Art Deco er en populær designstil i 1920 og 1930 årtier, især kendetegnet ved elegant geometriske eller stiliserede former og ved brug af mennesker -fremstillede materialer.
Egenskaberne ved Art Deco -stilen stammer fra Frankrig midt i og i slutningen af 1910ene 1930'erne.
De karakteristiske træk ved Art Deco afspejler beundring for maskinens modernitet og af de designkvaliteter, der er forbundet med objekterne, der er foretaget af Machine, for eksempel relativ enkelhed, planaritet, symmetri og ufravigelig gentagelse af elementer. Art Deco -objekter udviser ofte enkle og rene former, normalt med et "stiliseret" udseende; Geometrisk eller stiliseret ornament fra figurative former såsom blomster, dyr og solstråler; og brugen af mennesker -fremstillede stoffer, herunder plast, vitaminglas og armeret beton, ofte kombineret med naturlige materialer såsom jade, sølv, elfenben og krom.
Art Deco - Plakat
Blandt Art Decos formative påvirkninger er Art Nouveau, Bauhaus, Cubism og Russes Ballets af Serge Diaghilev. Art Deco -udøvere fandt også inspiration i kilderne til de amerikanske indianere, egyptere og tidlige klassikere såvel som i naturen.
Ligesom Art Deco er Art Nouveau en dekorativ stil, der gælder for medier som arkitektur, interiørdesign, smykker og illustration. Begge stilarter var populære i Europa og USA, men Art Nouveau blomstrede før mellem 1890 og 1910.
Til gengæld nåede Art Deco sit højdepunkt i slutningen af 1920'erne og begyndelsen af 1930 Capults of Flowers, Vine Tendrils, Insect Wings og andre delikate naturlige genstande. Art Deco fejrede på den anden side den moderne maskine og fremmede geometriske linjer og elegante former.
Dens største forskel med Art Nouveau er påvirkningen af kubismen, der giver Art Deco -design en mere fragmenteret geometrisk karakter. Imidlertid forblev billeder baseret på planter og svage kurver i nogle Art Deco -design, for eksempel for Clarice Cliff i Storbritannien. Art Deco var meget varieret i dens påvirkninger, inspireret af gammel egyptisk kunst, aztekisk kunst og anden gammel centralamerikansk kunst, samt i designet af moderne skibe, tog og biler. Det blev også inspireret af den moderne arkitektur og design af Bauhaus og arkitekter som Le Corbusier og Mies Van de Rohe.
Art Deco afledte sit navn fra udstillingen Internationale des Arts Decoraratifs et Industries Modernes, der blev afholdt i Paris i 1925, hvor stil først blev udstillet. Art Deco -designet repræsenterede modernisme blev til mode. Deres produkter omfattede både luksusartikler, der individuelt fremstilles som masseproducerede artikler, men under alle omstændigheder var intentionen at skabe en elegant og antitradiktionel elegance, der ville symbolisere rigdom og raffinement.
Størstedelen af de fremtrædende skabere af Art Deco designede artikler lavet i hånden eller begrænset udgave. De inkluderede møbeldesignere Jacques Ruhlmann og Maurice Dufrène; arkitekten Eliel Saarinen; Goldsmith Jean Puiforcat; designeren af smykker og krystaller René Lalique; Modedesigneren erté; Kunstnerne-Murms Raymond Templer, HG Murphy og Wiwen Nilsson; og Chiparus figurativ billedhugger.
Art Deco- Jacques Ruhlmann møbler
Art Deco del Opberes Jean Puiforcat
Tidlig Art Deco
I slutningen af det 19. århundrede i Frankrig anerkendte mange af kunstnerne, arkitekter og bemærkelsesværdige designere, der havde spillet en vigtig rolle i udviklingen af Art Nouveau -stilen, at det blev mere og mere moderigtigt. I slutningen af et århundrede, hvor den industrielle revolution etablerede sig, blev det moderne liv meget forskelligt fra et par årtier før. Det var tid til noget nyt, noget der udbryder "det tyvende århundrede" fra modernistisk og god smag.
