Die vanguardistische Bewegung (Avantgarde)

Der Avant Guarde, ein französischer Begriff, der Avantgarde oder Vorhut bedeutet, wurde ursprünglich verwendet, um die Avantgarde einer Armee zu bezeichnen und erstmals zu Beginn des 19. Jahrhunderts in Frankreich auf die Kunst angewendet.

Auf die Kunst angewendet bedeutet Avantgarde innovativ Kunst, die neue Formen oder Themen einführt oder erkundet.

Der Begriff bezieht sich auf jeden Künstler, jede Bewegung oder jedes Kunstwerk, das mit den Vorgängern bricht und als innovativ und transgressiv gegenüber dem Status quo angesehen wird.  Aufgrund ihrer radikalen Natur und der Tatsache, dass sie die Ideen des künstlerischen Establishments, bestehende Prozesse und Formen herausfordert, hat die Avantgarde oft Widerstand und Kontroversen in der Kunstwelt gefunden.

Der Beginn der Avantgarde

Man kann sagen, dass die Avantgardekunst in den 1850er Jahren mit dem Realismus von Gustave Courbet begann, der stark von den frühen sozialistischen Ideen beeinflusst war. Darauf folgten die nachfolgenden Bewegungen der modernen Kunst, und der Begriff Avantgarde ist mehr oder weniger synonym mit modern.

Einige Avantgardebewegungen, wie der Kubismus, konzentrierten sich beispielsweise hauptsächlich auf die Innovationen der Form, während andere, wie der Futurismus , De Stijl oder der Surrealismus, starke soziale Programme hatten.

Die Entwicklung des Avantgarde

Obwohl der Begriff Avantgarde oder Avantgarde ursprünglich auf die innovativen Ansätze der künstlerischen Schaffung im 19. und frühen 20. Jahrhundert angewendet wurde, ist er auf alle Kunst anwendbar, die die Grenzen der Ideen und Kreativität überschreitet und wird auch heute noch verwendet, um Kunst zu beschreiben, die radikal ist oder die Originalität der Vision widerspiegelt.

Die Vorstellung von Avantgarde weihnt die Idee, dass Kunst hauptsächlich nach der Qualität und Originalität der Vision und Ideen des Künstlers beurteilt werden sollte.

Hauptvertreter der Avantgarde

Aufgrund ihres radikalen Charakters und der Tatsache, dass sie die bestehenden Ideen, Prozesse und Formen herausfordert, gehen Avantgarde-Künstler und Kunstwerke oft Hand in Hand mit Kontroversen. Erforschen Sie die Werke, die Aufsehen erregten.

Kleine Tänzerin, 14 Jahre alt - Edgar Degas

So unschuldig sie uns heute erscheinen mag, die kleine Tänzerin von vierzehn Jahren von Edgar Degas erregte Empörung, als sie 1881 erstmals auf der impressionistischen Ausstellung in Paris gezeigt wurde. Die Figur wurde auf unterschiedliche Weise als "abstoßend" und "eine Bedrohung für die Gesellschaft" beschrieben. Die Kritiker und das Publikum waren verärgert über den Realismus des Werks, aber auch darüber, dass Degas ein provokatives modernes Thema dargestellt hatte... die Tänzerinnen wurden als Teil der unappetitlicheren Seite des Shows angesehen und wenig mehr als Prostituierte.

Flasche und Fische - Georges Braque (Kubismus)

Um 1907 entwickelten Pablo Picasso und Georges Braque einen neuen und revolutionären Malstil, der Alltagsgegenstände, Landschaften und Menschen in geometrische Formen transformierte. Der Kubismus ebnete den Weg für viele Stile der abstrakten Kunst des 20. Jahrhunderts, aber der Name der Bewegung stammt von der spöttischen Antwort eines Kritikers, der eines von Braques Landschaftsbildern als "kubistische Merkwürdigkeiten" beschrieb.

Picasso und Braque entwarfen und entwickelten den Kubismus, aber auch andere Künstler übernahmen den Stil, insbesondere Fernand Leger, Albert Gleizes und Louis Marcoussis. Von ihrem Pariser Epizentrum aus verbreiteten sich die kubistischen Ideen schnell und prägten den Weg der russischen Avantgarde, des italienischen Futurismus und des deutschen Expressionismus unter anderem tief. In den folgenden Seiten präsentieren wir eine spezielle Auswahl von bedeutenden Arbeiten aus den verschiedenen Avantgardebewegungen, die durch das Prisma des Kubismus berührt wurden.

Das Lunch der Ruderer - Renoir

Obwohl die impressionistische Kunst vielleicht nicht als avantgardistisch nach zeitgenössischen Standards erscheinen mag, war die Bewegung in ihrer Zeit revolutionär. Abgelehnt vom traditionellen Salon von Paris, bevorzugten Maler wie Claude Monet , Edgar Degas und Pierre-Auguste Renoir Landschaften und Szenen des täglichen Lebens über die akzeptierten historischen und mythologischen Themen. Sie brachen auch mit der Tradition, indem sie aus dem Atelier hinausgingen und im Freien malten.

Porträt von Madame Matisse, Henri Matisse (Fauvismus)

Der Impressionismus löste eine Welle von Künstlern und innovativen Stilen aus. Unter ihnen war eine kurze, aber mächtige Bewegung namens Fauvismus . Mitbegründet von den französischen Künstlern Henri Matisse und André Derain, zeichnet sich der Stil von les Fauves, oder "die wilden Tiere", durch eine Palette aus gesättigten Farben, dicke Pinselstriche und vereinfachte Formen aus, die oft fast abstrakt sind. Der Fauvismus fungierte als Übergangszeit für viele mit ihm assoziierte Künstler, insbesondere Matisse und Georges Braque. Nach dem Ende im Jahr 1910 nutzten diese Figuren ihre fauvistische Erfahrung, um neue Projekte zu starten und in neue Perioden einzutreten.

