A lo largo de la historia del arte, los artistas hispanohablantes han forjado una posición importante como pioneros. Sin miedo a correr riesgos, a menudo incorporan símbolos y técnicas que recuerdan sus culturas nativas. Más allá de esto, muchos de los artistas hispanos más famosos también usan su creatividad como plataforma para discutir la agitación política y social en un esfuerzo por afectar el cambio e inspirar orgullo nacional.
No.1 Diego Velázquez - 1599 – 1660
Diego Velázquez fue un pintor español del siglo XVII que produjo "Las Meninas", posiblemente su pintura más famosa y muchos retratos de renombre como miembro de la corte real del rey Felipe IV.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez nació en Sevilla, España, alrededor del 6 de junio de 1599. A la edad de 11 años, comenzó un aprendizaje de seis años con el pintor local Francisco Pacheco. Las primeras obras de Velázquez eran de los temas religiosos tradicionales favorecidos por su maestro, pero también se vio influenciado por el naturalismo del pintor italiano Caravaggio. Velázquez estableció su propio estudio después de completar su aprendizaje en 1617. Se hizo famoso por sus retratos realistas y complejos como miembro de la corte del rey Felipe IV, cargo que ocupó durante casi 40 años. Diego Velázquez tuvo una carrera exitosa que lo convirtió en el artista líder de lo que se conoce como la Edad de Oro española.
En sus últimos años, el maestro español produjo un renombrado retrato del Papa Inocencio X y las famosas "Las Meninas". Murió el 6 de agosto de 1660 en Madrid.
Velázquez es recordado como uno de los grandes maestros del arte occidental. Pablo Picasso y Salvador Dalí se encuentran entre los artistas que lo consideraron una gran influencia, mientras que el impresionista francés Édouard Manet describió al gran español como "el pintor de pintores".
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No.2 Francisco de Goya - 1746 – 1828
Francisco Goya, en su totalidad Francisco José de Goya y Lucientes, (nacido el 30 de marzo de 1746, Fuendetodos, España; fallecido el 16 de abril de 1828, Burdeos, Francia).
Francisco Goya, uno de los pintores más influyentes del siglo XVIII, tuvo un enorme éxito durante su vida. Su trabajo a menudo está asociado con el movimiento romántico y es considerado uno de los últimos grandes maestros antiguos. Una de las pinturas más famosas de Goya, El Tres De Mayo De 1808 En Madrid, es una obra maestra políticamente cargada que honra la resistencia española durante la ocupación del país por Napoleón. Este trabajo innovador sentó un nuevo precedente de cómo se representaban los horrores de la guerra en el arte.
Su estudio de las obras de Velázquez en la colección real resultó en una técnica de pintura más flexible y espontánea. Al mismo tiempo, Goya logró su primer éxito popular. Fue elegido para la Real Academia de San Fernando en 1780, nombrado pintor del rey en 1786, e hizo pintor de la corte en 1789. Una enfermedad grave en 1792 dejó a Goya sordo permanentemente. Desarrolló un nuevo estilo audaz y libre cercano a la caricatura. En sus frescos religiosos empleó un estilo amplio y libre y un realismo terrenal sin precedentes en el arte religioso. Goya se desempeñó como director de pintura en la Real Academia de 1795 a 1797 y fue nombrado primer pintor de la corte española en 1799.
Durante la invasión napoleónica y la guerra de independencia española de 1808 a 1814, Goya fue pintor de la corte de Francia. Tras la restauración de la monarquía española, Goya fue indultado por servir a los franceses, pero su trabajo no fue favorecido por el nuevo rey. En 1816 publicó sus grabados sobre las corridas de toros, llamados Tauromaquia. De 1819 a 1824 Goya vivió recluido en una casa en las afueras de Madrid. Libre de restricciones judiciales, adoptó un estilo cada vez más personal. En las Pinturas negras, ejecutadas en las paredes de su casa, Goya expresó sus más oscuras visiones. Una cualidad de pesadilla similar persigue a los Disparates satíricos, una serie de grabados también llamados Proverbios. En 1824, después del fracaso de un intento de restaurar el gobierno liberal, Goya se exilió voluntariamente en Francia. Se instaló en Burdeos y continuó trabajando hasta su muerte el 16 de abril de 1828.
