Gå til indhold
Las 10 Pinturas Abstractas Más Famosas

Hvad er de mest berømte abstrakte malerier i historien? I dette indlæg løser vi det spørgsmål og udvider vores kollektive viden om den fascinerende abstrakte kunst.

I det tidlige tyvende århundrede blev der skabt en stor mængde berømt abstrakt kunst, og de fleste af disse kunstværker nævnes stadig i dag. Når man overvejer disse eksempler på abstrakt kunst, har visse kunstværker formået at udmærke sig og få stigende popularitet, når tiden går.

Mens der er mange flere kunstværker, der kan inkluderes, når vi overvejer de mest berømte abstrakte malerier gennem tidene, har vi valgt de ti bedste abstrakte malerier til at tale nedenfor.

Dette er de 10 mest berømte abstrakte kunstværker. 

Nr. 1 uden titel, første abstrakte akvarel -Wassily Kandinsky

Første abstrakte akvarel - Kandinsky

I betragtning af pioneren inden for abstrakt kunst blev den russiske kunstner Wassily Kandinsky let anerkendt som det mest ikoniske medlem af hele bevægelsen. Kandinsky, der kaldes "far til abstrakt kunst", malede nogle af de første værker inden for genren, herunder den, der blev sagt at være det første sande kunstværk i perioden med abstrakt kunst. Arbejdet med den pågældende kunst, som han malede i 1910, var uden en titel (første abstrakte akvarel).

Denne maling blev lavet med akvarel og kinesisk blæk med en let brug af blyant nedenunder. Det var en af ​​Kandinskys mest kendte akvareller.

I titel - Første abstrakte akvarel Vi finder en god burst af farve, som det findes i de fleste af sine malerier, men brugen af ​​akvareller i stedet for olier efterlader en synlig anderledes færdig, der gør dette arbejde interessant og ganske unikt for sin produktion i 1910. Arbejdet synes tæt på at være Fuldført hurtigt, hvilket er typisk for denne kunstform, da maling tørrer meget hurtigt. Han arbejder også udtrykkeligt uden at bekymre sig for meget om præcision, men fokusere mere på valget af farver og fylde lærredet med forskellige former og linjer. Det var virkelig abstrakt, og dette var noget, der dukkede op mere og mere, da han gik videre i sin karriere, da han flyttede mere og mere væk fra virkeligheden på de måder, han brugte.

Kandinsky specialiserede sig i olier, men arbejdede med akvareller fra tid til anden. Jeg ville have fundet dette lette midler til at arbejde og noget, der også tilpassede sig godt til de hurtige studiestykker, hvor jeg forsøgte at forstå designet til et fremtidig stykke. Han brugte også litografier, xylografer og ætsning på andre tidspunkter, især i de tidlige stadier af sin karriere, da han var særlig eksperimentel.

I samarbejde med akvareller kunne Kandinsky afslutte dette maleri på kun tre dage. På trods af hans hast gennemførte Kandinsky imidlertid adskillige undersøgelser for dette kunstværk, før han startede den endelige sammensætning. Det, der sluttede sig til den hastighed, der kan fortolkes i titlen, var hans farvevalg, da Kandinsky han genialt valgte farver, at han vidste, at de trofast ville repræsentere hans følelser på det tidspunkt. De linjer og former, der også blev trukket og understregede og understregede det kaos og presserende, der opleves for at se dette maleri.

Abstraktion demonstreres også tydeligt inden for dette kunstværk gennem de løse og vage linjer repræsenteret, hvilket vækkede en betydelig interesse mellem det kunstneriske publikum på det tidspunkt. Der findes ingen titel som en vigtig anstifter af den abstrakte kunstbevægelse, da det var første gang, at noget fjernt adskilt og uden begrænsninger blev accepteret som et passende tema inden for kunstværker på det tidspunkt. Ingen titel Det markerede et afgørende punkt inden for europæisk kunst, såsom afgang af traditionelle kunstværker mod mere abstrakte og uhæmmede kunstværker.

Perioden mellem 1910 og 1914 blev betragtet som toppen af ​​Kandinskys karriere og toppen af ​​hans største kunstneriske resultater. Derfor, uden en titel, eksisterede den som et af de første kunstværker, der åbenlyst kasserede alle henvisninger til genkendelige former og fremkom fra de begrænsninger, der stilles til konventionerne om repræsentation af Vesteuropa -maleriet.

