L'Art Deco est un style de design populaire des décennies 1920 et 1930, caractérisé notamment par des formes géométriques ou stylisées élégantes et par l'utilisation de matériaux artificiels.
Les caractéristiques du style Art Deco sont nées en France au milieu et à la fin des années 1910, ont mûri lors de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industries Modernes tenue à Paris en 1925, devenant un style important en Europe de l'Ouest et aux États-Unis durant les années 1930.
Les traits caractéristiques de l'Art Deco reflètent une admiration pour la modernité de la machine et pour les qualités de design inhérentes aux objets fabriqués par machine, par exemple, une simplicité relative, une planéité, une symétrie et une répétition invariable des éléments. Les objets Art Deco exhibent souvent des formes simples et épurées, généralement avec un aspect "stylisé" ; un ornement géométrique ou stylisé à partir de formes figuratives comme des fleurs, des animaux et des rayons de soleil ; et l'utilisation de substances fabriquées par l'homme, y compris des plastiques, du verre vitaminé et du béton armé, souvent combinés avec des matériaux naturels comme le jade, l'argent, l'ivoire et le chrome.
Art Deco - poster
Parmi les influences formatives de l'Art Deco se trouvent l'Art Nouveau, le Bauhaus, le Cubisme et les Ballets Russes de Serge Diaghilev. Les praticiens de l'Art Deco ont également trouvé de l'inspiration dans des sources amérindiennes, égyptiennes et classiques anciennes, ainsi que dans la nature.
Tout comme l'Art Deco, l'Art Nouveau est un style ornemental qui s'applique à des mediums tels que l'architecture, le design d'intérieur, la bijouterie et l'illustration. Les deux styles étaient populaires en Europe et aux États-Unis, mais l'Art Nouveau a prospéré plus tôt, entre 1890 et 1910.
À son tour, l'Art Deco a atteint son apogée à la fin des années 1920 et au début des années 1930. L'Art Nouveau mettait l'accent sur la nature, et les objets étaient particulièrement caractérisés par des lignes sinueuses asymétriques, prenant souvent la forme de tiges et de boutons de fleurs, de vrilles de vigne, d'ailes d'insectes et d'autres objets naturels délicats. L'Art Deco, en revanche, célébrait la machine moderne et promouvait des lignes géométriques et des formes élégantes.
Sa principale différence avec l'Art Nouveau est l'influence du cubisme qui confère au design Art Deco un caractère géométrique plus fragmenté. Cependant, les images basées sur des formes végétales et des courbes sinueuses sont restées dans certains designs Art Deco, par exemple, celui de Clarice Cliff en Grande-Bretagne. L'Art Deco était très varié dans ses influences, s'inspirant de l'art égyptien ancien, de l'art aztèque et d'autres arts anciens d'Amérique centrale, ainsi que du design de navires, de trains et de voitures modernes. Il s'est également inspiré de l'architecture et du design modernes du Bauhaus et d'architectes tels que Le Corbusier et Mies van der Rohe.
L'Art Deco tire son nom de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, tenue à Paris en 1925, où le style a été présenté pour la première fois. Le design Art Deco représentait le modernisme devenu mode. Ses produits incluaient à la fois des articles de luxe fabriqués à la main individuellement et des articles produits en masse, mais, dans tous les cas, l'intention était de créer une élégance élégante et antipathique qui symbolisait la richesse et la sophistication.
La plupart des créateurs d'Art Deco notables ont conçu des articles faits à la main ou en édition limitée. Ils incluaient les designers de meubles Jacques Ruhlmann et Maurice Dufrène ; l'architecte Eliel Saarinen ; l'orfèvre Jean Puiforcat ; le designer de bijoux et de cristal René Lalique ; le créateur de mode Erté ; les artistes-joailliers Raymond Templier, HG Murphy et Wiwen Nilsson ; et le sculpteur figuratif Chiparus.
Art Deco - meuble de Jacques Ruhlmann
Art Deco de l'orfèvre Jean Puiforcat
Débuts de l'Art Deco
À la fin du XIXe siècle en France, beaucoup des artistes, architectes et designers notables qui avaient joué un rôle important dans le développement du style Art Nouveau ont reconnu qu'il devenait de plus en plus démodé. À la fin d'un siècle qui a vu la Révolution industrielle se renforcer, la vie contemporaine est devenue très différente de celle d'il y a quelques décennies. Il était temps de quelque chose de nouveau, quelque chose qui s'exclamait "XXe siècle" depuis les toits modernistes et de bon goût.