Hoy en día, muchas de sus mejores pinturas están en el museo de arte del Prado de Madrid.
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No.3 Frida Kahlo - 1907 – 1954
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 de julio de 1907- Coyoacán,13 de julio de 1954)
La artista mexicana Frida Kahlo es recordada por sus autorretratos, dolor y pasión, y colores vivos y audaces. Ella es celebrada en México por su atención a la cultura mexicana e indígena y por las feministas por su descripción de la experiencia y la forma femenina.
Con su trabajo profundamente personal y simbólico, se ha convertido en una de las artistas más famosas del siglo XX. Durante gran parte de su carrera, a menudo se la pasó por alto simplemente como la esposa de Diego Rivera, pero la apreciación de sus pinturas solo ha crecido desde la década de 1970 en adelante. Ferozmente orgullosa de su identidad mexicana, a menudo incorporó símbolos precolombinos en sus pinturas y es conocida por su colorido vestido mexicano. Kahlo, que sufrió problemas de salud a lo largo de su vida debido a un accidente de autobús en su juventud, sufrió múltiples fracturas de su columna vertebral, clavícula y costillas, una pelvis destrozada, un pie roto y un hombro dislocado. Ella comenzó a concentrarse mucho en la pintura mientras se recuperaba con un yeso en el cuerpo. En su vida, tuvo 30 operaciones. La experiencia de la vida es un tema común en las aproximadamente 200 pinturas, bocetos y dibujos de Kahlo. Su dolor físico y emocional se muestran claramente en los lienzos, al igual que su turbulenta relación con su esposo, el compañero artista Diego Rivera, con quien se casó dos veces. De sus 143 pinturas, 55 son autorretratos. La devastación de su cuerpo por el accidente del autobús se muestra con gran detalle en La columna rota. Kahlo se representa casi desnuda, dividida por la mitad, con su columna vertebral presentada como una columna decorativa rota. Su piel está salpicada de uñas. Ella también está equipada con un aparato quirúrgico.
Ampliamente conocida por sus inclinaciones marxistas, Frida, junto con el marxista revolucionario Che Guevara y una pequeña banda de figuras contemporáneas, se ha convertido en un símbolo contracultural del siglo XX y creó un legado en la pintura que continúa inspirando la imaginación y la mente.
Vio su floreciente carrera interrumpida debido a su prematura muerte a los 47 años. Su legado sigue vivo y sigue siendo un ícono de muchos movimientos feministas y políticos.
No.4 Diego Rivera - 1886 – 1957
Diego María de la Concepción Juan Nepomuceno Estanislao de la Rivera y Barrientos Acosta y Rodríguez, conocido como Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Ciudad de México, 1957), fue un destacado pintor mexicano. Sus grandes frescos ayudaron a establecer el movimiento mural en el arte mexicano e internacional.
Mexicano de nacimiento, Rivera pasó una buena parte de su vida adulta en Europa y los Estados Unidos, así como en su hogar en la Ciudad de México. Al principio de su carrera, incursionó en el cubismo y luego abrazó el posimpresionismo, pero su estilo y perspectiva únicos son inmediatamente reconocibles como propios. Estuvo involucrado en el mundo de la política como un marxista dedicado y se unió al Partido Comunista Mexicano en 1922. Recibió al exiliado ruso Leon Trotsky y su esposa en su casa en la Ciudad de México en la década de 1930. Vivió en tiempos inestables y llevó una vida turbulenta, Diego Rivera, ampliamente conocido por sus inclinaciones marxistas, junto con el marxista revolucionario Che Guevara y una pequeña banda de figuras contemporáneas, se ha convertido en un símbolo contracultural del siglo XX y creó un legado en el arte que continua inspirando la imaginación y la mente.