Denne opfattelse af total frihed fortsatte med at indtage et fremtrædende sted i de fleste af de værker, der blev oprettet af Kandinsky i denne periode.

Nr. 2 voksen alder nr. 7 - Hilma AF Klint

Nr. 7, voksen alder - Hilma AF Klint

Selvom hun ikke er så kendt som mange af de mandlige kunstnere i sin tid, var den svenske kunstner Hilma AF Klint en abstrakt pionerkunstner, hvis radikale malerier er før mange af hendes mandlige samtidige. Han anmodede om, at hans store arbejde, hvoraf de fleste han aldrig blev udstillet i sit liv, forblev skjult op til 20 år efter hans død. 

Samlingen repræsenterer livets stadier, herunder barndom, ungdom, modenhed og alderdom. De kombinerer botaniske elementer og genkendelige organiske genstande, der henviser til fødsel og vækst.

Det Alder Voksen Nr. 7 af Hilma Klint Det er et enormt lærred, 3 meter højt og 2 meter bredt, blev malet på papir, på studiegulvet og derefter fast på et lærred.

AF KLINT fortolker voksenlivet i fuld blomstrende maleri Flere former, der flyder frit i forskellige størrelser og farver på en syrinbaggrund. Det centrale gule symbol ligner en blomst, mens spiraler og biomorfe former er symboler på vækst og fertilitet.

 

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

 Senecio - Paul Klee

Afsluttet i 1922, Senecio -maleri Det er en manifestation af sansen for humor og afrikansk kultur af Paul. Enkle farver og former, Paul bruger flere toner af orange, rød og gul for at afsløre portrættet af en gammel mand. Den kunstneriske brug af former giver det falske indtryk af, at der hæves et øje. Dens venstre øjenbryn er repræsenteret af en trekant, mens den anden dannes af en simpel buet linje. Portrættet kaldes også leder af en mand, der går senil, og imiterer med vilje værker af kunst af børn ved hjælp af tvetydige former og former med minimale ansigtsoplysninger.

Denne tilpasning af det menneskelige ansigt er divideret efter farve i rektangler. De flade geometriske firkanter opretholdes inde i en cirkel, der repræsenterer et maskeret ansigt og viser den flerfarvede dragt for en Harlequin. Et portræt af kunstneren Senecio -kunstner kan ses som et symbol på det skiftende forhold mellem kunst, illusion og dramaets verden. Dette maleri demonstrerer principperne for Klee's kunst, hvor de grafiske elementer i linje, farve og rumplaner sættes i bevægelse af en energi fra kunstnerens sind. I sine fantasifulde skrifter kunne han med sine egne ord "tage en vandrelinie ud."

 

Nr. 4 Etail Bleue - Joan Miró

Etoile Bleue - Joan Miró

Etoile bleue maleri Det var overgangen af ​​Miró mellem figurativ og abstrakt kunst.

Dette maleri er kendt for at være et af de vigtigste malerier i Miros karriere. Især kan den brændende blå, der blev brugt, ses i flere af hans fremtidige værker og påvirkede endda malere som Mark Rothko og Yves Klein.

Etoile Bleue er et fantastisk maleri, men det er et maleri af spørgsmål mere end svar.

Miró var den store synthesizer i en æra med mange forskellige ideer, noget som i dag, men de kunstneriske ideer fra da var meget mere komplekse end i dag.

Maleriet kombinerer Fauvistas -farver, kubistformer og surrealistiske intentioner i et værk, som seeren visuelt kan udforske igen og igen. Det er blandt så mange ting, at du har mange spørgsmål, hvis svar er lige så drømmeagtige som billedet.

Hvis den blå form observeres i øverste venstre hjørne. Det er en fugl. Det er mest sandsynligt, men hvilken fugl er ikke klar. Når man ser på det i et stykke tid, kan det bestemt sige, at det er en dynamisk form, men det kan let argumentere for, at det flyver til venstre eller til højre eller endda ned og mod os.

Det store røde stykke i det nedre centrum. Er det en fod? Det ses bestemt så stabilt og forankret som det blå stykke er dynamisk.

Dette maleri er en juvel for dine elskere. Ved første øjekast vugger det lidt og bevæger sig, men et øjeblik bevæger det sig mod den elastiske figur nederst til højre.

