Para descubrir las verdaderas raíces y el significado de la abstracción lírica, y comprender cómo interactúan con sus tendencias en el arte, debemos que mirar a los primeros días del arte abstracto.

La abstracción lírica es un término aparentemente simple y, sin embargo, durante generaciones se ha debatido su origen y significado. El coleccionista de arte estadounidense Larry Aldrich utilizó el término en 1969 para definir la naturaleza de varias obras que había recopilado recientemente y que, en su opinión, indicaban un retorno a la expresión personal y la experimentación siguiendo el minimalismo.

Pero el crítico de arte francés Jean José Marchand usó una variación del término, Abstraction Lyrique, décadas antes, en 1947, para hacer referencia a una tendencia europea emergente en la pintura similar al expresionismo abstracto en los EE. UU. Ambos usos del término se referían al arte que se caracterizaba por ser composiciones libres, emotivas y personales ajenas a la realidad objetiva.

Pero esas tendencias pueden rastrearse aún más atrás, al menos hasta la primera década del siglo XX en el trabajo de Wassily Kandinsky. 

La abstracción lírica - primeros pasos

Vassily Kandinsky 1911, Composition No. 4

Aunque se puede decir que el pintor ruso Wassily Kandinsky (1866-1944) fue pionero en la elegante combinación de narrativa, forma y color que es la base de la abstracción lírica, la tendencia surgió en una exposición titulada "L'Imaginaire", que se celebró en la Galerie du Luxembourg en París, en 1947, y que incluyó obras de Hans Hartung, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) y Jean-Paul Riopelle, entre otros.

El término actual "Abstracción Lyrique" fue acuñado por el pintor francés y coorganizador de la exposición Georges Mathieu (1921-2012), mientras que su colega curador Jose-Jean-Marchand escribió que algunas de las obras expuestas mostraban "un lirismo desvinculado de toda servidumbre ... ", lo que significa que las pinturas no fueron derivadas o lastradas por el peso de la teoría intelectual.

Buscando lo lírico en la abstracción lírica

En la década de 1910, varios grupos diferentes de artistas coqueteaban con el concepto de abstracción lírica, cada uno desde una perspectiva única. Los artistas cubistas y futuristas trabajaban con imágenes del mundo real y las modificaban de manera conceptual para expresar ideas abstractas. Los artistas suprematistas y constructivistas estaban trabajando con formas reconocibles en su arte, pero usándolas de manera ambigua o simbólica, o de una manera que intentaba transmitir universalidades.

Pero otro grupo de artistas se acercaba a la abstracción desde una perspectiva completamente diferente a la del resto.

Este grupo, personificado por Wassily Kandinsky, abordó la abstracción desde la perspectiva de que no sabían qué significado podía tener lo que pintaban. Esperaban que simplemente pintando libremente, sin nociones preconcebidas de la estética o del mundo objetivo, se pudiera expresar algo desconocido a través de su trabajo. Kandinsky comparó sus pinturas con composiciones musicales, que comunicaban emociones de una manera completamente abstracta. Sus pinturas abstractas eran imaginativas, emotivas, expresivas, personales, apasionadas y completamente subjetivas; en otras palabras, líricas.

Características de la abstracción lírica: confusión de estilos

"Hombres Encendidos", Taro Okamoto (1955), Museo Nacional de Arte Moderno, Tokyo

En teoría, el Art Informel fue el principal movimiento que abarcó numerosos subestilos y subgrupos, como Forces Nouvelles, CoBrA, Tachisme, Art Brut, Art Non Figuratif y la Abstracción Lírica. Todas estas escuelas eran abstractas o al menos semi-abstractas, todas rechazaban la abstracción geométrica así como el naturalismo y los géneros figurativos. Todos los artistas buscaban crear un estilo de pintura nuevo y espontáneo, libre de teorías pasadas o convenciones presentes. A pesar de todo esto, muchos pintores abstractos de la época fueron miembros de uno o más de estos submovimientos y, como resultado, es casi imposible identificar con autoridad las pinturas que pertenecen a cada uno de estos movimientos.

Abstracción Lírica de posguerra

De Stijl, Medio

La abstracción lírica de Kandinsky contrastó con muchas de las otras tendencias del arte abstracto de las décadas de 1920 y 1930. Su arte no estaba asociado específicamente con ninguna religión, pero había algo abiertamente espiritual en él. Otros artistas asociados con estilos como De Stijl, Art Concrete y Surrealism estaban haciendo arte que era secular y se prestaba a una interpretación académica objetiva. Kandinsky buscaba algo que nunca podría definirse o explicarse por completo. Expresaba abiertamente su conexión personal con los misterios del universo. Fue como si hubiera inventado una especie de existencialismo espiritual.

El existencialismo fue una filosofía que saltó a la fama después de la Segunda Guerra Mundial, cuando las personas luchaban por comprender lo que percibían como el sinsentido de la vida. Los pensadores críticos no podían creer que pudiera existir un poder superior que permitiera el tipo de destrucción que acababan de presenciar. Pero en lugar de volverse nihilistas en la aparente ausencia de dios, los existencialistas intentaron abrirse camino a través del sinsentido general de la vida, buscando un significado personal. Como escribió el autor existencialista Jean-Paul Sartre en su libro El ser y la nada en 1943, “El hombre está condenado a ser libre; él es responsable de todo lo que hace ". La búsqueda de lo que es esencialmente personal fue fundamental para el existencialismo, y también para el resurgimiento generalizado de la abstracción lírica después de la Segunda Guerra Mundial.