Ayudó a forjar una identidad nacional basada en la mexicanidad. Este orgullo por la identidad mexicana es visible en el arte de Rivera a través de su paleta de colores llamativos y el uso de formas simplificadas influenciadas por el arte maya y azteca. Mientras que algunas de sus obras más conocidas se encuentran en la Ciudad de México, Rivera también pintó extensamente en los Estados Unidos. Su mural Hombre en la encrucijada, fue retirado del Rockefeller Center en Nueva York debido a una imagen de Lenin en el trabajo.
No.5 Pablo Picasso - 1881 – 1973
Pablo Picasso, en su totalidad Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Crispín Crispiniano María Remedios de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso, también llamado (antes de 1901) Pablo Ruiz o Pablo Ruiz Picasso, (nacido el 25 de octubre de 1881, Málaga, España) murió en abril 8, 1973, Mougins, Francia), pintor, escultor, grabador, ceramista y escenógrafo expatriado español, uno de los artistas más grandes e influyentes del siglo XX y el creador (con Georges Braque) del cubismo.
Era un niño prodigio que primero dominó las técnicas clásicas antes de salir por su cuenta para destruir la forma tradicional de crear arte. Su obra es impresionante, ya que produjo aproximadamente 50,000 obras de arte durante su vida entre pinturas, esculturas, cerámicas, dibujos y grabados.
Como uno de los progenitores del cubismo a principios de 1900, evitó la realidad en el arte y tuvo como objetivo representar lo puramente abstracto, algo que no se había hecho de esa manera antes. El cuerpo principal de trabajo de Picasso se divide en períodos bastante distintos, comenzando con el Período Azul, luego el Período Rosa, el Período de influencia africana, el Período del cubismo y el Período del Surrealismo y el Clasicismo.
Debido a que el arte de Picasso de la época de las Demoiselles era de naturaleza radical, prácticamente ningún artista del siglo XX pudo escapar a su influencia. Picasso continuó siendo un innovador en la última década de su vida. Eso condujo a malentendidos y críticas tanto en su vida como desde entonces, y fue solo en la década de 1980 que sus últimas pinturas comenzaron a ser apreciadas tanto en sí mismas como por su profunda influencia en la creciente generación de jóvenes pintores. Como Picasso pudo vender obras a precios muy altos a partir de la década de 1920, pudo conservar la mayor parte de su obra en su propia colección.
No.6 Salvador Dali - 1904 – 1989
Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech, marqués de Dalí de Púbol (Figueras, 11 de mayo de 1904- Figueras, 23 de enero de 1989).
Se le considera uno de los máximos representantes del surrealismo.
Con una carrera que abarcó más de seis décadas, Salvador Dalí es uno de los artistas más influyentes en el arte moderno. Famoso por sus pinturas surrealistas como La persistencia de la memoria, Dalí también fue un prolífico escultor, cineasta, fotógrafo e ilustrador. Incluso creó un libro de cocina basado en las legendarias cenas que él y su esposa Gala organizarían.
Desde temprana edad, Salvador Dalí fue alentado a practicar su arte, y eventualmente estudió en una academia en Madrid. En la década de 1920, fue a París y comenzó a interactuar con artistas como Pablo Picasso, René Magritte y Miró, lo que llevó a la primera fase surrealista de Dalí.
Fur un artista muy imaginativo, con tendencia al narcisismo y la megalomanía, le gustaba atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas. Dalí atribuía su amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental a un autoproclamado linaje arábigo, que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.
A medida que se acercaba la guerra en Europa, específicamente en España, Dalí se enfrentó con miembros del movimiento surrealista. En un "juicio" celebrado en 1934, fue expulsado del grupo.