Miró, en katalansk kunstner født i Barcelona i 1893, kaldte hans surrealistiske drømmelandskab Peinture (Étoile Bleue) af 1927 et nøglebillede, der inkorporerer symboler, som han ville bruge gentagne gange i senere år, og endda den farverige blå farve påvirkede senere malere, herunder Mark Rothko og Yves. Klein

 

Nr. 5. Sammensætning VII - Wassily Kandinsky

Komposition VII - Wassily Kandinsky

Det Maleri sammensætning VII Af Wassily Kandinsky betragtes af mange fans af abstrakt kunst som det vigtigste kunstværk i det tyvende århundrede, måske endda det vigtigste abstrakte maleri nogensinde skabt.

Dette arbejde er en logisk fortsættelse af sammensætning V og Komposition VI . De tre malerier er forbundet med temaet Apocalypse. Sådanne elementer i sammensætning VI, hvordan oversvømmelsen og opstandelsen kan spores i dette arbejde. Dets hovedtema er den endelige dom, men det ses ikke som en katastrofe, men som en befrielse, overgangen fra verden fra materialet til det åndelige. Derfor adskiller komposition VII sig fra de andre værker i serien for dens klare farver og dens mousserende kontrastlinjer.

Kandinsky byggede hver af sine kompositioner, så seeren kunne komme ind i billedet som om han vendte sig inde i hende. Han lavede den nedre kant af sammensætningen tungere og skubbede den fremad, mens den øverste del forbliver lettere og mere fjernt for seeren. En af de vigtigste kontraster for kunstneren, blå og gule danner det centrale område af aktiv bevægelse ind og ud.

Kandinsky brugte mange måneder på at forberede sin komposition VII, men det tog kun fire dage at male hende. Kunstneren gennemførte omkring 30 undersøgelser af dette maleri. Nogle af dem husker Caravaggio eller Leonardo da Vinci med deres detaljerede undersøgelser af stoffet, bladene på træerne eller de menneskelige lemmer. I denne serie viser nogle værker gentagne gange den samme buede linje, andre viser skematisk de grundlæggende strukturelle elementer i sammensætningen, og nogle indeholder et detaljeret plan af sammensætningen. Derudover er der omkring 15 forskellige malerier, der er relateret til sammensætning VII: dette er olie -skitser eller blyant, akvareller, glas og indgraverede malerier.

Gabrielle Minter, der var vidne til oprettelsen af ​​dette maleri, skrev i sin avis den 25. november 1913, at lærredet til komposition VII blev leveret i hans hjem i Murnau, og Kandinsky begyndte at arbejde samme aften. Den næste morgen tog han det første fotografi af maleriet, og efter frokost tog han det andet. Indgangen til 28. november i Diario de Minter sagde, at maleriet var afsluttet. Den 29. november tog han et foto af det færdige arbejde. Således blev fødslen af ​​et stort mesterværk registreret.

Komposition VII indtager positionsnr. 100 på vores liste over Berømte malerier

 

Nr. 6 Sammensætning X - Kandinsky

 Sammensætning X - Kandinsky

Candinsky blev citeret som en af ​​de første mestre af abstrakt maleri, Wassily Kandinsky var ikke kun en russisk maler, men også en kunstteoretiker. Indflydelsen, der indledte og efterlod i kunstverdenen og i abstraktion, var enorm siden kunstgruppen Phalanx og den nye gruppe kunstnere fra da af og organiserede udstillinger for deres samtidige gennem sine år som kunstner. Han producerede mere end 600 værker i hele sin karriere med et maleri fra 1913, der nåede sin rekordpris på auktion på 41,6 millioner dollars i 2017. 

På trods af denne imponerende rekord var hans mest betydningsfulde arbejde muligvis Sammensætning x. Sidste i hans liv med 'kompositioner'. Med det forsøgte han at kulminere sin forskning om renheden af ​​form og udtryk gennem dette arbejde. Efter at have brugt den sorte farve i moderation i sin praksis til dette punkt, er det blevet kritiseret, at dette værk fremkalder både kosmos og mørket i den tegn, der nærmer sig i slutningen af ​​dets liv. 

Oprindeligt blev oprettelsen af ​​sammensætning X påvirket af de biomorfe former for surrealisme.

