Les fondements de l'histoire de l'art remontent à des dizaines de milliers d'années pour savoir lorsque les civilisations anciennes ont utilisé les techniques et les moyens disponibles pour représenter un thème culturellement significatif. À partir de ces premiers exemples, ils ont suivi de nombreux mouvements artistiques, chacun avec leurs propres styles et caractéristiques différents qui reflètent les influences politiques et sociales de la période à partir de laquelle ils sont ressortis.
Que signifie le fauvisme et qu'est-ce que l'art conceptuel? Parler de l'art semble être une discipline en soi et si vous êtes nouveau dans le monde de l'art, vous avez probablement de nombreuses questions, en particulier sur chaque mouvement dans l'art et différents types d'art.
Les genres d'art influents, de la Renaissance à l'émergence du modernisme, ont sans aucun doute laissé leur marque dans l'histoire.
Ayant les concepts clairs sur l'histoire et l'importance de ses mouvements artistiques, nous aurons une compréhension plus claire de la façon dont des artistes célèbres tels que Van Gogh, Picasso et Warhol ont révolutionné le monde de l'art.
Kuadros Il a fait une liste des mouvements les plus importants pour vous.
N ° 1 Renaissance italienne (1400–1550)
Quelques exposants: Giberti Doors, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
Vers la fin du XIVe siècle d. C., une poignée de penseurs italiens ont déclaré qu'ils vivaient dans une nouvelle ère. La Barbara, non éclairée du «Moyen Âge», était terminée; Le nouveau serait un "Rinincità" ("Renaissance") de l'apprentissage et de la littérature, de l'art et de la culture. C'était la naissance de la période maintenant connue sous le nom de Renaissance. Pendant des siècles, les érudits ont convenu que la renaissance italienne (un autre mot pour "renaissance") s'est produit exactement de cette façon: que entre le XIVe et le XVIIe siècle, une manière nouvelle et moderne de penser le monde et la place de l'homme de l'homme dedans Il a remplacé les vieilles idées. En fait, de nombreuses réalisations scientifiques, artistiques et culturelles de la Renaissance So-appelée partagent des problèmes communs, en particulier la croyance humaniste que l'homme était le centre de son propre univers.
La Renaissance italienne dans le contexte de l'Italie du XVe siècle était différente de tout autre endroit en Europe. Il était divisé en états de villes indépendants, chacun avec une forme de gouvernement différente. Florence, où la renaissance italienne a commencé, était une république indépendante. C'était également une banque et une capitale commerciale et, après Londres et Constantinople, la troisième plus grande ville d'Europe. Les riches Florentins faisaient étalage de leur argent et puissent devenir patron ou partisans des artistes et des intellectuels. De cette façon, la ville est devenue le centre culturel d'Europe et de la Renaissance.
On peut dire que la Renaissance a été divisée en deux parties:
Au début de la renaissance, les artistes ont commencé à rejeter le style byzantin de la peinture religieuse et ont eu du mal à créer du réalisme dans leur représentation de la forme humaine et de l'espace. Cet objectif vers le réalisme a commencé avec Cimabue et Giotto, et a atteint son apogée dans l'art d'artistes "parfaits", comme Andrea Mantegna et Paolo Uccello. Alors que la religion était un élément important dans la vie quotidienne des personnes qui vivaient pendant la Renaissance, nous voyons également un nouveau itinéraire ouvert au halètement: le thème mythologique. De nombreux chercheurs soulignent La naissance de Vénus de Botticelli comme premier panneau de peinture d'une scène mythologique.
La période connue sous le nom de renaissance élevée représente l'aboutissement des objectifs de la renaissance précoce. Les artistes les plus connus de cette phase sont Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano et Miguel Ángel. Ses peintures et ses frais sont parmi les œuvres d'art les plus connues. Le dernier repas Da Vinci, L'école Athènes Rafael et les peintures du toit de la chapelle Sixtine de Miguel Ángel sont les chefs-d'œuvre de cette période et incarnent les éléments de la haute Renaissance.
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No.2 Barocco (1600–1750)
Quelques exposants: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
Le terme baroque dérive finalement du mot italien Barocco, que les philosophes utilisés au Moyen Âge pour décrire un obstacle dans la logique schématique. Par la suite, le mot est venu pour désigner toute idée ou processus de pensée tordu. Une autre source possible est le mot portugais baroque (Barrueco espagnol), qui est utilisé pour décrire une perle irrégulière ou imparfaite, et cette utilisation survit toujours au terme de perle baroque du bijoutier. Le baroque est un mouvement de l'art et de l'architecture développé en Europe depuis le début du XVIIe siècle jusqu'au milieu du XVIIIe siècle. Il met l'accent sur le mouvement dramatique et exagéré et les détails clairs et faciles à interpréter, qui est loin du surréalisme, pour produire du drame, de la tension, de l'exubérance et de la grandeur.
Les premières manifestations, qui se sont produites en Italie, datent des dernières décennies du XVIe siècle, tandis que dans certaines régions, en particulier en Allemagne et en Amérique du Sud coloniale, certaines réalisations culminantes du baroque ne se sont produites qu'au XVIIIe siècle.
