Hay causas misteriosas por las que grandes obras maestras han inspirado decenas de teorías de conspiración y conjeturas inverosímiles.
En ocasiones los detalles escondidos en dichas pinturas famosas son extremadamente ingeniosos, quizá revolucionarios.
Entre ahora en este fascinante mundo de 10 grandes obras maestras de nuestra historia que guardan sigilosos secretos entre el lienzo y el observador.
Secretos de La Última Cena - Leonardo Da Vinci
La Última Cena es la interpretación visual de Leonardo Da Vinci sobre un evento narrado en los cuatro Evangelios (los libros del Nuevo Testamento cristiano).
La noche antes de que Cristo fuera traicionado por uno de sus discípulos, el maestro los reunió para comer juntos, lavarles los pies y anunciarles lo que ocurriría. Mientras comían y bebían, Cristo les da a los discípulos instrucciones explícitas sobre cómo comer y beber en el futuro, en su memoria. Fue allí que nació la primera celebración de la Eucaristía, un ritual que aún permanece entre los cristianos.
La Última Cena describe los momentos después de que Cristo soltó una bomba, anunciando que un discípulo lo traicionaría antes del amanecer. Los los doce apóstoles reaccionan a la noticia con diferentes grados de conmoción.
Leonardo da Vinci no había trabajado en una pintura tan grande y no tenía experiencia en el medio de los murales bajo la técnica del fresco. La pintura se realizó utilizando pigmentos experimentales directamente sobre la pared de yeso seco y, a diferencia de los frescos, donde los pigmentos se mezclan con el yeso húmedo, la obra no ha resistido bien el paso del tiempo.
Incluso antes de que la obra maestra fuera terminada, la pintura se desprendía de la pared y Leonardo tuvo que repararla. A lo largo de los años la misma se ha derrumbado, siendo también objeto de vandalismo, bombardeada y restaurada. Hoy probablemente estemos viendo muy poco de la obra original.
Si ha leído El código Da Vinci de Dan Brown, sabrá que este mural de Leonardo da Vinci de finales del siglo XV ha sido objeto de mucha especulación.
Brown propuso que el discípulo a la derecha de Jesús es en realidad María Magdalena disfrazada de Juan el Apóstol. También sugiere que la forma de "V" que se forma entre Jesús y "Juan" representa un útero femenino, lo que implica que Jesús y María Magdalena tuvieron un hijo juntos.
Los historiadores del arte, sin embargo, se muestran escépticos ante esta conjetura, que en su momento ganó muchos adeptos. Los críticos sugieren que la apariencia de Juan es femenina simplemente porque a menudo es así como se le representaba.
Pero el músico italiano Giovanni Maria Pala descubrió un mensaje secreto mucho más convincente. Afirma que Da Vinci escondió notas musicales en "La Última Cena" que, cuando se leen de izquierda a derecha, corresponden a un himno de 40 segundos que suena como un réquiem.
En 2007, Pala creó una melodía a partir de las notas que estaban ocultas en la escena. Puede escuchar esta supuesta melodía que Da Vinci dejó escondida aquí.
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Secretos de La Creación de Adán - Miguel Angel (Michellangelo)
"La Creación de Adán" es probablemente el más famoso de los nueve paneles bíblicos que Miguel Ángel pintó en el techo de la Capilla Sixtina. ¿Pero sabía que la escena podría contener la imagen de un cerebro oculto?
Miguel Ángel era un experto en anatomía humana. A los 17 años, el gran artista del Renacimiento tenía un trabajo diseccionando cadáveres en el cementerio de la iglesia. Según los expertos en neuroanatomía Ian Suk y Rafael Tamargo, el pintor colocó algunas ilustraciones cuidadosamente ocultas de ciertas partes del cuerpo en el techo de la Capilla Sixtina.
Si se observa el sudario que rodea a Dios en "La creación de Adán", se verá que Miguel Ángel podría reproducir una ilustración anatómica del cerebro humano.
Suk y Tamargo creen que Miguel Ángel pretendía que el cerebro representara la idea de que Dios estaba dotando a Adán no solo de vida, sino también de conocimiento y la habilidad para razonar.
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Secretos de La Separación de la Luz de la Oscuridad - Miguel Angel
"La Creación de Adán" no fue el único panel de la Capilla Sixtina en el que Miguel Ángel escondiera ilustraciones anatómicas. Según Suk y Tamargo, en "La Separación de la Luz de la Oscuridad", se puede encontrar una representación de la médula espinal humana y el tronco cerebral en el centro del pecho de Dios que conduce a su garganta.