Society of Decorative Artists of France
Fra dette ønske om at bevæge sig mod det nye århundrede til passagen af innovation i stedet for at blive stoppet af nostalgi, dannede en gruppe franske kunstneriske innovative en organisation kaldet Societé des Artistes Décoralateurs (Society of Decorative Artists). Gruppen var sammensat af anerkendte figurer som Art Nouveau Eugene Grasset og arkitekt Art Nouveau Hector Guimard sammen med nye dekorative kunstnere og designere som Pierre Chaareou og Francis Jourdain. Den franske stat støttede og opmuntrede denne retning af kunstnerisk aktivitet.
Art Deco - Society of Decorative Artists
Et af hovedmålene for den nye gruppe var at udfordre den hierarkiske struktur af den visuelle kunst, der henviser til dekorative kunstnere til en status mindre end de mest klassiske midler til maleri og skulptur. Jourdain er citeret berømt: "Derfor besluttede vi at returnere den dekorative kunst, diskonsvisende behandlet som en Askepott eller en fattig slægt Tiderne og til enhver tid "af Globe -landene".
Planen for en fantastisk udstilling, der præsenterede en ny type dekorativ kunst, blev oprindeligt udtænkt i 1914, men måtte suspenderes indtil efter den første verdenskrig var forbi og derefter blev forsinket af flere grunde indtil 1925.
Udstillingen, der officielt lancerede Art Deco -bevægelsen
Den franske regering, der var vært for udstillingen mellem esplanaden af Les Invalides med en gylden kuppel og indgangene til Petit Palais og Grand Palais på begge sider af Sena -floden, kæmpede for at vise den nye stil. Mere end 15.000 kunstnere, arkitekter og designere udstillede deres arbejde i udstillingen. I løbet af de syv måneder af udstillingen turnerede mere end 16 millioner mennesker de mange individuelle udstillinger. Denne udstilling var katalysatoren for begyndelsen af bevægelsen.
Art Nouveau og Art Deco
Art Deco var en direkte og filosofisk direkte reaktion på Art Nouveau -stilen og det bredere kulturelle fænomen af modernismen. Art Nouveau begyndte at blive moderigtigt under første verdenskrig, da mange kritikere mente, at de udviklede detaljer, delikate design, ofte dyre materialer og stilproduktionsmetoder ikke tilpassede sig en moderne, ustabil, ustabil verden og mere og mere bearbejdet. Mens Art Nouveau -bevægelsen afledte sine indviklede og stiliserede former for natur og ophøjede dyderne ved, hvad der blev gjort for hånd, understregede den kunstdeko -æstetik aerodynamik og elegant geometri i maskinens æra.
Art Deco og Modernism
Udstillingen Internationale samlet fungerer ikke kun i Art Deco -stilen, men placerede også kunsthåndværkere i nærheden af eksempler på avant -garde -malerier og skulpturer i stilarter som kubisme, konstruktivisme, Bauhaus, Stijl og futurisme. I 1920'erne var Art Deco et frodigt kontrapunkt, men stort set konventionel, den mest hjerne æstetik Bauhaus og Stijl. De tre delte en vægt på rene og stærke linjer som et organiserende designprincip. Art Deco -udøvere vedtog teknologisk innovation, moderne materialer og mekanisering og forsøgte at understrege dem i den generelle æstetik i selve stilen. Udøverne lånte og lærte også af andre modernistiske bevægelser. Art Deco blev overvejet af fans, der var ajour med de fremtidige perspektiver fra moderne avant -garde -bevægelser. Ironisk nok spillede modernistisk maleri og skulptur en sekundær rolle i udstillingen med de få undtagelser fra den sovjetiske pavillon og Esprit Nouveau -paviljongen af Le Corbusier.
Art Deco efter den store depression
Begyndelsen af den anden fase af Art Deco faldt sammen med begyndelsen af den store depression. Stramhed kunne faktisk være central æstetik af både pragmatiske og konceptuelle grunde til denne anden udvikling af Art Deco. Mens Art Deco -arkitektur for eksempel havde været orienteret lodret med skyskrabere, der steg til store højder, symboliserede senere Art Deco -bygninger med deres ydre uden ornamenter, elegante kurver og vandrette vægt robusthed, stille værdighed og modstand. I de værste år med økonomisk katastrofe, fra 1929 til 1931, gik den amerikanske art deco fra at følge tendenser for at etablere dem.
Streamline Modrne
Streamline Modrne blev den amerikanske fortsættelse af den europæiske Art Deco -bevægelse. Ud over den seriøse økonomiske og filosofiske påvirkning, den æstetiske inspiration til den første strømline Modrne i begyndelsen af -Siglo XX.