Les artistes ont continué à raviver les idéaux de la beauté de la Renaissance, inculquant les œuvres d'art, de la musique et de l'architecture de l'époque où un clin d'œil a relancé le classicisme encore plus amélioré par une nouvelle extravagance et une inclination exubérantes pour l'orné. Ce style hautement orné a été inventé en tant que baroque et a été caractérisé par ses techniques et ses détails innovants, offrant un langage visuel nouveau et luxuriant dans ce qui avait été une période relativement atténuée pour l'art. Le baroque s'est propagé dans toute l'Europe, dirigé principalement par le pape à Rome et les dirigeants catholiques en Italie, en France, en Espagne et en Flandre. Il se propage encore plus par de puissants ordres religieux à travers son vaste réseau de monastères et de couvents. Le style s'est rapidement étendu à la France, au nord de l'Italie, en Espagne et au Portugal, puis à l'Autriche et au sud de l'Allemagne.
Le style baroque qui s'est développé à partir de ce programme était, paradoxalement, sensuel et spirituel; Alors qu'un traitement naturaliste a rendu l'image religieuse plus accessible au paroissien moyen, des effets dramatiques et illusoires ont été utilisés pour stimuler la piété et la dévotion et transmettre une impression de la splendeur du divin. Les toits des églises baroques se sont dissous dans des scènes peintes qui présentaient des visions vives de l'infini à l'observateur et dirigeaient les sens vers les préoccupations célestes.
Bien que le thème et même le style puissent varier entre les peintures baroques, la plupart des pièces de cette période ont une chose commune: le drame. Dans le travail de peintres connus sous le nom Caravage et Rebrandt, l'intérêt pour le drame se matérialise comme des contrastes intenses entre la lumière rayonnante et les ombres imminentes.
Ce grand professeur de la région catholique, largement gouverné par les Espagnols, était le peintre Peter Paul Rubens, dont les compositions diagonales orageuses et les grandes figures de sang complet sont l'incarnation de la peinture baroque. Les portraits élégants d'Anthony Van Dyck et les œuvres figuratives robustes de Jacob Jordaens ont émulé l'exemple de Rubens. L'art aux Pays-Bas était conditionné par les goûts réalistes de leurs modèles de classe moyenne dominants, et donc, à la fois l'innombrable genre et les peintres paysagistes de ce pays et des professeurs imposants tels que Rembrandt et Frans Hals sont restés indépendants du style baroque dans des aspects importants dans des aspects importants . Cependant, le baroque a eu un impact remarquable sur l'Angleterre, en particulier dans les églises et les palais conçus, respectivement, par Sir Christopher Wren et Sir John VanBruch.
Comme les statues de la Renaissance, y compris l'emblématique David de Miguel Ángel, les sculptures baroques étaient souvent destinées à décorer des bâtiments majestueux. Ils ont également été commandés pour d'autres grands scénarios, tels que les intérieurs des églises dorées et de vrais jardins.
La dernière floraison baroque était en grande partie catholique romaine dans le sud de l'Allemagne et l'Autriche, où les architectes indigènes se sont séparés des modèles de construction italiens dans les années 1720.
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Réalisme n ° 3 (1848-1900)
Quelques exposants: Corot, Court, Daumier, Millet.
Le réalisme, dans les arts, la représentation précise et détaillée et sans ornements de la nature ou de la vie contemporaine. Le réalisme rejette l'idéalisation imaginative en faveur d'une observation étroite des apparences externes. En tant que tel, le réalisme au sens large a couvert de nombreux courants artistiques dans différentes civilisations. Dans les arts visuels, par exemple, le réalisme peut être trouvé dans les anciennes sculptures grecques hellénistiques qui dépeignent avec précision les boxeurs et les vieux décrépites. Les œuvres des peintres du 17e siècle comme le Caravaggio, les peintres du genre néerlandais, les peintres espagnols José de Ribera, Diego Velázquez et Francisco de Zurbarán et les frères Le Nain en France sont une approche réaliste. Les œuvres des romanciers anglais du XVIIIe siècle Daniel Defoe, Henry Fielding et Tobias Smollett peuvent également être appelés réalistes.
Le réalisme est survenu en France dans les années 1850. Immédiatement après la révolution de 1848, un événement qui a établi le "droit de travail" dans le pays, le mouvement a introduit l'idée de la moyenne, de la classe ouvrière, des scénarios contemporains, des scénarios contemporains et des scènes quotidiennes comme des thèmes artistiques décents.
Le réalisme s'est étendu dans toute l'Europe, de la Russie d'Alejandro II à la Grande-Bretagne de la reine Victoria, de l'Allemagne de Guillermo I à l'Italie du Risorgimento, et de l'empire des Habsbourg à la Scandinavie et aux pays au-delà. L'année 1855 a été significative dans la création du réalisme en Europe.
Gustave Coubet Il est souvent considéré comme la principale figure du réalisme. Il a jeté les fondations du mouvement dans les années 1840, quand il a commencé à dépeindre les paysans et les travailleurs. Le fait que Courbet ne les ait pas glorifiés, mais qu'il les ait hardiment présentés et créé sévèrement une réaction violente dans le monde de l'art.
Le style et le travail de Courbet émis ont été construits dans un domaine déjà brisé par les peintres de l'école Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet et d'autres au début des années 1830 ont été établis dans la ville française de Barbizon dans le but de reproduire fidèlement le caractère local du paysage.