Otros nombres asociados a la Abstracción Lírica

A lo largo de las décadas de 1940 y 1950, surgieron una gran cantidad de movimientos de arte abstracto que, de una forma u otra, involucraron la expresión personal subjetiva como base para expresar el significado en el arte. Abstracción Lyrique, Art Informel, Tachisme, Art Brut, Expresionismo abstracto, Color Field art e incluso el arte conceptual y de performance, todos, hasta cierto punto, se remontan a la misma búsqueda existencial general. Uno de los críticos de arte más influyentes de este tiempo, Harold Rosenberg, lo entendió cuando escribió: "Hoy, cada artista debe comprometerse a inventarse a sí mismo ... El significado del arte en nuestro tiempo fluye de esta función de auto-creación".

Pero a medida que la cultura cambió con la siguiente generación, muchas de estas tendencias existenciales en el arte cayeron en desgracia. Y una vez más, un enfoque geométrico, concreto y sin emociones del arte abstracto, personificado por el minimalismo, tomó su lugar.

Pero no todos los artistas abandonaron la tradición lírica. A fines de la década de 1960, la marea había cambiado una vez más. Como lo señaló Larry Aldrich, quien recuperó el término Abstracción lírica en 1969, “A principios de la temporada pasada, se hizo evidente que en la pintura había un movimiento que se alejaba de lo geométrico, lo duro y lo minimalista, hacia lo más lírico, abstracciones sensuales, románticas en colores más suaves y vibrantes… El toque del artista siempre es visible en este tipo de pintura, incluso cuando las pinturas están hechas con pistolas, esponjas u otros objetos ”.

Abstracción lírica contemporánea

Jimenez-Balaguer, detalle

Es evidente que, como suele ocurrir con los movimientos artísticos, las tendencias que definen la abstracción lírica son anteriores a la acuñación del término. En las primeras décadas del siglo XX, artistas como Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautrier, Paul Klee y Wols encarnaron por primera vez las tendencias líricas en la abstracción. Y décadas más tarde, artistas como Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages y Joan Mitchell los llevaron adelante. Luego, a fines de los años sesenta y setenta, artistas como Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Mark Rothko y decenas más revitalizaron y ampliaron la relevancia del puesto.

En 2015 falleció una de las voces más fascinantes de la abstracción lírica contemporánea, el artista español Laurent Jiménez-Balaguer. Pero sus conceptos, teorías y técnicas continúan manifestándose de manera poderosa hoy en día en el trabajo de artistas como Margaret Neill, cuyas composiciones instintivas de líneas líricas entrelazadas invitan al espectador a una participación subjetiva del significado personal y de Ellen Priest, cuyo trabajo da vida a su conversación estética con la música jazz. Lo que une a todos estos artistas en un vínculo común es la búsqueda fundamental de la abstracción lírica: expresar algo personal, subjetivo y emotivo, y hacerlo de una manera poética y abstracta.

Abstracción lírica estadounidense (1960, 1970)

Helen Frankenthaler, Madame Butterfly

Un movimiento que se conoció como abstracción lírica surgió en Estados Unidos durante las décadas de 1960 y 1970, en respuesta al crecimiento del minimalismo y el arte conceptual. Numerosos pintores comenzaron a alejarse de los estilos geométricos, de precisión, de bordes duros y minimalistas, hacia un estilo más armonioso y pictórico, empleando colores ricos y sensuales. Pretendían restablecer los principios estéticos, en lugar de continuar con una iconografía sociopolítica espontánea. Esta forma americana de abstracción lírica se ejemplifica en obras de Helen Frankenthaler (n. 1928) y Jules Olitski (1922-2007), entre otros. Una exposición titulada "Abstracción lírica" ​​se llevó a cabo en el Museo Whitney de Arte Americano, en mayo-julio de 1971.

Durante este período, sin embargo, hubo una serie de variaciones similares del expresionismo abstracto de segunda generación (abstracción pospintorística). Y aunque había claras distinciones teóricas entre Color Field Painting, Hard Edge Painting, Color Stain Painting y Lyrical Abstraction, entre otros, estos puntos de diferencia no son de ninguna manera obvios para el ojo al desnudo.

Pinturas del movimiento Lyrical Abstraction se cuelgan hoy en los mejores museos de arte del mundo.

La abstracción lírica - sentido estético y filosófico

Jean Paul Riopelle

La abstracción lírica no fue una escuela o movimiento específico, más bien una tendencia dentro de Art Informel. Considérenlo un estilo de arte abstracto equilibrado, elegante (a veces animado, a veces relajante) que casi siempre está cargado de contenido extraído del mundo natural.

A menudo es enmarcado por un color suntuoso, su belleza armoniosa y pictórica puede contrastarse con las imágenes duras, angustiadas y disonantes producidas por otros grupos de Art Informel como Cobra o neoexpresionistas recientes.

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