La Société des Artistes Décorateurs de France
À partir de ce désir d'avancer vers le nouveau siècle au pas de l'innovation plutôt que d'être freiné par la nostalgie, un groupe d'innovateurs artistiques français a formé une organisation appelée Société des Artistes Décorateurs. Le groupe était composé de figures reconnues comme le designer et graveur de style Art Nouveau Eugene Grasset, et l'architecte Art Nouveau Hector Guimard, ainsi que des artistes et designers décoratifs émergents tels que Pierre Chareau et Francis Jourdain. L'État français a soutenu et encouragé cette direction de l'activité artistique.
Art Deco - La Société des Artistes Décorateurs
L'un des principaux objectifs du nouveau groupe était de remettre en question la structure hiérarchique des arts visuels qui reléguait les artistes décoratifs à un statut inférieur par rapport aux moyens plus classiques de peinture et de sculpture. On cite généralement Jourdain : "Nous avons donc décidé de rendre à l'art décoratif, traité sans considération comme une Cendrillon ou un parent pauvre autorisé à manger avec les serviteurs, la place importante, presque prépondérante qu'il occupait par le passé, de tous les temps et en tous lieux" des pays du globe".
Le plan pour une grande exposition présentant un nouveau type d'art décoratif avait été initialement conçu pour 1914, mais a dû être suspendu jusqu'après la fin de la Première Guerre mondiale et a ensuite été retardé pour plusieurs raisons jusqu'en 1925.
L'Exposition qui a officiellement lancé le mouvement Art Deco
Le gouvernement français, qui a accueilli l'exposition entre l'esplanade des Invalides avec coupole dorée et les entrées du Petit Palais et du Grand Palais de chaque côté de la Seine, s'est efforcé de montrer le nouveau style. Plus de 15 000 artistes, architectes et designers ont exposé leur travail lors de l'exposition. Pendant les sept mois de l'exposition, plus de 16 millions de personnes ont parcouru les nombreuses expositions individuelles. Cette exposition a été le catalyseur du début du mouvement.
Art Nouveau et Art Déco
L'Art Deco était une réponse directe, esthétique et philosophique au style Art Nouveau et au phénomène culturel plus large du modernisme. L'Art Nouveau a commencé à passer de mode pendant la Première Guerre mondiale, alors que de nombreux critiques estimaient que les détails élaborés, les conceptions délicates, les matériaux souvent coûteux et les méthodes de production du style ne convenaient pas à un monde moderne difficile, instable et de plus en plus mécanisé. Alors que le mouvement Art Nouveau tirait ses formes intriquées et stylisées de la nature et célébrait les vertus du fait-main, l'esthétique Art Deco mettait l'accent sur l'aérodynamisme et la géométrie élégante de l'ère de la machine.
Art Deco et Modernisme
L'Exposition Internationale a réuni non seulement des œuvres dans le style Art Deco, mais a également placé des articles artisanaux près d'exemples de peintures et de sculptures avant-gardistes dans des styles tels que le cubisme, le constructivisme, le Bauhaus, De Stijl et le futurisme. Dans les années 1920, l'Art Deco était un contrepoint exuberant, mais largement conventionnel, à l'esthétique plus cérébrale du Bauhaus et de De Stijl. Les trois partagent un accent sur des lignes épurées et fortes comme principe de design organisateur. Les praticiens de l'Art Deco ont adopté l'innovation technologique, les matériaux modernes et la mécanisation et ont tenté de les mettre en avant dans l'esthétique générale du style lui-même. Les praticiens ont également tiré parti et appris d'autres mouvements modernistes. L'Art Deco en est venu à être considéré par des admirateurs qui étaient à la page des perspectives futures des mouvements avant-gardistes contemporains. Ironiquement, la peinture et la sculpture modernistes ont joué un rôle secondaire dans l'exposition, à quelques exceptions près du pavillon soviétique et du pavillon Esprit Nouveau de Le Corbusier.
Art Deco après la Grande Dépression
Le début de la seconde phase de l'Art Deco a coïncidé avec le début de la Grande Dépression. L'austérité, en effet, pourrait être l'esthétique centrale tant pour des raisons pragmatiques que conceptuelles pour ce second développement de l'Art Deco. Alors que l'architecture Art Deco, par exemple, s'était orientée verticalement avec des gratte-ciels montant à de grandes hauteurs, les bâtiments Art Deco ultérieurs avec leurs extérieurs majoritairement non ornés, des courbes élégantes et un accent horizontal symbolisaient la robustesse, la dignité tranquille et la résistance. Pendant les pires années de désastre économique, de 1929 à 1931, l'Art Deco américain est passé de l'émulation de tendances à la création de celles-ci.