Art Deco - Streamline Modrne
Kunstnerne og arkitekterne af den nye objektivitet blev inspireret af den samme type nøgterne pragmatisme, der tvang forsvarerne af Streamline Modrne til at eliminere overskridelser, herunder følelsesmæssigheden af ekspressionismen. Arkitekterne for den nye objektivitet koncentrerede sig om at producere strukturer, der kunne betragtes som praktiske, såsom en afspejling af det virkelige livskrav. De foretrak, at deres design tilpasser sig den virkelige verden i stedet for at få andre til at tilpasse sig lidt praktisk æstetik. Med henblik herpå var nye objektivitetsarkitekter endda pionerer inden for præfabrikationsteknologi (hjælper med hurtigt og effektivt at huse Tysklands fattige).
Jeg blottet for ornamenter, den strømline moderne arkitektur havde rene kurver, lange vandrette linjer (inklusive Windows -bånd), glassten, ox øjenstilvinduer og cylindriske former og undertiden nautiske. Mere end nogensinde var der vægt på aerodynamik og andre udtryk for moderne teknologi. De dyreste og ofte eksotiske materialer i Art Deco blev erstattet af beton-, glas- og kromhardware i Streamline Modern. Farven blev brugt i moderation, da hvidlig, beige og jordfarver erstattede de mest livlige farver i Art Deco. Stilen blev først introduceret i arkitektur og udvidet derefter til andre genstande, svarende til den traditionelle Art Deco -stil.
Art Deco er tilbageholdt med tilbagevirkende kraft
Oprindeligt blev udtrykket "Art Deco" brugt pejorativt af en berømt detractor, den modernistiske arkitekt Le Corbusier, i artikler, hvor han kritiserede stilen for sin ornamentik, en egenskab, som han betragtede som unødvendig i moderne arkitektur. Mens stilforsvarere anerkendte ham som en modernistisk og forenklet reaktion på overdreven ornamentik, især sammenlignet med hans øjeblikkelige forgænger, Art Nouveau, da enhver dekoration var overflødig for Le Corbusier. Det var først i slutningen af 1960'erne, hvor interessen i stil blev genoplivet, at den britiske historiker og kritiker Bevis Hillier brugte udtrykket "Art Deco" på en positiv måde.
Art Deco i USA
I USA udviklede modtagelsen af Art Deco -bevægelsen i en anden bane. Herbert Hoover, den amerikanske handelssekretær. På det tidspunkt besluttede han, at amerikanske designere og arkitekter ikke kunne udstille deres arbejde i den internationale udstilling, fordi det argumenterede for, at landet stadig var nødt til at forestille sig en klart amerikansk kunststil, der var tilfredsstillende " Nyt nok. " Som et alternativ sendte han en delegation til Frankrig for at evaluere tilbudene i udstillingen og derefter anvende det, de så på en moderne amerikansk kunstnerisk og arkitektonisk stil. I kontingenten af æstetiske udsendere sendt af Hoover, vigtige figurer fra American Institute of Architecture, blev Metropolitan Museum of Art og New York Times inkluderet. Missionen inspirerede en næsten øjeblikkelig boom af kunstnerisk innovation i USA.
I 1926 turnerede en mindre version af den franske messe kaldet "En udvalgt samling af genstande fra den internationale udstilling af moderne, industriel og dekorativ kunst" mange amerikanske byer. Uu. Såsom New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis , Boston, Minneapolis. og Philadelphia. De amerikanske verdensmesser i Chicago (1933) og New York City (1939) fremhævede Art Deco Designs, mens Hollywood adopterede æstetik og gjorde det glamorøst i hele landet. Selv amerikanske virksomheder som General Motors og Ford byggede pavilloner på New York World Fair.
Art Deco - World Fair i New York
Blandt de bedst kendte eksempler på den amerikanske art deco -stil er skyskrabere og andre store bygninger. Faktisk er Art Decos amerikanske iteration i bygningsdesign blevet kaldt Zigzag Modern for sine vinkel- og geometriske mønstre som uddybede arkitektoniske facader. Imidlertid er den amerikanske art deco generelt ofte mindre dekorativ end sin europæiske forgænger. Ud over rene linjer og stærke kurver, dristige geometriske former, intense farver og undertiden luksuriøs ornamentik, er den amerikanske version enklere. Som vigtige påvirkninger som den nye objektivitet og den internationale arkitekturstil såvel som de alvorlige økonomiske tilbageslag i slutningen af 1920'erne og begyndelsen af 1930'erne, begyndte de at påvirke Art Deco -æstetik, stilen blev meget mindre luksuriøs.