Si bien es posible que el espectador se sorprenda por la cantidad de piel al descubierto que se exhibe en el techo y la pared, originalmente había mucho más en la obra. Poco después de la muerte de Miguel Ángel, el Papa Pablo III ordenó que los genitales de los santos y mártires fueran cubiertos. Se realizaron más de 40 alteraciones cubriendo la desnudez total de las figuras femeninas. El artista elegido (Daniele dal Volterra) sería conocido para siempre como "Il Braghettone", el fabricante de calzoncillos o el pintor de calzoncillos.
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Secretos de Café Terraza por La Noche - Vincent Van Gogh
A primera vista, la pintura al óleo de Vincent van Gogh de 1888 parece que es simplemente lo que describe el título: una pintoresca terraza de café en una colorida ciudad francesa. Pero, en 2015, el experto sobre Van Gogh, Jared Baxter, propuso la teoría de que la pintura es en realidad la versión del artista de "La Última Cena".
Un estudio detallado muestra una figura central con cabello largo rodeada por 12 individuos, uno de los cuales parece deslizarse hacia las sombras como Judas. También hay lo que parecen ser pequeños crucifijos ocultos en toda la pintura, incluido uno sobre la figura central parecida a Jesús.
Una alusión religiosa no estaría demasiado fuera de lugar para Van Gogh. Antes de dedicar su atención a la pintura, el famoso artista holandés había querido "predicar el evangelio en todas partes", y su padre, Theodorus van Gogh, era pastor de una iglesia reformada holandesa. Alrededor de la época en que trabajaba en Cafe Terraza por la Noche, van Gogh le escribió a su hermano, Theo van Gogh, explicándole que tenía una "tremenda necesidad de, diría la palabra, de religión", con referencia directa a la pintura.
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Secretos de El Profeta Zacarías - Miguel Angel
Parte del trabajo de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina puede tener algunos secretos ocultos bastante controversiales. "El profeta Zacarías", por ejemplo, parece un mural del profeta epónimo leyendo un libro mientras dos querubines miran por encima del hombro.
Pero, si se observa de cerca, parece como si uno de los ángeles estuviera "volteando el higo", que es cuando uno pone el pulgar entre el dedo medio y el índice. Básicamente, es la versión antigua de mostrar el dedo medio.
El rabino Benjamin Blech de la Universidad Yeshiva dijo a ABC News: "Esta quizás sea la clave para comprender el coraje de Miguel Ángel, los verdaderos sentimientos de Miguel Ángel hacia el Papa y el hecho de que Miguel Ángel no dudó en presentarnos mensajes que podrían haber sido ofensivos".
También es tangible la sensación de que todo esto es parte de la fantasía de Zacarías. En una habitación llena de imaginaciones, cada ocupante del techo de la Capilla Sixtina parece estar preocupado por algo, el poder de la perspectiva asegura que los mensajes de Zacarías lleguen más lejos.
No es solo el hecho de que él está por encima de la puerta, leyendo de su propio trabajo, lo que se siente como un establecimiento de la agenda de Dios.
Zacarías es quizás de los profetas apocalípticos más interesantes, quien predijo el fin del mundo o, como él preferiría decir, el día del Señor. Miguel Angel hace que Zacarías atrape al espectador con su emblemática figura.
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La Mona Lisa - Leonardo Da Vinci
La obra maestra de Leonardo da Vinci del siglo XV es tal vez una de las obras de arte más reconocidas del mundo, pero hay mucho que observar en aquella sonrisa misteriosa.
En primer lugar, se especula que La Gioconda está embarazada, dada la forma en que sus brazos están colocados sobre su vientre y el velo alrededor de sus hombros, que a menudo usaban las mujeres durante el embarazo en el Renacimiento italiano.
Pero los hallazgos más recientes están en sus ojos. En 2011, el investigador italiano Silvano Vinceti afirmó que encontró letras y números pintados microscópicamente en ellos. Le dijo a Associated Press que la "L" sobre su ojo derecho probablemente representa el nombre del artista.
El significado de la letra "S" que ve en su ojo izquierdo y el número "72" debajo del puente arqueado en el fondo son menos claros. Vinceti cree que la "S" podría referirse a una mujer de la dinastía Sforza que gobernó Milán, lo que significa que la mujer en la pintura puede no ser Lisa Gherardini, como se ha creído durante mucho tiempo.
En cuanto al número "72", Vinceti sostiene que podría deberse a la importancia de los números tanto en el cristianismo como en el judaísmo. Por ejemplo, el 7 se refiere a la creación del mundo, y el número 2 podría referirse a la dualidad entre los hombres y las mujeres.