Le réalisme pictural en dehors de la France était peut-être mieux représenté au 19e siècle aux États-Unis. Là, les peintures puissantes et expressives de Winslow Homer sur les problèmes marins et les portraits, les scènes de navigation et autres œuvres de Thomas Eakins sont des enregistrements francs, peu attrayants et très observés de la vie contemporaine. Le réalisme était un courant différent dans l'art du XXe siècle et était généralement dérivé du désir des artistes de présenter des opinions plus sincères, sincères et sans idéaliser sur la vie quotidienne ou leurs tentatives d'utilisation de l'art comme véhicule pour la critique de la critique sociale et politique .
Les scènes rugueuses, décrites et presque journalistiques de la vie urbaine avec une couture du groupe de peintres américains connus sous le nom de huit (8) tombent dans la première catégorie. Le mouvement artistique allemand connu sous le nom de Neue Sachlichkeit. Le réalisme socialiste, officiellement parrainé en Union soviétique, a utilisé des techniques d'idéalisation naturaliste pour créer des portraits de travailleurs et d'ingénieurs intrépides qui étaient étonnamment similaires à la fois dans leur positivisme héroïque et dans leur manque de crédibilité.
De plus, le réalisme a directement inspiré des mouvements importants de l'art contemporain, tels que le photoréalisme et l'hyperréalisme. Sur la base de l'approche remarquablement moderne du réalisme, ces genres démontrent l'héritage durable et évolutif du mouvement innovant.
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N ° 4 impressionnisme (1865–1885)
Quelques exposants: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
L'impressionnisme français est un mouvement important, d'abord en peinture puis en musique, qui s'est développée principalement en France à la fin du 19e et du début du XXe siècle. La caractéristique la plus notable de l'impressionnisme dans la peinture était une tentative de s'inscrire avec précision et objectivement à des représentations réalistes des impressions éphémères de leur environnement, qui étaient souvent à l'extérieur. Dans la musique, c'était pour transmettre une idée ou un effet à travers un lavage du son au lieu d'une structure formelle stricte.
À la fin des années 1860, l'art de Manetter Il reflétait une nouvelle esthétique, qui devrait être une force de guidage dans l'œuvre impressionniste, dans laquelle l'importance du thème traditionnel a été réduite et l'attention est passée à la manipulation de la couleur, du ton et de la texture de l'artiste. Cela se termine en eux-mêmes.
En 1874, un groupe d'artistes appelé les peintres, sculpteurs, enregistreurs, etc. Il a organisé une exposition à Paris qui a lancé le mouvement appelé impressionnisme. Ses membres fondateurs étaient Claude Monet, Edgar Degas et Camille Pissarro, entre autres. Le groupe a fait son premier spectacle, indépendant de la salle officielle de l'Académie française, qui avait constamment rejeté la plupart de ses œuvres. Peinture de Monet Impression du soleil levant (1872) leur a valu le nom initialement moqué des "impressionnistes" du journaliste Louis Leroy qui a écrit dans le magazine satirique Le Charivari en 1874. Les artistes ont rapidement adopté le nom comme descriptif de leur intention de transmettre avec précision les "impressions visuelles". Alors que les critiques conservateurs ont critiqué leur travail pour leur apparence incomplète et leur esquisse, les écrivains les plus progressistes l'ont félicité pour sa description de la vie moderne. Edmond Duranty, par exemple, dans son essai de 1876 The Nouvelle Peinture (la nouvelle peinture), a écrit sur sa représentation du thème contemporain dans un style correctement innovant comme révolution dans la peinture.
Depuis sa conception, l'impressionnisme a été défini par un ensemble de caractéristiques. Ceux-ci incluent: les coups de pinceau picturaux, les couleurs distinctives, les représentations des problèmes communs, l'accent mis sur la lumière et les compositions inspirées de la photographie.
Au milieu des années 1880, le groupe impressionniste avait commencé à se dissoudre alors que chaque peintre poursuivait de plus en plus ses propres intérêts et principes esthétiques. Cependant, dans sa courte existence, il a réalisé une révolution de l'histoire de l'art, offrant un point de départ technique pour les artistes post-impressionnistes Cézanne, De gaz, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh et Georges Seut et libérant toute la peinture occidentale postérieure des techniques traditionnelles. et les approches du sujet.
Héritage et présence de l'impressionnisme aujourd'hui
Naturellement, en tant que point de départ du modernisme, l'impressionnisme a influencé de nombreux mouvements ultérieurs. Les post-opressionnistes ont adopté leur coup de pinceau pictural; Les expressionnistes abstraits ont trouvé l'inspiration sur l'approche non conventionnelle de la forme de Monet; Et de nombreux artistes contemporains continuent même de travailler dans un style néo-impressionniste.
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N ° 5 Post -impressionnisme (1885–1910)
Quelques exposants: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
La post-impressionnisme est un terme utilisé pour décrire la réaction dans les années 1880 contre l'impressionnisme. Il a été réalisé par Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent Van Gogh et Georges Seurat. Les post -impressionnistes ont rejeté la préoccupation de l'impressionnisme concernant la représentation spontanée et naturaliste de la lumière et de la couleur.
Tous ces peintres, à l'exception de Van Gogh, étaient français, et la plupart d'entre eux ont commencé comme des impressionnistes; Chacun d'eux a abandonné le style, pour former son propre art très personnel.