Art Deco - Zig Zag Modern
Den amerikanske Art Deco -stil blev udviklet som en fejring af teknologisk udvikling, herunder masseproduktion, og en tro, der blev genoprettet i social fremgang. I det væsentlige kunne disse resultater betragtes som en afspejling af national stolthed. I 1930'erne under Works Progress Administration (WPA) af Roosevelt var mange af de værker, der blev oprettet, Art Deco, fra kommunale strukturer som biblioteker og skoler til masse offentlige vægmalerier. WPA havde til hensigt at øge post -krigsøkonomien gennem oprettelse af job i offentlige arbejder og forsøgte at tjene samfundet gennem oprettelse af job og indføre amerikanske værdier inden for design. Brugen af amerikansk art deco bragte et udtryk for demokrati gennem design. Nogle materialer, der ofte blev brugt i art deco -skabelsen, var dyre og var derfor uden for den gennemsnitlige mands rækkevidde. Imidlertid gjorde brugen af nye eller lave omkostningsmaterialer det muligt at fremstille en lang række overkommelige produkter og bragte derfor skønhed til den offentlige sfære på en ny måde.
Global vækst af art deco
Art Deco -stilen blev styrket i verdenshovedstæder så forskellige som Havana, Cuba, Mumbai og Yakarta. Havana har et helt kvarter bygget i Art Deco -stil. London Underground Rail System indeholder stort set stilen. Havnen i Shanghai indeholder mere end halvtreds art deco -strukturer, hvoraf de fleste blev designet af den ungarske Laszlo Hudec. Fra krigsmonumenter til hospitaler har byer så fjerne som Sydney og Melbourne i Australien også optaget den fænomenale stil.
Art Deco - Laszlo Hudec
De vigtigste visuelle egenskaber ved Art Deco er afledt af den gentagne anvendelse af lineære og geometriske former, der inkluderer trekantede former, i zigzag, trapezoidal og med Chevrons mønster. Ligesom sin forgænger, Art Nouveau, når genstande som blomster, dyr eller menneskelige figurer er repræsenteret, er disse stiliserede og forenklede meget for at bevare den generelle æstetik af Art Deco. Arten og omfanget af stilisering og forenkling eller forenkling varierer afhængigt af den regionale iteration af stilen. F.eks betragtes som gode repræsentationer af Deco -stilen.
Art Deco - Atlas de Lee Lawrie i Rockerfeller -bygningen
I henhold til bevægelsen af bevægelsen i moderne teknologi udnyttede kunstnere og designere Art Deco moderne materialer som plast, Baquelita og rustfrit stål. Men når der var behov for et strejf af rigdom og forfining, inkorporerede designere mere eksotiske materialer såsom elfenben, horn og zebrahud. Som med Art Nouveau og kunst- og håndværksbevægelser, blev Art Deco -stilen meget mindre anvendt på former for udtryk for visuel kunst traditionelt af den højeste rang: maleri og skulptur.
Art Deco Design
Art Deco -stil udøvede sin indflydelse på grafisk kunst på en måde, der afslører indflydelsen af italiensk futurisme med sin kærlighed til hastigheden og tilbedelse af maskinen. Futuristiske kunstnere brugte linjer til at indikere bevægelsen, kendt som "hastighedsstor", der kom ud af hjulene på biler og hurtige -bevægelsestog. Derudover brugte Art Deco -udøvere parallelle linjer og koniske former, der antyder symmetri og aerodynamik. Typografien blev påvirket af den internationale indflydelse fra Art Deco, og typerne af Bifur, Broadway og Peignots skrifttype husker stilen.
Art Deco - Fuente Bifur
Med hensyn til billeder minder enkle former og store solide -farver -områder japanske trægraveringer, som var blevet en vigtig kilde til indflydelse for vestlige kunstnere, især i Frankrig, efter afslutningen af den isolationistiske periode Edo i 1868. Den efterfølgende tilstrømning af Japans Kunst til Europa havde en enorm indflydelse. Især fandt kunstnere i den formelle enkelhed af trægraveringer en model for at skabe deres egne markante moderne stilarter, startende med impressionisten.