Otras secretos que La Mona Lisa guarda y que fueron descubiertos recientemente bajo rayos X:
- Existe un encaje escondido en el vestido de La Mona Lisa
- La transparencia del velo muestra que da Vinci primero pintó un paisaje y luego usó técnicas de transparencia para pintar el velo encima.
- La obra pasó por un cambio en la posición del índice y el dedo medio de la mano izquierda.
- El codo fue reparado por daños causados por una piedra arrojada a la pintura en 1956.
- La manta que cubre las rodillas de Mona Lisa también cubre su estómago.
- El dedo izquierdo no estaba completamente terminado.
- Una mancha en la esquina del ojo y la barbilla son accidentes de barniz, lo que contrarresta las afirmaciones de que Mona Lisa estaba enferma.
- Y la Mona Lisa fue pintada en tablero de álamo sin cortar, contrariamente a otras especulaciones.
Secretos de El Retrato de Arnolfini - Jan van Eyck
Cuando se observa por primera vez la pintura al óleo de 1434 de Jan van Eyck, parece simplemente representar al comerciante Giovanni di Nicolao Arnolfini y su esposa.
Pero si observa de cerca el espejo en el centro de la habitación, notará que hay dos figuras entrando en la habitación. Se cree ampliamente que uno de ellos es el mismo Van Eyck. También podrá notar que hay una inscripción en latín con una escritura muy elaborada en la pared sobre el espejo, que se traduce como "Jan van Eyck estuvo aquí. 1434".
El Retrato de Arnolfini, como dice el título, fue revolucionario en su época y la pintura nos continúa fascinando hasta nuestros días. Toda la imagen atrae la atención del espectador hacia detalles que podrían ser un mensaje importante o transmitir un significado velado.
A lo largo de los siglos la obra se ha interpretado como un retrato de dos seres de recién casados, con símbolos típicos de un evento nupcial, comenzando con el símbolo de fertilidad de la posición de embarazada del cuerpo de Constanza, que como se sabe fue solo un capricho del artista. De hecho, la pareja finalmente no tuvo hijos.
Otros símbolos de fertilidad los constituyen la cama y alfombra de color rojo. Los zapatos que estaban en el piso de madera también tenían un significado como obsequio de boda común para una novia de un novio. Las naranjas simbolizan la fertilidad y el amor.
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Secretos de Los Embajadores - Hans Holbein El Joven
La pintura más icónica de Hans Holbein El Joven suele eludir a la interpretación correcta. Jean de Dinteville y Georges de Selve (1533), también conocidos como Los Embajadores, han sido objeto de un intenso escrutinio por los historiadores durante cientos de años. El retrato doble, exhibido con orgullo en la Galería Nacional de Londres, sigue siendo un enigma fascinante dentro del cual cada detalle parece sugerir múltiples significados.
La pintura del artista presenta una ilusión bastante notoria en su base inferior. Si observa la imagen torcida en la parte inferior de la pintura de derecha a izquierda, parece notarse un cráneo anamórfico. Los estudiosos creen que la imagen pretende ser un recordatorio de que la muerte siempre está a la vuelta de la esquina. Cuando la calavera se observa desde la derecha de la imagen, la aparente distorsión de la imagen se corrige.
La pintura es una tradición que muestra a hombres instruidos con libros e instrumentos de trabajo. Los objetos en el estante superior incluyen un globo celeste, un reloj de sol portátil y varios otros instrumentos utilizados para comprender los cielos y medir el tiempo. Entre los objetos del estante inferior hay un laúd, una caja de flautas, un libro de himnos, un libro de aritmética y un globo terráqueo.
Ciertos detalles de la obra podrían interpretarse como referencias a divisiones religiosas contemporáneas. La cuerda rota del laúd, por ejemplo, puede significar algún tipo de discordia religiosa, mientras que el himnario luterano puede ser una súplica por la armonía cristiana.
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Secretos de El Viejo Guitarrista - Pablo Picasso
La inquietante representación de Pablo Picasso de un anciano sosteniendo una guitarra es una de las obras más veneradas de su Período Azul.
Sin embargo, en 1998, los investigadores utilizaron una cámara infrarroja y descubrieron que hay otra pintura debajo de ella, que muestra a una mujer. Ahora que la pintura se está desvaneciendo, es más fácil ver el rostro de la mujer por encima del cuello del anciano.