Comme les impressionnistes, ils ont souligné l'artificialité de l'image. Post -impressionnistes croyait également que la couleur pourrait être indépendante de la forme et de la composition en tant que porteur émotionnel et esthétique du sens. L'impressionnisme et le post-impressionnisme comprennent certaines des œuvres d'art modernes les plus célèbres, telles que Lys à eau Monet, une série de paysages aquatiques et La nuit étoilée par Van Gogh.
Post -impressionnistes a partagé leur travail avec le public à travers des expositions indépendantes à travers Paris. En 1910, l'éminent critique d'art, historien et conservateur Roger Fry a inventé le terme "post-impressionnisme" avec son émission, Manet et Post -impressionnistes. Comme le post -impressionnistes eux-mêmes, Fry croyait que la beauté de l'art est intrinsèquement enracinée dans la perception. "L'art est une expression et un stimulus pour la vie imaginative au lieu d'une copie de la vie réelle", explique Fry dans un essai dans l'esthétique.
Comme Fry l'a expliqué, le post-impressionnistes pensait qu'une œuvre d'art ne devrait pas tourner autour du style, du processus ou de l'approche esthétique. Au lieu de cela, vous devez mettre l'accent sur le symbolisme, la communication des messages du subconscient de l'artiste.
Post -impressionnistes a souvent exposé ensemble, mais, contrairement aux impressionnistes, qui ont commencé comme un groupe très unis et cordial, peint principalement seul. Cézanne peinte isolément dans Aix-en-Provence dans le sud de la France; Sa solitude a été égalée par celle de Paul Gauguin, qui en 1891 a été installé à Tahiti, et Van Gogh, qui a peint sur le terrain à Arles. Gauguin et Van Gogh ont rejeté l'objectivité indifférente de l'impressionnisme en faveur d'une expression spirituelle plus personnelle.
"Quelle couleur profonde et mystérieuse!
Contrairement aux impressionnistes qui ont eu du mal à capturer l'effet de la lumière naturelle sur la teinte, les post-impressionnistes utilisés à dessein une palette de couleurs artificielles comme moyen de dépeindre leurs perceptions du monde qui les entourent. Les tons saturés, les ombres multicolores et les gammes de couleurs riches sont évidentes dans la plupart des peintures post-impressionnistes, démontrant l'approche innovante et imaginative des artistes pour la représentation.
En général, le post-impressionnisme s'est éloigné d'une approche naturaliste et s'est rendu aux deux mouvements principaux de l'art du début du XXe siècle qui l'a remplacé: le cubisme et le fauvisme, qui cherchaient à évoquer les émotions par la couleur et la ligne.
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N ° 6 Fauvisme et expressionnisme (1900-1935)
Peinture placée dans des couleurs épaisses qui sortent de la page et des tons antinaturaux: le fauvisme et l'expressionnisme sont deux des mouvements qui ont donné vie à ces caractéristiques. Alors, quelle est la différence entre eux, si elles peuvent être décrites de la même manière? Premièrement, nous expliquerons le fauvisme et l'expressionnisme par vous-même.
Fauvisme
Quelques exposants: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo a saisi la scène artistique de 1905 à 1910, plus ou moins, et se caractérise par une couleur intense et des coups de pinceau audacieux. Dans certains cas, les artistes de cette période ont appliqué de la peinture directement à partir de la bouteille. Les couleurs ne devaient pas nécessairement être fidèles à la nature. Ils pourraient changer pour montrer l'émotion. Ils ont choisi des problèmes simples et à cause de cela, les peintures semblaient presque abstraites. Le critique d'art Louis Vauxcelles a inventé le terme après avoir décrit le travail d'Henri Matisse et Andre Derain tels que "Les Fauves" ou les Beasts lors d'une exposition de 1905 dans le salon d'Am Automne à Paris. L'œuvre dans l'exposition de Matisse et Derain était pleine d'options de couleurs non naturelles et de taches de peinture sauvages sur la toile. Ce serait le début du fauvisme.
Les artistes du fauvisme étaient profondément intéressés par la théorie scientifique de la couleur du XIXe siècle. Plus précisément, avec l'utilisation de couleurs complémentaires, les fauvistas ont compris comment rendre les couleurs plus lumineuses et audacieuses pour incorporer ces théories.
La peinture de Henri Matisse "Woman with a A Hat". Il a été critiqué par les couleurs antinaturelles sur le visage de la femme. Paul Signac (1863-1935) est célèbre pour son point. Il était également un mentor d'Henri Matisse. Le puntillismo est une technique où de petits points de couleurs primaires sont placés ensemble. Lorsque vous vous éloignez, il est combiné sur une seule image. Cela peut être comparé aux pixels sur un écran d'ordinateur. Chaque pixel individuel est d'une couleur différente, mais lorsque vous voyez une légère distance, il créent une image. Le style de la rill Point a montré ce que les artistes pouvaient faire avec les couleurs primaires et comment ils pouvaient utiliser des illusions d'optique dans leur travail.
En plus de Matisse et Derain, d'autres artistes de Fauvistas importants incluent Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault et Maurice de Vlaminck.
Expressionnisme
Quelques exposants: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
L'expressionnisme est un terme général pour toute œuvre d'art qui déforme la réalité pour coïncider avec les sentiments, les vues ou les idées internes de l'artiste. En bref, c'est un art qui exprime les réalités internes dans le monde extérieur. Il s'agit d'une définition assez généralisée, mais il existe des caractéristiques distinctives de l'expressionnisme. En particulier, les couleurs utilisées dans l'expressionnisme seront intenses et souvent non naturelles, ce qui signifie que la peau de quelqu'un pourrait être peinte en bleu au lieu de bronzage ou de brun. La peinture est également utilisée souvent en grande quantité dans le style expressionniste, ce qui crée beaucoup de texture sur la toile.