Streamline Moderne
Streamline Moderne est devenu la continuation américaine du mouvement Art Deco européen. Au-delà des influences économiques et philosophiques sérieuses, l'inspiration esthétique pour les premières structures Streamline Moderne était des bâtiments conçus par des défenseurs du mouvement de la Nouvelle Objectivité en Allemagne, qui est né d'une association informelle d'architectes, de designers et d'artistes allemands formée au début du XXe siècle.
Art Deco - Streamline Moderne
Les artistes et architectes de la Nouvelle Objectivité s'inspiraient du même type de pragmatisme sobre qui a poussé les défenseurs de Streamline Moderne à éliminer les excès, y compris l'émotivité de l'expressionnisme. Les architectes de la Nouvelle Objectivité se concentraient sur la production de structures qui pouvaient être considérées comme pratiques, comme un reflet des exigences de la vie réelle. Ils préféraient que leurs dessins s'adaptent au monde réel plutôt que de faire que d'autres s'ajustent à une esthétique peu pratique. À cette fin, les architectes de la Nouvelle Objectivité ont même été des pionniers de la technologie de préfabrication (aidant à loger rapidement et efficacement les pauvres d'Allemagne).
Privée d'ornements, l'architecture Streamline Moderne présentait des courbes épurées, de longues lignes horizontales (y compris des bandes de fenêtres), des briques de verre, des fenêtres à œil de bœuf et des formes cylindriques parfois nautiques. Plus que jamais, l'accent a été mis sur l'aérodynamisme et d'autres expressions de la technologie moderne. Les matériaux plus chers et souvent exotiques de l'Art Deco ont été remplacés par des fixations en béton, en verre et en chrome dans le Streamline Moderne. La couleur était utilisée avec parcimonie, les teintes blanchâtres, beiges et terre remplaçant les couleurs plus vives de l'Art Deco. Le style a d'abord été introduit dans l'architecture puis s'est élargi à d'autres objets, de manière similaire au style Art Deco traditionnel.
Art Deco est nommé rétroactivement
À l'origine, le terme "Art Deco" a été utilisé de manière péjorative par un célèbre détracteur, l'architecte moderniste Le Corbusier, dans des articles où il critiquait le style pour son ornementation, une caractéristique qu'il considérait comme inutile dans l'architecture moderne. Alors que les défenseurs du style l'ont acclamé comme une réponse moderniste et simplifiée à l'ornementation excessive, surtout par rapport à son prédécesseur immédiat, l'Art Nouveau, puisque toute décoration était superflue pour Le Corbusier. Ce n'est qu'à la fin des années 1960, quand l'intérêt pour le style a été revitalisé, que l'historien et critique d'art britannique Bevis Hillier a utilisé le terme "Art Deco" de manière positive.
Art Deco aux États-Unis
Aux États-Unis, la réception du mouvement Art Deco s'est développée selon une trajectoire différente. Herbert Hoover, le secrétaire au Commerce des États-Unis à l'époque, a décrété que les designers et architectes américains ne pouvaient pas exposer leur travail à l'Exposition Internationale parce qu'il soutenait que le pays devait encore concevoir un style artistique clairement américain qui soit satisfaisant "assez nouveau". En alternative, il a envoyé une délégation en France pour évaluer les offres à l'Exposition puis appliquer ce qu'ils ont vu à un style artistique et architectural américain contemporain. Le contingent d'émissaires esthétiques envoyé par Hoover incluait des figures importantes de l'Institut Américain d'Architecture, du Musée Métropolitain d'Art et du New York Times. La mission a inspiré une montée presque immédiate de l'innovation artistique aux États-Unis.
En 1926, une version plus petite de la foire française appelée "Une collection choisie d'objets de l'Exposition Internationale des Arts Modernes, Industriels et Décoratifs" a parcouru de nombreuses villes des États-Unis comme New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis et Philadelphie. Les foires mondiales américaines à Chicago (1933) et à New York (1939) ont mis en avant les designs Art Deco, tandis que Hollywood a adopté l'esthétique et l'a rendue glamour à travers le pays. Même des entreprises américaines comme General Motors et Ford ont construit des pavillons à la Foire Mondiale de New York.
Art Deco - Foire Mondiale de New York
Parmi les exemples les plus connus du style Art Deco américain figurent des gratte-ciels et d'autres grands bâtiments. En fait, l'itération américaine de l'Art Deco dans les designs de bâtiments a été appelée Zigzag Modern en raison de ses motifs angulaires et géométriques comme façades architecturales élaborées. Cependant, l'Art Deco américain est souvent moins orné que son prédécesseur européen. Au-delà des lignes épurées et des courbes fortes, les formes géométriques audacieuses, les couleurs intenses et parfois l'ornementation luxueuse, la version américaine est plus simple. À mesure que des influences importantes telles que la Nouvelle Objectivité et le Style International en architecture, ainsi que les revers économiques sérieux de la fin des années 1920 et du début des années 1930 ont commencé à influencer l'esthétique de l'Art Deco, le style est devenu beaucoup moins luxueux.
