mentionné la peinture en trois pièces de correspondance, donc les historiens de l'art sont confiants.
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No.5 Le portrait d'Arnolfini - Jan van Eyck
L'image est suspendue à la National Gallery de Londres et représente probablement Giovanni di Nicolao Arnolfini et son épouse Costanza Treanta. L'identité du couple n'a été réduite que de quelques possibilités, mais seulement ils ont vécu dans les sorcières depuis longtemps pour rencontrer le peintre de près. La première clé de la peinture est l'environnement, dans une maison assez riche, pleine de beaux objets et de vêtements. Les symboles de la peinture sont impossibles à ignorer, bien qu'ils ne soient pas d'une seule interprétation. La signification de l'image n'est pas non plus clairement claire. Au cours des siècles, il a été interprété comme un portrait d'un couple nouvellement marié, avec des symboles extraits d'un événement de mariage, en commençant par le symbole évident de la fertilité de la position enceinte du corps de Constance, qui, comme il est montré, c'était juste une mode caprice. En fait, le couple n'a finalement pas eu d'enfants. Les autres symboles de la fertilité sont le lit rouge et le tapis. Les chaussures qui se trouvaient sur le parquet avaient également un sens comme des cadeaux de mariage courants pour la petite amie d'un petit ami. Les oranges symbolisent la fertilité et l'amour, la loyauté du chiot. Mais si vous regardez attentivement le miroir au centre de la pièce, vous verrez qu'il y a deux chiffres qui entrent dans la pièce. On pense largement que l'un d'eux est destiné à être Van Eyck lui-même. Il remarquera également qu'il y a une inscription latine dans un acte très élaboré sur le mur sur le miroir, ce qui se traduit par "Jan van Eyck était ici. 1434".
Cependant, la partie la plus importante de la peinture, qui n'est pas montrée, est l'écart dans les années. La peinture, comme mentionné précédemment, était datée en 1434, tandis que Costanza trente est décédée en 1433. Le tableau aurait également pu avoir un contexte différent de celui qui a été terminé. Comme l'a démontré une radiographie, Jan van Eyck a apporté plusieurs changements, et si ceux-ci étaient liés à une telle occurrence ou ne sont pas soumis à un litige.
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No.6 Les ambassadeurs - Hans Holbein le jeune
Bien avant que les verres 3D ou la recherche d'oeufs de Pâques ne deviennent populaires, les peintres de la Renaissance ont réussi à regarder les morceaux d'angles de nouveaux angles en perspective. L'un des exemples les plus célèbres de la technique est le double portrait de Hans Holbein le jeune homme, les ambassadeurs, qui a une histoire aussi riche que les nombreux détails cachés de ses coups.
L'interprétation de la peinture comme une allégorie du tumulte politique et religieux de l'Angleterre schismatique d'Enrique VIII, dans laquelle les malheurs sont piégés, a été universellement accepté depuis plus de cent ans.
La peinture présente une illusion assez impressionnante à sa base. Si vous regardez l'image tordu au bas de la peinture de droite à gauche, cela semble être un crâne anamorphique. Les universitaires croient que cela est destiné à rappeler que la mort est toujours à grands pas.
Dans le coin supérieur gauche, derrière le rideau vert et exubérant, vous trouverez Jésus dans une pose emblématique. Certains historiens de l'art croient que ce camée divin est lié au crâne de souvenir et qu'elle fait allusion à un endroit au-delà de la mortalité. C'est un symbole destiné à suggérer qu'il y a plus que la mort, c'est-à-dire une vie future à travers le Christ. D'autres croient que l'icône cachée représente la division de l'église qu'Enrique VIII infligeait ses compatriotes.
Le chiffre du côté gauche des ambassadeurs est Jean de Dinteville, l'ambassadeur de France en Angleterre. J'étais sur le point d'avoir 30 ans au moment de ce double portrait. Son ami et partenaire diplomatique Georges de Selve, sur la photo à droite, n'avait que 25 ans à l'époque et avait déjà été ambassadeur français à la République de Venise à plusieurs reprises.
Le portrait d'huile de chêne a été fait pour accrocher dans les couloirs de la maison de Dinteville. Cependant, la National Gallery présente la peinture hallucinante de Holbein depuis 1890. Depuis plus de 125 ans, il est l'une des expositions les plus précieuses du London Museum.
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No.7 La naissance de Vénus - Sandro Botticelli
La nudité dans le célèbre peinture de Botticelli a été assez innovante à la fin du XVe siècle. Mais ce n'est pas là que l'audace de l'artiste se termine. Certains historiens de l'art croient que la coquille de Vieira dans laquelle Vénus monte sur les vagues de l'océan est en fait destinée à symboliser les organes génitaux féminins et ainsi se référer à la fertilité, ce qui crée une scène de naissance qui reflète les origines océaniques de Vénus tout en se connectant symboliquement à la naissance humaine.
Vénus, déesse de l'amour, est sage dans la coquille de la marina, traînée sur le rivage par Zephyr, Dieu du vent de l'Ouest. Là, l'un du temps, les déesses des stations, est prête avec une couche pour habiller la divinité nouveau-née. La quatrième figure que Zephyr porte est destinée à être une aura (nymphes de vent) ou du chloris, une nymphe associée au printemps et aux fleurs en fleurs comme celles qui traversent l'image.
L'inspiration chrétienne était dominante dans l'art du Moyen Âge, donc rarement décrit la nudité. Cependant, l'émergence de l'humanisme a conduit à un regain d'intérêt pour les mythes de la Rome antique, et avec elle une résurrection de nus.