L'expressionnisme est venu de "de l'intérieur", étant le reflet des sentiments de l'artiste plus qu'une représentation d'une scène. Deux artistes expressionnistes influents étaient Emily Carr et Edvard Munch.
Quant au sujet, l'art expressionniste a tendance à être émotionnel et, parfois, même mythique, en supposant que l'expressionnisme est une extension du romantisme. Étant donné que l'expressionnisme est un terme si large, il est facile de commencer à l'attribuer à l'art de tout moment. Ensuite, pour la plupart, l'expressionnisme s'applique généralement à l'art du XXe siècle. On dit qu'il a commencé avec le travail de Vincent Van Gogh et s'étend à l'art moderne tel que nous le connaissons aujourd'hui.
Les principaux contribuables du mouvement expressionniste sont des artistes tels que Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch et autres.
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Le fauvisme peut être considéré comme un sous-ensemble d'expressionnisme. L'expressionnisme peut inclure un si large éventail d'art et de mouvements qu'il est presque impossible de les séparer pour être vraiment différents. Ils utilisent les mêmes techniques et sont classés par les mêmes caractéristiques et la seule vraie différence est la nature spécifique du fauvisme contrairement à la nature générale de l'expressionnisme.
Quelque chose qui peut être considéré comme Fauvista pourrait également faire partie du domaine de l'expressionnisme. Mais, quelque chose qui est considéré comme un expressionniste n'est pas nécessairement dans le style fauvista. Le fauvisme est un peu plus sauvage, mais avec un thème plus simpliste.
Ainsi, le fauvisme contre l'expressionnisme n'est pas une chose. Ils ne sont pas en concurrence les uns avec les autres parce que l'un est simplement une version de l'autre.
N ° 7 Cubisme (1905-1920)
Quelques exposants: Pablo Picasso, Georges Braque
Le cubisme, style artistique visuel très influent du XXe siècle qui a été créé principalement par les artistes Pablo Picasso et Georges Braque à Paris entre 1907 et 1914. Le style cubiste a souligné la surface plate et à deux dimensions du plan de l'image, rejetant les techniques traditionnelles traditionnelles . de perspective, Scorzo, modélisation et claire et réfutant les théories anciennes selon lesquelles l'art devrait imiter la nature. Les cubistes croyaient que les traditions de l'art occidental avaient été épuisées et pour revitaliser leur travail, ils ont eu recours à l'énergie expressive de l'art d'autres cultures, en particulier de l'art africain.
Le cubisme tire son nom des commentaires formulés par le critique Louis Vauxcelles, qui ont éliminé les travaux de Braque en 1908 à l'estaque, comme composé de cubes. Dans la peinture de Braque, les volumes des maisons, les formes cylindriques des arbres et le schéma brun et vert se souviennent des paysages de Paul Cézanne, qui ont profondément inspiré les cubistes dans leur première étape de développement (jusqu'en 1909). Cependant, c'est Les Demoiselles d'Avignon, peint par Picasso en 1907, qui préfigure le nouveau style; Dans ce travail, les formes de cinq nus féminines deviennent des formes angulaires et fracturées.
On peut voir que le cubisme s'est développé dans deux phases différentes: le cubisme analytique initial et plus austère, et une phase postérieure du cubisme appelé cubisme synthétique. Le cubisme analytique a été développé entre 1908 et 1912. Ses œuvres d'art semblent plus graves et sont formées par une combinaison d'avions et de lignes dans des tons de Noirs, de gris et d'ocre. Le cubisme synthétique est la phase postérieure du cubisme, il est généralement considéré qu'il date d'environ 1912 à 1914 et se caractérise par des formes plus simples et des couleurs plus vives. Les travaux synthétiques cubistes incluent également généralement des éléments réels combinés, tels que les journaux. L'inclusion d'objets réels directement dans l'art a été le début de l'une des idées les plus importantes de l'art moderne.
Bien que la création de ce nouveau langage visuel soit attribuée à Picasso et Braque, il a été adopté et développé par de nombreux peintres, notamment Fernand Léger, Robert et Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes et Jean Metzinger. Bien qu'il soit principalement associé à la peinture, le cubisme a également exercé une profonde influence sur la sculpture et l'architecture du XXe siècle. Les principaux sculpteurs cubistes étaient Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon et Jacques Lipchitz. L'adoption de l'esthétique cubiste par l'architecte suisse Le Corbusier se reflète dans les formes des maisons qu'il a conçues dans les années 1920.
Au cours de l'hiver 1912-1013, Picasso a exécuté un grand nombre de Papiers Collés. Avec cette nouvelle technique de passant des morceaux de papier coloré ou imprimés dans leurs compositions, Picasso et Braque ont balayé les derniers vestiges de trois espaces dimensionnels (illusionnisme) qui sont toujours restés dans leur travail analytique "élevé".
Les concepts de libération officiels initiés par le cubisme ont également eu des conséquences élevées pour la DADA et le surréalisme, ainsi que pour tous les artistes qui poursuivent l'abstraction en Allemagne, en Hollande, en Italie, en Angleterre, aux États-Unis et en Russie.