En 1980, Dalí se vio obligado a retirarse de la pintura debido a un trastorno motor que le causó temblor permanente y debilidad en las manos. Ya no podía sostener un pincel, había perdido la capacidad de expresarse de la manera que mejor sabía. Más tragedia ocurrió en 1982, cuando murió la amada esposa y amiga de Dalí, Gala. Los dos eventos lo enviaron a una profunda depresión. Se mudó a Pubol, en un castillo que había comprado y remodelado para Gala, posiblemente para esconderse del público o, como algunos especulan, para morir. En 1984, Dalí fue severamente quemado en un incendio. Debido a sus heridas, fue confinado a una silla de ruedas. Amigos, mecenas y compañeros artistas lo rescataron del castillo y lo devolvieron a Figueres, haciéndolo sentir cómodo en el Teatro-Museo. En noviembre de 1988, Dalí ingresó a un hospital en Figueres con un corazón que fallaba. Después de una breve convalecencia, regresó al Teatro-Museo. El 23 de enero de 1989, en la ciudad de su nacimiento, Dalí murió de insuficiencia cardíaca a la edad de 84 años. Su funeral se celebró en el Teatro-Museo, donde fue enterrado en una cripta.
Con una personalidad ecléctica y excéntrica que coincidía con su producción artística, continúa capturando la imaginación del público 30 años después de su muerte.
No.7 Fernando Botero - 1932 –
Fernando Botero (colombiano, nacido en 1932) es célebre por sus escenas pintadas y esculpidas con animales y figuras con proporciones infladas, lo que refleja la predilección del artista por la sátira, la caricatura y los comentarios políticos. Nacido en Medellín, Colombia, fue el segundo de tres hijos, su padre, un vendedor ambulante, murió cuando Botero tenía solo cuatro años. Su madre tuvo que trabajar como costurera para mantener a la familia. Después de una temporada en una escuela de matadores, Botero decidió que el arte era su verdadera vocación y en 1948, a los 16 años, tuvo su primera exposición. Tres años después, después de mudarse a la capital de Colombia, Bogotá, fue el anfitrión de su primera exposición individual.
En la década de 1950, viajó a varios países europeos diferentes, incluidos España, Italia y Francia, para estudiar el trabajo de maestros del Renacimiento y el Barroco. También viajó a México para familiarizarse con la actual vanguardia mexicana. Botero se hizo famoso por el variado material fuente que utilizó, desde imágenes folclóricas colombianas hasta obras canónicas de Diego Velázquez, Pablo Picasso y Francisco de Goya.
En sus representaciones de la vida latinoamericana contemporánea, retrata la pobreza y la violencia que prevalecen en Colombia en imágenes sombrías, así como en sus icónicas figuras infladas, imágenes satíricas de presidentes latinoamericanos, primeras damas y funcionarios del gobierno. Una reunión con Dorothy Miller del Museo de Arte Moderno a principios de la década de 1960 resultó ser un punto de inflexión en su carrera; ella adquirió su trabajo en un momento en que la abstracción era el idioma famoso, y luego exhibió su trabajo en una importante exposición en el museo, consolidando su reputación internacional.
En la década de 1970, Botero se mudó a París, donde creó grandes esculturas de figuras con sus formas infladas de la firma. Sigue comprometido con las imágenes de su ciudad natal latinoamericana y con imágenes abiertamente políticas; Sus trabajos recientes incluyen grandes pinturas de prisioneros en Abu Ghraib en un comentario directo sobre la guerra en Irak. Botero ha exhibido su obra en el Museo de Arte Moderno de Copenhague, el Museo Maillol en París, el Palazzo Benezia en Roma, el Museo Hermitage en San Petersburgo y el Museo Nacional en Bogotá. Actualmente vive y trabaja en París, Montecarlo y Nueva York.
Botero tiene ahora 80 años y es tan prolífico como siempre. Un ávido creador, ha producido miles de pinturas y cientos de esculturas y continuará cautivando con su marca personal de personas y objetos. Como dice el propio Botero, "un artista nunca está completo".
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