Imidlertid brugte Wassily Kandinsky senere kunsten at bruge organiske former i hendes malerier. Dette er en stil, som han senere brugte gennem sine malerier.

Stilen gav hans arbejde singulariteten. Det var let og næsten umuligt ikke at genkende de malerier, der blev skabt af Wassily Kandinsky, da de blev vist på udstillinger eller andre steder.

Derudover blev sammensætning X oprettet i Frankrig. Når man ser malingen nøje, viser det, at maleren brugte en sort baggrund. Hovedårsagen til at bruge den sorte baggrund var, at farverne i forgrunden ses tydeligt.

 

Nr. 7 Konvergens - Jackson Pollock

Konvergens - Jackson Pollock

Konvergens "Et sort / hvidt maleri, som Pollock kastede primærfarver på," afspejler krisen i den kolde krig. Det er et af hans mesterværker, og det kan også være det bedst kendte maleri af en abstrakt ekspressionist. I 1964 producerede Springbok -udgaver et puslespil, der blev forfremmet som det "mest vanskelige puslespil i verden", og hundreder af tusinder af amerikanere købte det.

I 1951 sagde Pollock: ”Det ser ud til, at den moderne maler ikke kan udtrykke sin tid, flyet, atombomben, radioen, i de gamle former for renæssancen eller nogen anden tidligere kultur. Hver æra finder sin egen teknik. " Pollock fandt sin teknik i maleriet af huse og drypper og brugte den til at udtrykke sin egen tid.

Med en størrelse på 237 x 394 centimeter er konvergens en af De fleste ambitiøse malerier af Pollock. Han er kendt for sin visuelle glans og fremkalder dybe følelser i seeren. Selvom Jacksons værker stadig er vanskelige at dechiffrere, selv for kunsteksperter, betragtes hans malerier som manifestationer af ytringsfriheden. Konvergens, som er et fremtrædende eksempel i den forstand, er stadig et af dens mest berømte mesterværker.

Nr. 8 Elegory til den spanske republik -Robert Motherwell

Elegory til den spanske republik - Robert Motherwell

Selvom Robert Motherwell kun var 21 år gammel, da den spanske borgerkrig brød ud, påvirkede hans grusomheder ham meget i de følgende år. Dette førte til, at han skabte en serie på mere end 200 malerier som svar på ham. Serien 'valgt til den spanske republik' fungerer som en mangfoldighed af mindedag om menneskelig lidelse, samt "abstrakte og poetiske symboler for den ubønnhørlige cyklus af liv og død."

Om elegierne erklærede Motherwell, at ”Efter en periode med at male dem opdagede jeg sort som et af mine problemer, og med sort, kontrasterende hvid, er en følelse af liv og død, der for mig er ret spansk. De er i det væsentlige den spanske sorte død kontrasteret med blænding af et sollys som Matisse. ”

Hans elegier udgør en udvidet abstrakt meditation om liv og død. Gennem serien er vandrette hvide lærreder rytmisk divideret med to eller tre lodrette stænger frit tegnet og punkteret i flere intervaller med ovoide former. Malerierne er normalt helt sammensat af sort og hvidt, sorgens farver og glød, død og liv. Motherwell kommenterede sammenfiltring af disse kræfter som en metafor for deres forståelse af oplevelsen af ​​at være i live.

Han valgte den spanske republik beskriver en majestætisk passage af det organiske og det geometriske, det utilsigtede og det bevidste. Som andre abstrakte ekspressionister blev Motherwell tiltrukket af det surrealistiske princip om automatisering - af metoder, der slap til kunstnerens bevidste intention - og hans slagtilfælde har en følelsesladet byrde, men inden for en generel struktur af en bestemt sværhedsgrad. Faktisk så Motherwell de omhyggelige arrangementer af farve og form som hjertet af abstrakt kunst, som "er frataget andre ting for at intensivere det, dets rytmer, rumintervaller og farvestruktur."

Nr. 9 Black Iris - Georgia O'Keeffe

Black Iris - Georgia O'Keeffe

Dette monumentale blomstermaleri er et af O'Keeffes første mesterværker. Ved at forstørre kronbladene langt ud over proportioner af den naturlige størrelse tvinger det seeren til at observere de små detaljer, der ellers kunne overse. Da malerierne af denne gruppe først blev udstillet i 1924, blev selv Alfred Stieglitz, hendes mand og købmand, overrasket over hendes modighed.