N ° 8 DADA et surréalisme (1917-1950)
Dadiste
Quelques exposants: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Portée internationale et production artistique diversifiée, à la fois la donnée et le surréalisme étaient des mouvements artistiques, littéraires et intellectuels du début du XXe siècle qui étaient fondamentaux pour définir le modernisme. Le mouvement donné, lancé à Zurich en 1916 par des poètes et des artistes tels que Tristan Tzara et Hans ARP, a été une réaction directe au massacre, à la propagande et à la folie de la Première Guerre mondiale. Des groupes indépendants liés à des idées communes ont émergé peu de temps après à New York. , Berlin, Paris et autres endroits. Ces différents groupes ne partagent pas de style universel, mais étaient liés à leur rejet de l'idéalisme, des conventions artistiques et intellectuelles obsolètes et de l'étreinte incontrôlée de la société moderne au «rationalisme» et au «progrès».
Étant donné qu'il s'agissait d'un mouvement artistique européen d'avant-garde, avec les premiers centres à Zurich, en Suisse et à New York.
Le nom, extrait d'un dictionnaire à Zurich en 1916, signifie «cheval à bascule» en français ou «oui» en roumain et en russe. Mais comme le nom d'un mouvement ne signifie vraiment rien du tout. En cas de culture qui avait produit le carnage de la Première Guerre mondiale, étant donné qu'il a mis au défi toutes les vaches sacrées, lançant l'expression et la paternité par la fenêtre et célébrant le hasard et l'absurde.
Les racines de Dada se trouvent dans l'avant-garde avant la guerre. Le terme Antiarte, un précurseur de Dada, a été inventé par Marcel Duchamp vers 1913 pour caractériser les œuvres qui remettent en question les restrictions acceptées de l'art.
Le mouvement dadaïste comprenait des réunions publiques, des démonstrations et une publication de magazines artistiques / littéraires; La couverture passionnée de l'art, de la politique et de la culture a souvent été discutée dans une variété de médias.
Le mouvement a influencé les styles postérieurs tels que les mouvements avant-gardistes et musicaux centraux, et des groupes qui incluent le surréalisme et le pop art.
Ensuite, le surréalisme est arrivé pour canaliser les énergies antidadistes des dadaïstes tels que Marcel Duchamp au musée, ce qui a déclenché un mouvement extrêmement réussi mais frénétique qui a dévasté l'Europe entre les guerres et a étreint de nombreux médias.
Surréalisme
Quelques exposants: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
L'un des mouvements les plus importants et les plus subversifs du XXe siècle, le surréalisme a prospéré en particulier dans les années 1920 et 1930 et a fourni une alternative radicale aux qualités rationnelles et formelles du cubisme. Un mouvement littéraire, philosophique et artistique du XXe siècle qui a exploré le fonctionnement de l'esprit, défendant l'irrationnel, le poétique et le révolutionnaire.
Contrairement à Dada, à partir de laquelle il est apparu à bien des égards, a souligné le rejet positif, plutôt que le pessimiste des traditions précédentes.
Le mot «surréaliste» (qui suggère «au-delà de la réalité») a été inventé par l'avant-garde français, le poète Guillaume Apollinaire dans une œuvre écrite en 1903 et représentée en 1917. Mais c'était André Breton, chef d'un nouveau groupe de poètes et d'artistes À Paris, qui, dans son manifeste surréaliste (1924), a défini le surréalisme comme: l'automatisme psychique pur, à travers lequel il est proposé d'exprimer, soit verbalement, par écrit ou d'une autre manière, le vrai fonctionnement de la pensée. Dictation de la pensée en l'absence de tout contrôle exercé pour raison, au-delà de toute préoccupation esthétique et morale.
Plusieurs fils différents peuvent être distingués dans la manifestation visuelle du surréalisme. Des artistes tels que Max Ernst et André Masson ont favorisé l'automatisme dans lequel le contrôle conscient est supprimé et le subconscient est autorisé à prendre le contrôle. Au contraire, Salvador Dalí et René Magritte ont poursuivi un sentiment incroyable de superraalité dans lequel les scènes représentées n'ont aucun sens. Une troisième variation a été la juxtaposition d'éléments non liés, établissant une réalité irréalisable en dehors des limites de la réalité normale. Le surréalisme est originaire à l'origine de Paris. Son influence a été prolongée à travers une série de magazines et d'expositions internationaux, étant les exemples les plus importants de cette dernière exposition internationale surréaliste dans le nouveau Burlington, Londres et Fada de l'art fantastique, surréalisme au musée d'art moderne New York, tous deux fabriqués en 1936. Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, le centre de l'activité surréaliste a été transféré à New York et à la fin de la guerre, le mouvement avait perdu sa cohérence. Cependant, il a préservé une puissante influence, clairement évidente dans les aspects de l'expressionnisme abstrait et d'autres manifestations artistiques de la seconde moitié du XXe siècle.
Beaucoup soutiennent que le surréalisme, en tant que mouvement culturel identifiable, s'est terminé par la mort de Breton en 1966. D'autres croient qu'il reste aujourd'hui une force vitale et pertinente.