Pendant cette période de la renaissance précoce, la peinture sur des panneaux en bois était à la mode. Mais la popularité de la toile augmentait, en particulier dans les régions humides où le bois avait tendance à se déformer. Comme la toile était moins chère que le bois, son état perçu était un peu plus bas, il était donc réservé aux œuvres qui n'étaient pas destinées à de grandes expositions publiques. La peinture se distingue comme la première œuvre sur toile à La Toscana.
La naissance de Vénus était destinée à accrocher dans une pièce. La nudité de la pièce acquiert un ton plus sensuel lorsque vous savez qu'il était destiné à s'accrocher à un lit de mariage. Cet endroit et sa représentation audacieuse ont contribué à la naissance de Vénus cachée de l'opinion du public pendant environ 50 ans. La peinture a une pièce d'accompagnement. Bien qu'il ait été achevé quatre ans avant sa sœur, Le printemps Il peut être considéré comme une sorte de suite de la naissance d'El de Vénus. Alors que la seconde représente l'arrivée de Vénus dans un monde au bord de la floraison, le premier montre le monde en fleur autour de la figure maternelle maintenant habillée. On dit que la paire de peintures avait l'intention de communiquer comment "l'amour triomphe de la brutalité".
Botticelli a demandé à être enterré au pied de sa Vénus. Pas de peinture, oui. Je voulais mentir pour toujours pour son inspiration terrestre, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Appelée la plus belle femme de Florence, ainsi que la plus belle femme de la Renaissance, Simonetta était la muse qui a inspiré plusieurs des œuvres de Botticelli, y compris la naissance de Vénus et du printemps. À sa mort en 1510, Botticelli a été enterré près de ce noble marié, pour qui il est supposé qu'il abritait un amour non partagé.
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N ° 8 Self-Portrait - Rembrandt
Rembrandt a peint, dessiné et enregistré tant d'auto-portraits dans sa vie que les changements dans leur apparence nous invitent à évaluer leur humeur en comparant une image avec une autre. Une telle lecture biographique est encouragée par la façon dont l'artiste confronte directement le spectateur. Rembrandt a peint cet auto-Portrait en 1659, après avoir subi un échec financier malgré tant d'années de succès. Sa maison spacieuse dans le Sint-Anthonisbreestraat et d'autres biens avaient été vendus aux enchères l'année précédente pour satisfaire leurs créanciers. Dans ce travail tardif, les yeux enfoncés qui sont coincés dans ceux du spectateur semblent exprimer une force et une dignité internes. Cependant, l'interprétation de peintures sur la base de la biographie d'un artiste est dangereuse, en particulier avec un artiste dont la vie a été idéalisée dans la mesure où Rembrandt a fait. La lumière qui illumine la tête aussi efficacement accentue également l'épaule gauche de Rembrandt et, dans une moindre mesure, ses mains ensemble, largement exécutée.
En 2001, l'artiste britannique David Hockney et le physicien américain Charles Falco ont annoncé qu'ils avaient trouvé des indications que Rembrandt et d'autres anciens professeurs dépendaient en grande partie de l'utilisation de lentilles et de miroirs courbes pour créer leurs scènes et portraits réels. Et en août 2016, deux chercheurs du Royaume-Uni, l'artiste Francis O'Neil et la physique Sofia Palazzo Corner, ont publié une étude dans le Journal of Optics qui a expliqué comment Rembrandt aurait pu utiliser des combinaisons de miroirs et de lunettes courbes pour créer leur célèbre moi - portraits. . Les chercheurs voient de nombreux détails dans les auto-portraits de Rembrandt qui soutiennent leur théorie, y compris une forte lumière au centre des portraits et l'obscurité relative sur les bords, qui est également observée dans les réflexions projetées par des miroirs incurvés.
Les artistes utilisent constamment de nouveaux pigments et huiles pour produire des couleurs plus vibrantes, vives et intéressantes. Rembrandt van Rijn n'était pas différent. L'ancien professeur néerlandais avait une technique, une créativité et un travail complet pour lui. Il avait également la chimie. Une nouvelle analyse de ses œuvres montre qu'il a utilisé un composé rare dans certaines de ses peintures: un minéral carbonate de plomb appelé Plumbonacrita, PB5 (CO3) 3rd (OH). Connaître la composition de la palette de l'artiste aidera les écologistes à découvrir comment mieux préserver leurs œuvres d'art au fil du temps.
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N ° 9 Bacchus - Caravaggio
La peinture de Bacchus du Caravage contient toute la série associée au libertin mythologique qui bouillonne sous sa surface. C'est ce sentiment de tempête sous calme qui en fait une œuvre d'art si puissante. Baco, le dieu du vin, est généralement montré ivre; Le Bacchus du Caravage est serein et autonome. On voit souvent de monter une voiture triomphale située par des tigres, des léopards ou des chèvres; Dans la version du Caravaggio, la procession bacchique est sur le point de commencer ou est terminée. Ou peut-être que ce bacch a des plans complètement différents.
La première fois que quelque chose de caché a été découvert dans ce travail, c'était en 1922, un restaurateur d'art nettoyait la toile de ce travail de 1595. Lorsque l'accumulation de saleté disparaît pendant des siècles, un portrait caché est devenu visible. Dans la cruche de vin en verre dans le coin inférieur gauche, un minuscule caravage se trouve dans le petit reflet de la lumière à la surface du vin.
Aujourd'hui, presque un siècle plus tard, les chercheurs le confondent. Il ne semble pas être trop caché, mais grâce à la technologie moderne appelée réflectographie, les experts en art en 2009 ont pu découvrir que l'image d'un homme est vraiment cachée dans la cruche du vin en bas à gauche. Et cela peut être le même da caravaggio. "Le Caravage a peint une personne verticalement, avec un bras étendu vers une toile dans un chevalet. Il semble être un portrait de lui-même pendant la peinture", a déclaré l'expert Mina Gregori au Telegraph.
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