Una investigación del Instituto de Arte de Chicago y una exhibición de 2001 en el Museo de Arte de Cleveland buscaron descifrar las imágenes entreveradas. Las características más obvias incluyen la cabeza de una mujer mirando hacia la izquierda y un brazo extendido con una mano abierta hacia la derecha. Es muy probable que Picasso originalmente comenzara a pintar un retrato de una mujer, que posiblemente parece estar sentada y de mal humor o preocupación. No se ve gran parte de esta imagen, excepto su rostro y piernas.
El Viejo Guitarrista es probablemente la pintura más emblemática del período azul de Picasso cuando vivía en la pobreza y la confusión emocional. La presencia fantasmal de la imagen misteriosa de la mujer añaden un elemento de misterio a esta gran obra del siglo XX.
Secretos de Madam X - John Singer Sargent
En 1884, John Singer Sargent pintó un riempoetrato de la adinerada socialité parisina Virginie Amélie Avegno Gautreau. Originalmente representó la correa adornada con joyas de su vestido deslizándose en su hombro, pero la obra de arte escandalizó a la sociedad de clase alta de la época.
El artista se vio forzado a pintar las correas, cambiar el nombre de la pintura y mudarse a Londres para evitar el escarnio del público y los críticos.
La pintura, que inicialmente debutó con ese severo desprecio, pero que hoy es atesorada como una obra maestra amada en la historia del arte occidental, es solo un ejemplo de una obra de arte que evolucionó gradualmente de la condena a la celebración.
Gran parte de la recepción inicial de una obra se basa en los gustos de la sociedad, los estándares de etiqueta y los valores de la época, y a medida que estas actitudes cambian a lo largo del tiempo, el público puede comenzar a ver pinturas antiguas con una nueva perspectiva. Madame X de Sargent es quizá uno de los ejemplos más dramático de esta tendencia, no sin antes plantear preguntas intrigantes sobre lo que realmente define la popularidad de una obra de arte, su legado y la fama adquirida.
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Secretos de La Primavera - Sandro Botticelli
Los críticos cuestionan el significado específico detrás de La Primavera, la obra maestra de Sandro Botticelli. Es ampliamente aceptado que, en cierto nivel, la obra de arte es una celebración de la estación de las flores y la fertilidad que trae la temporada.
Por un lado, la pintura de Boticelli tiene delicias secretas para los entusiastas de la horticultura. Los botánicos han identificado al menos 200 especies diferentes de plantas en "Primavera" que se presentan con detalles específicos.
La clave para interpretar la composición de La Primavera en su conjunto podría estar en las fuentes de la pintura, pero no existe un consenso sobre cuáles fueron. Algunas partes parecen provenir de Ovidio, quien escribió sobre Cloris y su transformación, y de Lucrecio, quien en su poema "De rerum natura" tocó algunas de las imágenes que se ven en la pintura. Podría también haber sido inspirado por "Rusticus", un poema que celebra la vida en el campo de Poliziano, un amigo cercano de la familia Medici.
Afortunadamente, nuestro aprecio por la belleza de la pintura trasciende nuestras dificultades para comprenderla. La reciente declaración del curador del Museo Metropolitano de Arte Ian Alteveer sobre la Bandera Blanca de Jasper John podría encajar fácilmente con la Primavera de Botticelli: "Mientras me entusiasmaba con esta obra, me di cuenta de que una obra puede ser inescrutable y que todavía te puede encantar".
En 1893, Aby Warburg, uno de los historiadores más importantes del arte florentino, publicó su innovador estudio sobre la primavera de Botticelli. En su artículo El Nacimiento de Venus y la Primavera de Sandro Botticelli, el estudioso relacionó el significado de la pintura con el Fasti de Ovidio, la Eneida de Virgilio y los textos de Lucrecio y Poliziano. Según Warburg, las tres figuras de la derecha visualizan un pasaje de Fasti y muestran el momento en que Zephyrus secuestra a la ninfa Chloris que se transforma en Flora. Esta fuente, sin embargo, explica solo una parte de la imagen. ¿Y el resto? En referencia a la Eneida, las Odas de Horacio y los escritos de Lucrecio y Poliziano, Warburg vio en la pintura una representación del Jardín de Venus. Según su lectura, las figuras de izquierda a derecha son: Mercurio, las Tres Gracias, Venus con Cupido, Flora, Cloris y Céfiro. La pintura, por lo tanto, representaría el reino de Venus como lo describe Poliziano en su Stanze per la Giostra:
En los versos de Poliziano encontramos a casi todos los protagonistas del cuadro de Botticelli: Venus, Cupido, las Tres Gracias, Céfiro y Flora.
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