Georgia O'Keeffes Black Iris er et eksempel på et af hans mange værker om blomsteremne og især Iris, en blomster rig på symbolik. I Black Iris III var O'Keeffes mål imidlertid ikke at henvise til denne symbolik eller tilføje den, men snarere opfordre seeren til at se og se blomsten og overveje de forskellige måder, hvorpå folk ser. Det bliver således en dyb meditation om kunsten at kigge, ikke kun til kunst, men til livet. I denne artikel analyserer SingularArt den projicerede symbolik i O'Keeffes maleri såvel som dets egne intentioner, når de skaber Black Iris III. 

Georgia O'Keeffe var bekymret for spørgsmålet om Iris -maleri i mange år, især Black Iris, som var vanskeligere at finde og kun var tilgængelig i et par uger om året i New York. Iris er et familiesymbol i den vestlige verden: i græsk mytologi personificerer gudinden Iris regnbuen og forbindelsen mellem himmel og jord; I kristendommen symboliserer iris Kristi lidenskab og opstandelse såvel som Marias lidelse. På sin side forvandlede Linda Nochlin, kunsthistoriker, iris fra O'Keeffe til et feministisk symbol, når han beskrev dem som en "morfologisk metafor" af de kvindelige kønsorganer, hvilket afspejler "den feminine og den naturlige orden." Black Iris IIIYs beskrivelse af sort iiiy De andre irismalerier af O'Keeffe forankret dem i kunstens historie og feminismens historie og feministiske kunst.

O'Keeffe afviste imidlertid denne beskrivelse og sagde, at: ”Ingen ser en blomst, virkelig, er så lille. Vi har ikke tid, og ser tid at have en ven tager tid. Hvis jeg kunne male blomsten nøjagtigt som jeg ser den, ville ingen se, hvad jeg ser, fordi jeg ville male den lille, da blomsten er lille. Så jeg sagde til mig selv: Jeg vil male, hvad jeg ser, hvad blomsten er for mig, men jeg vil male den stort og vil blive overrasket, når du tager dig tid til at se på det, jeg vil få selv de besatte New Yorkere til at tage sig tid til At se, hvad jeg ser om blomster. Jeg fik dig til at tage mig tid til at se på, hvad jeg så, og da du tog mig tid til virkelig se . Blomsten, og det gør jeg ikke.

Nr. 10 Exchange - William de Kooning

Udveksling - William de Kooning

I 1955 afsluttede Kooning Willem arbejdsbørsen. Han havde fokuseret længe på at omarbejde undersøgelser af figurer involverede kvinder, der begyndte i 1948. Disse var forbundet med deres individuelle udstilling i 1953, malerier om emnet kvinder, der åbnede i New York City på det tidspunkt. Nogle titler af disse værker inkluderer kvinder I, Woman III og Women V, såvel som to kvinder med en død natur.

I 1955 var han fra Kooning stoppet med at male menneskelige figurer og fortsatte med at bruge abstrakte repræsentationer af arkitektur og samfund i New York City.

Kooning Willem brugte hurtige gestusmærker på lærredet. Billedet viser en kvinde, der sidder i en stol, men kvinder vises kun som en masse top. Da han udnævnte sine malerier, foretrak han altid et link til det område, hvor han boede. Udvekslingen opnåede navnet på omgivelserne, centrum af New York, det sted, hvor han boede i løbet af denne tid.

Oprindeligt blev maleriet solgt af kunstneren i 1955 for $ 4.000.

Det blev derefter solgt af David Geffen Foundation til Kenneth C. Griffin for $ 300 millioner i september 2015, hvor det placerede på andenpladsen på listen over dyrere malerier, kun overgået af Salvator Mundi de Leonardo da Vinci, der blev solgt for 450,3 millioner dollars i november 2017.

Kuadros ©, en berømt maling på din væg.

Efterlad en kommentar

Et smukt religiøst maleri på væggen i hans hus

Korsfæstelsen
UdsalgsprisFra £125 GBP
KorsfæstelsenAlonso Cano
pintura Jesus rezando en Getsemaní - Kuadros
UdsalgsprisFra £79 GBP
Jesus beder i getemaníKuadros
pintura Bendición de Cristo - Rafael
UdsalgsprisFra £88 GBP
Velsignelse af KristusRafael