Dynamik eines Hundes an der Leine, Giacomo Balla (Futurismus)

Gegründet im Jahr 1909, war der Futurismus eine Avantgardebewegung, die Innovation, Technologie und Verkehr umarmte, alle Komponenten der Zukunft, die nach dem Ersten Weltkrieg entstanden. Ein markantes Merkmal der futuristischen Kunst ist die Darstellung von Geschwindigkeit und Bewegung. Insbesondere hielten sie sich an die Prinzipien des "universellen Dynamismus", was bedeutete, dass kein einzelnes Objekt von seinem Hintergrund oder einem anderen Objekt getrennt ist. Der italienische Bildhauer und führende futuristische Künstler Umberto Boccioni erklärte die Bewegung: “Wir synthetisieren jeden Moment (Zeit, Ort, Form, Farbton) und so malen wir das Bild”.

Die Persistenz der Erinnerung, Salvador Dalí (Surrealismus)

Der Surrealismus ist ein hochgradig experimentelles Genre, das auf den Prinzipien des Unterbewusstseins basiert, die aus einer literarischen Technik namens Automatismus stammen. Dieser Bruch mit der Realität gab Surrealisten wie René Magritte, Salvador Dalí und Man Ray eine völlige kreative Freiheit, da sie sich nicht mehr nach akademischen Prinzipien richteten. Die traumhafte Kulisse ihrer Kunst kombiniert realistische Darstellungen fantastischer Themen. Die Surrealisten waren auch dafür bekannt, in viele Kunstformen einzutauchen, von Malerei und Skulptur bis hin zu Fotografie und Film.

Schwarze Bohne - Andy Warhol

In den späten 60er Jahren als Führer der Avantgardekunst in den Vereinigten Staaten anerkannt, mit Interessen in der Malerei, Grafik, Videoart, Filmproduktion, Skulptur, Assemblage und Konzeptkunst, verwendete Warhol moderne kreative Methoden wie Siebdruck , um ikonische Porträts von Prominenten wie Elvis Presley und Marilyn Monroe zu produzieren. Er verwandelte Stars in Objekte der modernen Kunst und wurde dabei selbst, der Künstler, zu einem Star. Dies gab ihm Zugang zu einer Reihe exklusiver sozialer Kreise mit Intellektuellen, Medienmagnaten, Hollywood-Schauspielern und anderen wohlhabenden Sponsoren. Er verwendete auch moderne Produktionsmethoden und beschäftigte eine Vielzahl von Assistenten in seiner New Yorker Werkstatt, die als "Fabrik" bekannt war. Seit seinem frühen Tod 1987 war Warhol Gegenstand zahlreicher Retrospektiven weltweit sowie von Dokumentarfilmen, Büchern und Artikeln. In den letzten Jahren ist Warhols Kunst zusammen mit den Arbeiten des Surrealisten Francis Bacon zu den meistgesuchten Beispielen von frühzeitiger postmoderner Kunst.

Obwohl die Idee von Avantgarde eine Besorgnis um das Öffnen neuer Wege suggeriert, spiegelt dies in fast allen Fällen kein unabhängiges Interesse an Neuheiten wider, sondern beruht auf dem Wunsch, einen klareren Eindruck von der "Realität" zu vermitteln. Für Gustave Courbet bedeutete dies, die harten Arbeitsleben darzustellen, die aus der akademischen Leinwand verbannt wurden; für die Impressionisten bedeutete es, die Effekte des Lichts auf die Retina im Moment der Wahrnehmung zu erfassen; für die Konstruktivisten bedeutete es, die unsichtbaren wissenschaftlichen Kräfte darzustellen, die unter der Oberfläche der sichtbaren Realität wirken. Aber in allen Fällen war das zugrunde liegende Ziel der Wunsch, die Realität auf eine neue und präzise Weise darzustellen.

Die Idee von Avantgarde war traditionell zwei Interpretationen unterworfen. Einerseits wird sie als untrennbar mit einem radikalen sozialen oder politischen Programm verbunden angesehen, so dass transgressiver Kunst als Vehikel für transgressive soziale und politische Aktivitäten dient. Andererseits wurde die Avantgardekunst als das Reich reiner stilistischer Experimentation angesehen, frei von sozialen Sorgen jeglicher Art. Diese beiden Definitionen haben ihre eigenen Chronologien, Hierarchien und Begleitkritiken, die oft überraschend im Widerspruch zueinander stehen.
Die Geburt der Avantgarde war auch die Geburt der Idee von "Anti-Kunst": dass Kunst ihren Wert teilweise darauf basieren konnte, bestehende Vorstellungen von künstlerischem Wert zu untergraben, zu unterminieren oder sich darüber lustig zu machen. Von den Impressionisten, mit ihren schnellen und lockeren Pinselstrichen, bis zu Marcel Duchamp mit seinen Readymades, hat die Avantgarde-Kunst immer einen Teil ihrer Wirkung aus ihrer offensichtlichen Geringschätzung für bestehende Normen und ihrer Fähigkeit, einen Eindruck von Nicht-Kunst, sogar von Hässlichkeit zu erzeugen, gewonnen. 

KUADROS ©, ein berühmtes Gemälde an deiner Wand.