N ° 9 Expressionnisme abstrait (1940-1950)
Quelques exposants: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
L'expressionnisme abstrait n'a jamais été une étiquette idéale pour le mouvement, qui a été développé à New York dans les années 40 et 1950. D'une certaine manière, il était destiné à couvrir non seulement le travail des peintres qui ont rempli leurs toiles de champs avec des champs couleur de champs et des formes abstraites, mais aussi celles qui ont attaqué leurs toiles avec une expression gestuelle vigoureuse. Tous étaient attachés à l'art comme des expressions de soi, nés d'émotions profondes et de thèmes universels, et la plupart ont été formées par l'héritage du surréalisme, un mouvement qui s'est traduit par un nouveau style s'adapte à l'humeur post-guerre de l'anxiété et du traumatisme. Dans leur succès, ces peintres de New York ont volé Paris comme leur manteau en tant que leader de l'art moderne et ont préparé la scène à la maîtrise des États-Unis dans le monde de l'art international. L'expressionnisme abstrait a marqué le début de l'influence de New York comme le centre du monde de l'art occidental. Le monde des artistes expressionnistes abstraits était fermement enraciné dans le faible Manhattan. Une promenade le long de la 8th Street le ferait de la cafétéria Waldorf, où des artistes sans argent faisaient de la "soupe de tomate" avec de l'eau chaude et du ketchup gratuit; Après la Hans Hofmann School of Plastic Artists fondée par le peintre du même nom; Au club, un loft où des conférences et des arguments animés sur l'art se sont poursuivis jusqu'à tard dans la nuit. L'étude de Jackson Pollock était à East 8th Street, Kooning et Philip Guston Willem étaient en 10e est, et bien que Franz Kline ait déménagé dans plusieurs maisons et études dans la région, la plupart des nuits l'ont trouvé, ainsi qu'à beaucoup de ses contemporains à Cedar Street Tavern, à la Site universitaire.
Le mouvement comprenait de nombreux styles picturaux différents qui variaient à la fois dans la technique et dans la qualité de l'expression. Ils utilisent souvent des degrés d'abstraction; C'est-à-dire qu'ils représentent irréaliste ou, aux formes extrêmes, des formes non extraites du monde visible (non-objectif). Ils mettent l'accent sur l'expression émotionnelle libre, spontanée et personnelle, et exercent une liberté de technique et d'exécution considérable pour atteindre cet objectif, avec un accent particulier mis sur l'exploitation du caractère physique variable de la peinture pour évoquer des qualités expressives (par exemple, la sensualité, le dynamisme ). , violence, mystère, lyrisme).
La plupart des artistes associés à l'expressionnisme abstrait ont mûri dans les années 1930. Ils ont été influencés par la politique de gauche de l'époque et sont venus valoriser un art basé sur une expérience personnelle. Peu conserveraient leurs opinions politiques radicales antérieures, mais beaucoup ont continué à adopter la position de l'avant-garde Frank.
Malgré la diversité du mouvement expressionniste abstrait, trois approches générales peuvent être distinguées. L'une, la peinture à l'action, est caractérisée par une manipulation lâche, rapide, dynamique ou énergique de la peinture dans le balayage ou la coupe de coups de pinceau et dans les techniques partiellement dictées par hasard, comme dégoulinant ou renversant la peinture directement sur la toile. Artistes: Pollock, Kooning.
Le terme moyen dans l'expressionnisme abstrait est représenté par plusieurs styles variés, allant de formes plus lyriques, délicates et fluides. Artistes: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
La troisième approche moins expressive était celle de Rothko, Newman et Reinhardt. Ces peintres ont utilisé de grandes zones, ou champs, de peinture plate et fine et de diaphanes pour obtenir des effets silencieux, subtils et presque méditatifs.
Bien que le mouvement ait été représenté en grande partie tout au long de la documentation historique en tant qu'artiste masculin héroïque parsemé de peinture, il y avait plusieurs expressionnistes abstraits importants qui ont émergé de New York et de San Francisco dans les années 40 et 1950 qui reçoivent désormais du crédit en tant que membres élémentaires de les frais.
No.10 Pop Art (1960)
Quelques exposants: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist et Claes Oldenburg
Le pop art a commencé avec les artistes de New York Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist et les Claes Oldenburg, qui ont été inspirés par des images populaires et faisaient en fait partie d'un phénomène international.
C'était une révolte contre les approches dominantes de l'art et de la culture et des opinions traditionnelles sur ce que l'art devrait être. Les jeunes artistes ont estimé que ce qu'ils leur ont enseigné à l'École d'art et ce qu'ils ont vu dans les musées n'avaient rien à voir avec leur vie ou les choses qu'ils ont vues autour d'eux tous les jours. Au lieu de cela, des sources telles que les films hollywoodiens, la publicité, l'emballage de produits, la musique pop et les bandes dessinées pour obtenir leurs images. Après la popularité des expressionnistes abstraits, la réintroduction d'images identifiables par la pop (extrait des médias et la culture populaire) a été un changement important dans la direction du modernisme.
En 1957, l'artiste pop Richard Hamilton a répertorié les `` caractéristiques du pop art '' dans une lettre à ses amis les architectes Peter et Alison Smithson: Pop Art est: populaire (conçu pour un public de masse), transitoire (solution à court terme), consommable (facile à oublier), à faible coût, produit par la masse, jeune (dirigée vers les jeunes), ingénieux, sexy, truculent, glamour, grandes entreprises. Les critiques modernistes ont été horrifiés par l'utilisation d'artistes pop d'un thème aussi «bas» et pour leur traitement apparemment peu critique de cela. En fait, la pop a apporté de l'art dans de nouveaux domaines thématiques et a développé de nouvelles façons de le présenter dans l'art et peut être considérée comme l'une des premières manifestations du postmodernisme.