Art Deco - Zig Zag Modern
Le style Art Deco américain s'est développé comme une célébration de l'avancement technologique, y compris la production de masse, et une foi restaurée dans le progrès social. En essence, ces réalisations pourraient être considérées comme un reflet de la fierté nationale. Dans les années 1930, sous la Works Progress Administration (WPA) de Roosevelt, de nombreuses œuvres créées étaient Art Deco, allant de structures municipales telles que des bibliothèques et des écoles à des fresques publiques massives. La WPA avait l'intention de stimuler l'économie américaine d'après-guerre en créant des emplois dans les travaux publics, et cherchait à servir la communauté en créant des emplois et en inculquant les valeurs américaines dans le design. L'utilisation de l'Art Deco américain a ainsi apporté une expression de démocratie à travers le design. Certains matériaux souvent utilisés pour la création de l'Art Deco étaient coûteux et donc hors de portée de l'homme moyen. Cependant, l'utilisation de nouveaux matériaux ou de faible coût a permis de produire une large gamme de produits abordables et a donc apporté la beauté dans la sphère publique d'une manière nouvelle.
Croissance mondiale de l'Art Deco
Le style Art Deco s'est enraciné dans des capitales mondiales aussi diverses que La Havane, Cuba, Mumbai et Jakarta. La Havane possède tout un quartier construit dans le style Art Deco. Le système de métro de Londres incorpore largement le style. Le port de Shanghai contient plus de cinquante structures Art Deco, dont la plupart ont été conçues par le Hongrois Laszlo Hudec. Des monuments de guerre aux hôpitaux, des villes aussi éloignées que Sydney et Melbourne en Australie ont également absorbé ce style phénoménal.
Art Deco - Laszlo Hudec
Les principales caractéristiques visuelles de l'Art Deco proviennent de l'utilisation répétitive de formes linéaires et géométriques comprenant des formes triangulaires, en zigzag, trapezoïdales et avec un motif en chevron. Tout comme son prédécesseur, l'Art Nouveau, lorsque des objets tels que des fleurs, des animaux ou des figures humaines sont représentés, ils sont beaucoup stylisés et simplifiés pour maintenir l'esthétique générale de l'Art Deco. La nature et la portée de la stylisation et de la simplification varient selon l'itération régionale du style. Par exemple, une figure telle que Le oiseau de feu (1922) du designer français René Lalique est élégamment élancée et atténuée, tandis que l'Atlas de Lee Lawrie (1937) en dehors du Rockefeller Center est solide et robuste avec une musculature emphatiquement linéaire, bien que tous deux soient considérés comme de bonnes représentations du style Deco.
Art Deco - Atlas de Lee Lawrie dans le bâtiment Rockefeller
Conformément à l'accent du mouvement sur la technologie moderne, les artistes et designers Art Deco ont exploité des matériaux modernes tels que les plastiques, la bakélite et l'acier inoxydable. Mais lorsque l'on avait besoin d'une touche de richesse et de raffinement, les designers ont incorporé des matériaux plus exotiques comme l'ivoire, le corne et le cuir de zèbre. Tout comme avec les mouvements Art Nouveau et Arts and Crafts, le style Art Deco s'est beaucoup moins appliqué aux formes d'expression des arts visuels traditionnellement les plus élevées : la peinture et la sculpture.
Design Art Deco
Le style Art Deco a exercé son influence sur les arts graphiques d'une manière qui révèle l'influence du futurisme italien avec son amour pour la vitesse et l'adoration de la machine. Les artistes futuristes utilisaient des lignes pour indiquer le mouvement, connues sous le nom de "moustaches de vitesse", qui sortaient des roues des voitures et trains en mouvement rapide. De plus, les praticiens de l'Art Deco utilisaient des lignes parallèles et des formes coniques qui suggèrent la symétrie et l'aérodynamisme. La typographie a été influencée par l'influence internationale de l'Art Deco et les polices de caractères Bifur, Broadway et Peignot rappellent immédiatement le style.