Art Deco møbler
Indtil slutningen af 1920'erne bestod designet af avant -garde -møbler i Frankrig hovedsageligt af variationer i Art Nouveau -stilen, men forenklet og mindre krumme. Efterhånden som årtiet skred frem, opstod Émile-Jacques Ruhlmann som den vigtigste møbeldesigner (Ruhlmann havde sin egen pavillon i 1925-udstillingen). Selvom hans design hovedsageligt blev inspireret af stykker af det 18. århundrede produceret i den neoklassiske stil, eliminerede han meget af ornamentikken, mens han brugte eksotiske materialer, der foretrækkes af designerne Art Nouveau, såsom mahogani, ibenholt, palisandro, elfenben og skildpadde skal. Naturligvis var deres stykker ofte for dyre for nogen til at erhverve dem, undtagen for de rigeste.
I modsætning til de luksuriøse design af Ruhlmann, der så ud til at være på hesteryg blandt Styles Art Nouveau og Art Deco, var den bestemt Art Deco -møbeldesigner i Frankrig Jules Leleu. Han havde været en traditionel designer, indtil den nye stil erstattede Art Nouveau og er kendt for designet af den store spisestue i Elysium Palace i Paris og de luksuriøse hytter på den første klasses dæk af den elegante Normandie Steamboat.
Art Deco - Jules Leleu møbler
I modsætning til Leleu og Ruhlmann var Le Corbusier en forsvarer af en meget lille version og uden ornamenter af Art Deco -stilen, hvilket ofte skabte tilstrækkelige møbler til de stramme interiører i deres egne arkitektoniske strukturer. Hans intention var at designe prototyper, især stole, som kunne produceres af masse og derfor var overkommelige for et AMP -marked
rod. Det skal også bemærkes, at interiørdesignet af Donald Deskey fra det berømte interessested i New York City, City Music Hall, er et glimrende eksempel på design af amerikanske art deco -møbler, der stadig forbliver intakt i sin oprindelige form i til stede.
Art Deco - Le Corbusier møbler
Art Deco Architecture
Art Deco -arkitektur er kendetegnet ved hårde kantdesign, ofte rig pyntet, fremhævet af skinnende metaldetaljer. Mange af disse bygninger har en lodret vægt, bygget med den hensigt at tiltrække opmærksomhed. Rektangulære former, ofte i blokke, er geometrisk arrangeret med tilsætning af nåle på taget og/eller buede dekorative elementer for at give en aerodynamisk effekt. New York skyskrabere og Miamis pastelfarvede bygninger er blandt de mest berømte amerikanske eksempler, selvom stilen blev implementeret i en række strukturer over hele verden.
I USA hjalp Works Progress Administration arkitekturen Art Deco med at generalisere. Interessant nok er fusionen af klassisisme Art Deco og Beaux-Arts set i mange offentlige værker af depressionen kendt som PWA Modrne eller Moderne depression.
Art Deco PWA Moderne - Moderne depression
Efterfølgende udvikling: Efter Art Deco
Art Deco gik ud af stil i årene med 2. verdenskrig i Europa og Nordamerika med sparepolitikken i krigstidspunktet, der gjorde stilen mere og mere slående og dekadent. Metallerne kom sig til at bruge dem i opførelsen af våben i stedet for at dekorere bygninger eller indvendige rum. Møblerne blev ikke længere betragtet som statusobjekter. Andre teknologiske fremskridt muliggjorde en billigere produktion af grundlæggende forbrugsartikler, der eliminerede behovet og populariteten af Art Deco -designere.
En bevægelse, der på mange måder forsøgte at bryde med fortiden, er nu blevet en klassiker, der genererer suveræn nostalgi og huskes med kærlighed. Siden 1960'erne har der været en konstant og kontinuerlig interesse i stil. Du kan se Art Deco -ekko i det moderne design af midten af århundredet, der udfører den aerodynamiske æstetik af Deco og gennemgår Bauhaus rene enkelhed. Deco hjalp også med at inspirere Memphis Group, et design- og arkitekturbevægelse, der var centreret om Milano i løbet af 1980'erne. Memphis var også baseret på popkunst og kitsch som kilder til deres farverige og bevidst postmoderne design.
Kuadros ©, en berømt maling på din væg.