Bien qu'ils aient été inspirés par des problèmes similaires, la pop britannique est souvent considérée comme une pop américaine distinctive. Les premiers pop art en Grande-Bretagne ont été motivés par la culture populaire américaine vue à distance, tandis que les artistes américains ont été inspirés par ce qu'ils ont vu et vécu de vivre dans cette culture. Aux États-Unis, le style pop était un retour à l'art représentatif (art qui représentait le monde visuel d'une manière reconnaissable) et à l'utilisation de bords durs et de différentes formes après le relâchement pictural de l'expressionnisme abstrait. En utilisant des images impersonnelles et banales, les artistes pop voulaient également s'éloigner de l'accent mis sur les sentiments personnels et le symbolisme personnel qui caractérisait l'expressionnisme abstrait. En Grande-Bretagne, le mouvement était plus académique dans son approche. Tout en utilisant l'ironie et la parodie, il s'est concentré davantage sur les images populaires américaines et leur pouvoir de manipuler les modes de vie des gens. Le groupe artistique des années 50, le groupe indépendant (IG), est considéré comme le précurseur du British Pop Art Movement. Le pop art était un descendant de Dada.
La plupart des artistes pop aspiraient à une attitude impersonnelle et urbaine dans leurs œuvres. Cependant, certains exemples de pop art exprimaient subtilement la critique sociale, par exemple, les objets déchus d'Oldenburg et les répétitions monotones de Warhol de la même image banale ont un effet sans aucun doute dérangeant, et certains, en tant que cadres mystérieux et solitaires segal qu'ils sont ouvertement expressionnistes.
Peut-être qu'en raison de l'incorporation d'images commerciales, le pop art est devenu l'un des styles les plus reconnaissables de l'art moderne.
No.11 Postmodernisme (1970–)
Quelques exposants: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn dans le ciel de ©James Gill
Cette postmodernité est indéfinissable est une vérité. Cependant, il peut être décrit comme un ensemble de pratiques critiques, stratégiques et rhétoriques qui utilisent des concepts tels que la différence, la répétition, la trace, la simulation et l'hyperréalité pour déstabiliser d'autres concepts tels que la présence, l'identité, le progrès historique, la certitude épistémique et l'univocité du sens.
Le terme «art postmoderniste» fait référence à une large catégorie d'art contemporain créé à partir d'environ 1970. Le sceau distinctif de "l'art postmoderniste" est son rejet de l'esthétique sur laquelle était basé son prédécesseur, "Art moderne" (1870-1970). L'une de ces valeurs rejetées est l'idée que "l'art" est quelque chose de "spécial" qui devrait être "élevé du" goût populaire. Coïncidant avec une série de nouveaux développements technologiques, le postmodernisme a conduit à près de cinq décennies d'expérimentation artistique avec les nouveaux médias et les nouvelles formes d'art, notamment "l'art conceptuel", divers types de "Art de la performance" et "l'art d'installation", ainsi que les aides Des mouvements tels que le déconstructivisme et l'art de la projection. En utilisant ces nouvelles formes, les artistes postmodernes ont élargi la définition de l'art au point que "tout vaut".
Le premier style d'art important après la Renaissance a été l'art académique, le matériel classique qui a été enseigné par les enseignants des académies. L'art académique est l'équivalent artistique du «costume et cravate» traditionnels. Ensuite, vers 1870, «l'art moderne». Ceci est l'équivalent artistique de la "chemise et pantalon" ou "veste et pantalon". Ensuite, vers 1970, «l'art postmoderne», qui est l'équivalent artistique de «Jeans et T -Shirt». De la même manière que les codes de vêtements sont devenus moins formels et plus "tout vaut", les artistes d'aujourd'hui sont moins impressionnés par les vieilles idées de ce que l'art devrait être et plus axé sur la création de quelque chose (n'importe quoi) que ce qu'il est remarqué.
Anti-autoritaire Par nature, le postmodernisme a refusé de reconnaître l'autorité de tout style ou définition de ce que devrait être. La distinction entre la haute culture et la culture de masse s'est effondrée entre l'art et la vie quotidienne. Parce que la postmodernité a enfreint les règles établies sur le style, a introduit une nouvelle ère de liberté et le sentiment que "tout vaut". Souvent drôle, ironique ou ridicule; Cela peut être contradictoire et controversé, ce qui remet en question les limites du goût; Mais le plus important est qu'il reflète une conscience de soi du style lui-même. Souvent, le mélange différents styles et médias artistiques et populaires, l'art postmoderniste peut également emprunter consciemment ou consciemment ou ironiquement comme un commentaire sur une variété de styles du passé. Ainsi, les postmodernes considèrent que leur position théorique est exceptionnellement inclusive et démocratique, car elle leur permet de reconnaître l'hégémonie injuste des discours de l'illustration sur les perspectives tout aussi valables des groupes non électoraux.
Dans les années 80 et 1990, les défenseurs académiques au nom de plusieurs groupes ethniques, culturels, raciaux et religieux ont adopté les critiques postmodernes de la société occidentale contemporaine, et le postmodernisme est devenu la philosophie non officielle du nouveau mouvement de la "politique d'identité" "
KUADROS ©, une peinture célèbre sur votre mur.