Art Deco - police Bifur
En termes d'images, les formes simples et les grandes zones de couleur unie rappellent les estampes sur bois japonaises, qui étaient devenues une importante source d'influence pour les artistes occidentaux, notamment en France, après la fin de la période Edo isolationniste en 1868. L'afflux ultérieur de l'art japonais en Europe a eu un impact énorme. En particulier, les artistes ont trouvé dans la simplicité formelle des estampes sur bois un modèle pour créer leurs propres styles distinctement modernes, en commençant par l'impressionnisme.
Mobilier Art Deco
Jusqu'à la fin des années 1920, le design de mobilier de pointe en France consistait principalement en des variations du style Art Nouveau, mais simplifiées et moins courbées. À mesure que la décennie avançait, Émile-Jacques Ruhlmann émergeait comme le principal designer de mobilier (Ruhlmann avait son propre pavillon à l'Exposition de 1925). Bien que ses designs s'inspirent principalement de pièces du XVIIIe siècle produites dans le style néoclassique, il a éliminé une grande partie de l'ornementation tout en continuant à utiliser des matériaux exotiques préférés par les designers Art Nouveau, tels que l'acajou, l'ébène, le palissandre, l'ivoire et la carapace de tortue. Bien sûr, ses pièces étaient souvent trop chères pour que qui que ce soit les acquière, sauf pour les plus riches.
En contraste avec les designs luxueux de Ruhlmann, qui semblaient se situer à cheval entre les styles Art Nouveau et Art Deco, le designer de mobilier le plus définitivement Art Deco en France fut Jules Leleu. Il avait été un designer traditionnel jusqu'à ce que le nouveau style remplace l'Art Nouveau et est connu pour le design du grand salon du Palais de l'Élysée à Paris et les luxueuses cabines de première classe du élégant paquebot Normandie.
Art Deco - meuble de Jules Leleu
En contraste avec Leleu et Ruhlmann, Le Corbusier était un défenseur d'une version très réduite et sans ornement du style Art Deco, créant souvent des meubles adaptés aux intérieurs austères de ses propres structures architecturales. Son intention était de concevoir des prototypes, notamment de chaises, qui pourraient être produits en masse et donc accessibles à un marché plus amp
lio. Il convient également de noter que le design intérieur de Donald Deskey du célèbre point d'intérêt de la ville de New York, le Radio City Music Hall, est un excellent exemple de design de mobilier Art Deco américain qui reste intact dans sa forme originale aujourd'hui.
Art Deco - meuble de Le Corbusier
Architecture Art Deco
L'architecture Art Deco se caractérise par des designs aux arêtes dures, souvent richement ornés, accentués par des détails métalliques brillants. Beaucoup de ces bâtiments mettent l'accent sur la verticalité, construits avec l'intention d'attirer le regard vers le haut. Les formes rectangulaires, souvent en blocs, sont disposées géométriquement, avec l'ajout d'aiguilles au sommet et/ou d'éléments ornementaux courbes pour fournir un effet aérodynamique. Les gratte-ciels de New York et les bâtiments aux couleurs pastel de Miami figurent parmi les exemples américains les plus célèbres, bien que le style ait été mis en œuvre dans une variété de structures à travers le monde.
Aux États-Unis, la Works Progress Administration a contribué à populariser l'architecture Art Deco. Il est intéressant de noter que la fusion du classicisme Art Deco et Beaux-Arts que l'on trouve dans de nombreuses œuvres publiques de l'époque de la Dépression est connue sous le nom de PWA Moderne ou Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Développements ultérieurs : après l'Art Deco
L'Art Deco est tombé en désuétude pendant les années de la Seconde Guerre mondiale en Europe et en Amérique du Nord, avec l'austérité de l'époque de guerre qui a rendu le style de plus en plus voyant et décadent. Les métaux ont été récupérés pour être utilisés dans la construction d'armements, plutôt que pour décorer des bâtiments ou des espaces intérieurs. Le mobilier n'était plus considéré comme des objets de statut. D'autres avancées technologiques ont permis une production moins chère d'articles de consommation de base, éliminant le besoin et la popularité des designers Art Deco.
Un mouvement qui a, à bien des égards, cherché à rompre avec le passé est maintenant devenu un classique qui génère une suprême nostalgie et est chéri avec tendresse. Depuis les années 1960, il existe un intérêt constant et continu pour le style. On peut voir des échos de l'Art Deco dans le design moderne du milieu du siècle, qui poursuit l'esthétique aérodynamique de ce style et revisite la simplicité épurée du Bauhaus. Le Deco a également aidé à inspirer le Groupe Memphis, un mouvement de design et d'architecture centré à Milan durant les années 1980. Memphis s'est également appuyé sur l'art pop et le kitsch comme sources pour ses designs colorés et consciemment postmodernes.
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